Comme les gens de goût le savent un évènement de grande importance s’est déroulé cette semaine (non, pas les résultats de mi-parcours des TM Golden Blog, seriously, revoyez vos priorités). Pour ceux qui ne verraient pas du tout de quoi il s’agit, je propose une petite rétrospective. Il n’est jamais trop tard pour découvrir un chef d’œuvre, pas vrai ?

En 2001 un monsieur répondant au doux nom d’American McGee, développeur chez Electronic Arts, sortait son propre jeu, librement inspiré du célèbre conte de Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles et de sa suite, Alice de l’autre côté du miroir. Mais voilà, ne vous attendez pas à une adaptation gentillette et ordinaire comme fut le film pourtant très attendu de Tim Burton. Non, là on joue dans un tout autre domaine. Car oui, le jeu est déconseillé aux moins de 16 ans si je me souviens bien. Devinez pourquoi  !

Alice est une petite fille à l’imagination débordante qui aime voyager au Pays des Merveilles. Mais voilà qu’une nuit, un incendie ravage sa maison et la laisse seule survivante. Après avoir assisté à la mort de ses proches, elle plonge dans la folie et se fait internée à l’asile Rutlege pendant de nombreuses années. Allongée sur son lit d’hôpital, le regard vide, la pauvre Alice mène une existence guère enviable jusqu’au jour où son lapin en peluche prend vie et l’incite à le rejoindre au Pays des Merveilles. Après une longue chute dans son inconscient, elle retrouve finalement ce monde fantastique désormais dévasté et cauchemardesque que dirige d’une poigne de fer la terrible Reine de Cœur.

J’ai découvert American McGee’s Alice dans les années 2007 grâce à un ami de lycée qui, connaissant mon amour immodéré pour le conte de Lewis Carroll, eut la bonne idée de m’apprendre l’existence de ce jeu. Au départ il m’avait montré le manuel de jeu qui, en lui-même, est vraiment intéressant. En effet toute l’aventure d’Alice se déroule au Pays des Merveilles et le manuel s’en fait l’écho en racontant sous forme de journal, la vie de la jeune fille dans la réalité (qu’on ne voit jamais autrement en dehors des cinématiques), à travers le regard de son docteur. Il n’en fallait pas plus pour piquer ma curiosité. Dès le début j’ai su que ce jeu avait été fait pour moi et immédiatement j’étais fan.

L’autre grand allié de cette nouvelle Alice, en dehors du couteau de boucher, est le chat du Chester qui a un peu maigri depuis le dessin animé Disney. Avec son corps squelettique, ses tatouages et ses percings, il a de quoi faire peur, c’est pourtant votre plus fidèle conseiller qui se complaît à apparaître de nulle part pour vous débiter des énigmes d’une voix doucereuse et disparaître comme il était venu avec un rictus plus maléfique que rassurant. Le chat du Chester respire le charisme à plein nez, c’est assez fou.

A partir de ces quelques postulats de base vous êtes largués dans un pays qui n’a plus rien de merveilleux et il va falloir faire chauffer le couteau pour rejoindre le domaine de la Reine de Cœur et lui faire sa fête. D’ici là la route sera parsemée d’embûches : vous devrez, par exemple, traverser un échiquier où blancs et rouges se livrent une bataille sans merci (et assisterez en live à une décapitation =D), la vallée des larmes en étant toute petite (et les insectes ne sont pas très amicaux de ce côté-là), la terre de feu, le domaine du miroir et un labyrinthe avant d’enfin parvenir dans un palais qui semble organique et qui vous donnera la désagréable impression de marcher sur des morceaux de chair fraîche encore frémissants. Impression d’autant plus renforcée que la Reine de Cœur apprécie tout particulièrement l’usage des tentacules. Mais pour parvenir jusqu’à elle il faudra d’abord défaire ses acolytes dont le Chapelier Fou qui vit dans une antre mécanique remplie de rouages, d’horloges et de symboles sataniques ensanglantés ou pire, le Jabberwock, une créature aussi abominable que perfide.

Je ne m’y connais pas assez pour juger des qualités techniques du jeu (même si certains l’ont trouvé un peu court) donc je m’attarderai surtout sur l’histoire. Car ce qui est intéressant dans American McGee’s Alice c’est que le Pays des Merveilles n’est qu’une métaphore représentant le monde imaginaire de l’héroïne. Il est, en somme, à son image et ses longues années d’internement en ont fait un pays de cauchemars et d’hallucinations morbides. Le but n’est alors pas juste de battre bêtement tous les monstres qui passent par là, c’est plus subtil : la Reine de Cœur est la personnification de la folie d’Alice, cette dernière ne peut donc espérer retrouver sa santé mentale qu’en la mettant en pièces. Tout repose donc plus ou moins sur sa volonté de s’en sortir malgré le terrible souvenir de l’incendie dont elle se sent responsable. Le jeu abonde de détails qui renvoient à cette folie omniprésente ou à la vie « réelle » d’Alice. Par exemple, l’omniprésence de petits gnomes qui ne peuvent s’exprimer qu’avec des bruits grotesques et qui sont tour à tour à l’air libre, cobayes des expériences du Chapelier ou enfermés dans des cellules capitonnées dont Tweedle-Dee et Tweedle-Dum sont les gardiens, ou encore le thème du temps qui est maltraité partout, sous toutes les formes possibles et imaginables.

L’ambiance glauque d’American McGee’s Alice est accentuée par une bande-son superbe composée par Chris Vrenna qui a déclaré dans des interviews s’être largement servi d’instruments de musique « pour enfants » pour mieux les détourner et en extraire des sons inquiétants et déformés. Saupoudrez le tout de quelques chœurs féminins angoissants et de rythme très semblable à un compte à rebours et vous obtenez une assez belle réussite. Toutes les pistes sont vraiment chouettes mais je retiens tout particulièrement la très planante Flying on the Wings of Steam (qui paradoxalement est la moins en rapport avec le thème pays des merveilles), I’m Not Edible ou encore des thèmes qui ne se retrouvent malheureusement pas dans l’OST officielle comme celui du combat contre le Jabberwock et contre le boss final (celui-là donne des frissons).

American McGee’s Alice est de loin mon jeu préféré et garde une place très particulière dans mon cœur. Je pense qu’il n’est clairement pas déplacé de le conseiller à tous les amateurs de jeux matures un peu gores, du livre original, aux gens qui ont été déçus par le film de Tim Burton ou plus globalement tous ceux qui aiment les expériences nouvelles. C’est vraiment un voyage intense dont on ne se remet pas.

Le rapport avec ces derniers jours ? Electronic Arts a annoncé il n’y a pas si longtemps qu’une suite était en préparation. Vous pensez bien que les fans ont commencé à saliver à cette annonce prometteuse. Un petit trailer est même sorti :

ATTENTION, déconseillé aux personnes sensibles (j’espère que vous n’êtes pas en train de manger)

Pour une amatrice comme moi, c’est clairement une excellente nouvelle. Dix ans après le jeu original, Alice : Madness Returns est enfin sorti sur PC, PS3 et Xbox, le 16 juin en France, le 14 aux USA. Et que dire sinon que ça l’air magnifique ? Le peu que j’en ai vu semble légèrement en dessous du premier Alice (pas de carte, ce qui est un peu dommage, certains lieux que j’aurais aimé revoir) mais ça a tout de même l’air d’un très bon titre. Donc oui, CECI est l’évènement le plus important de la semaine et rien, ni l’E3 ni la sortie de Duke Nukem Forever ou je ne sais quoi n’a pu faire monter mon enthousiasme au même point que Madness Returns. En plus j’ai cru comprendre qu’en achetant le nouveau jeu, on obtiendrait une version immatérielle d’American McGee’s Alice donc raison de plus pour se jeter sur ce produit et découvrir cet univers fascinant et profondément  morbide. Sur ce, vous m’excuserez, je suis tellement deg’ de ne pas avoir pu me procurer la version PC le jour de la sortie (visiblement on ne vend pas la version PC en magasin, grumbl) que je sens que je vais sortir dehors avec mon couteau de boucher pour me défouler un peu sur cette théière géante à œil de cyclope. Et après ça j’irai jouer au flipper avec une tête de bébé mort. Et je mettrais la robe à tentacules de la Reine de Cœur. Le sang va gicler dans les chaumières !

Je sais que ça risque de paraître ironique d’évoquer un anime dont je suis lassée d’entendre parler depuis des mois au moment même où je pourrais enfin être tranquille mais techniquement je compte surtout faire quelques réflexions en filigrane d’un autre anime que j’apprécie bien plus : Le portrait de petit Cossette (ou petite Cosette vu que je suis française et que le « franponais » me pique un peu les yeux), une courte série d’OAVs sortis en 2004.

Kurahashi Eiri est un jeune artiste qui travaille dans le magasin d’antiquités de son oncle sur son temps libre. Il passe son temps à dessiner et à rêver mais ces derniers temps il semble encore plus dans la lune que d’habitude, il se fait distant, voit de moins en moins ses amis qui s’inquiètent de sa santé. Pour eux il n’y a qu’une explication à cette soudaine mélancolie : Eiri est amoureux. Pourtant le concerné évite le sujet et reste étonnamment vague tant et si bien que tous se demandent qui est cette fille mystérieuse qui lui fait perdre la tête et si elle existe vraiment. Oui, Eiri est amoureux mais il ne peut pas le dire puisque l’élue de son cœur n’est autre que le spectre d’une jeune femme qui vit dans un verre vénitien. Cette dernière, du nom de Cosette, l’intrigue au plus haut point. Quelle est son histoire ? Et pourquoi a-t-elle des yeux si tristes ?

Un parallèle pas tout à fait incongru

Si j’évoque Cosette et Madoka ensemble c’est qu’il y a une bonne raison. Comme beaucoup de personnes j’ai suivi cette année la série magical girl mais je dois avouer que mes impressions sont assez différentes des éloges incessantes que j’entends sur l’anime car depuis le début Mahou Shoujo Madoka Magica ne m’a jamais surprise. Je ne savais pas que Gen Urobuchi, créateur de Saya no Uta, était au scénario et le chara-design mignon ne me dupait pas non plus. Depuis le début j’étais persuadée d’avoir à faire à un anime qui présenterait le genre magical girl sous un jour un peu plus original que d’habitude sans toutefois pousser au chef-d’œuvre. Le 3^e épisode, qui a choqué tant d’autres, m’a juste conforté dans mes convictions. Aussi n’ai-je jamais vraiment été d’un enthousiasme débordant à ce sujet. Pour moi ce n’était qu’un anime sympathique avec des éléments de scénarios intéressants. Avec le recul je me suis rendue compte que mes attentes de base étaient complètement étranges. Comment aurais-je pu savoir exactement en quoi consistait Madoka alors même que l’équipe de Shaft faisait tout pour ménager la surprise ? En fouillant un peu dans mon inconscient je crois que je tiens la réponse et la réponse la voilà : Le portait de petite Cosette.

En effet Madoka est la seconde collaboration de ma compositrice fétiche, Yuki Kajiura, avec Ayuki Shinbo et le parallèle n’est pas innocent : les deux animes possèdent une ambiance sombre, des partis-pris graphiques parfois surprenants et cette origine musicale commune. Madoka fait même clairement référence à Cosette puisque la maison d’Akemi Homura est une réplique de la boutique d’antiquités d’Eiri. Il y a aussi une odeur de subversion dans l’air (subversion d’une histoire d’amour / subversion des magical girls) mais la différence majeure qui sépare ces séries « sœurs » tient surtout à leur accessibilité. Madoka se voulait être dès le départ choquante et simple à suivre pour frapper un large public. Preuve en est que désormais bon nombre de ses fans considèrent que toute déconstruction un peu gore et audacieuse « a un air de Madoka », n’en ayant probablement pas expérimenté beaucoup d’autres avant (ce qui est profondément dommage). En gros le but de Shinbo était de toucher la masse, alors que c’est radicalement l’inverse avec un anime aussi complexe que Cosette que seule une poignée de gens pourront véritablement apprécier. On peut donc voir une certaine progression dans ses travaux, notamment avec un autre outil de compréhension que j’utiliserai plus tard (et plus modérément, n’ayant vu que le 1^e épisode), qui est The Soul Taker. Avec ces considérations en tête il est temps de revenir à ce qui nous intéresse vraiment, c’est-à-dire Le portrait de petite Cosette.

Star-crossed lovers

Cette série assez particulière nous dépeint donc la descente aux enfers de ce brave Eiri (doublé par Saiga Mitsuki, qui est connue pour ses nombreux rôles masculins comme Rossiu dans Gurren Lagann) qui plonge lentement mais sûrement dans la folie et l’hallucination à cause de son amour pour Cosette d’Auvergne (c’était le premier rôle de Marina Inoue si je ne m’abuse). Les autres personnages ont relativement peu d’importance, toute l’intrigue est véritablement concentrée entre eux. Eiri est un type tout ce qu’il y a de normal, excepté son talent d’artiste, et on s’identifie pas mal à lui en ce qu’il est vite complètement dépassé par ce qui lui arrive. Ce fantôme d’une beauté éblouissante, avec ses cheveux blonds et ses yeux bleus, le hante en permanence et il ne sait au fond plus s’il a vraiment envie de s’en défaire. Tantôt il est heureux de dessiner sa muse, tantôt le voilà forcé de boire un verre rempli de sang ou enchaîné dans un paysage absurde et repoussant dans une sorte de séance d’exorcisme macabre lors de laquelle il se fait arracher les tripes. Eiri ne comprend plus rien, il souffre, il a mal, mais il ne peut pas s’empêcher de songer à la jolie Cosette toujours vêtue en gothic lolita, toujours si triste. Et cet amour l’entraîne aux confins de la mort. Il subit pourtant ces scènes extrêmement douloureuses et accepte ce sort juste pour pouvoir s’approcher davantage de sa bien-aimée. Oui il est complètement fou mais je crois que tous ceux qui ont été amoureux un jour doivent reconnaître dans cet aveuglement quelque chose de familier.

Or ce que la voix de Cosette nous indique dès le début c’est que leur histoire est bien entendu impossible. Elle est morte depuis des siècles, enfermée pour l’éternité dans les objets qui ont assistés à son trépas et ne peut retourner à la vie qu’avec le sacrifice de celui qui l’aimerait suffisamment pour consentir à cet effroyable marché. Mais si elle ressuscite, elle se retrouvera seule à pleurer la mort de cette personne puisqu’il ne sera plus. Autrement dit tout l’anime se concentre sur ce combat à la fois intérieur et extérieur de ce drôle de couple pour rendre leur amour possible malgré tout. Si Cosette a au début surtout l’air de considérer Eiri comme un simple outil, très vite leurs relations se complexifient, car comment rester insensible à la vue d’un homme qui accepte une souffrance intolérable juste pour vos beaux yeux ?

Bienvenue en enfer

Ce qui marque le plus dans le visionnage de cette série c’est l’ambiance qui s’en dégage et l’alliance graphique et sonore effectuée. Je suppose que je n’ai pas besoin de louer le travail de Yuki Kajiura une fois de plus mais je vais le faire quand même. L’OST est majoritairement orienté autour d’un mélange violon/piano du plus bel effet. S’il y a bien entendu quelques thèmes mélancoliques et tristes (comme Somwehere I belong), l’essentiel reste tout de même tourné vers l’idée de violence, d’angoisse et d’étrange (comme Love Pain). Et justement Shinbo a choisi de faire du Portrait de petite Cosette une expérience essentiellement dénuée de mots. Je ne sais vraiment pas comment je pourrais vous décrire ça. L’ambiance visuelle comporte une très large imagerie à base de sang, de chaînes, de croix, de squelettes, de vieux objets, de pleine lune, d'yeux, de lumière vacillante et d’ombres. On bascule souvent dans le fantastique pur sans savoir quelle est l’hallucination et quelle est la réalité (mais pas du tout à la manière d’un Perfect Blue) et surtout on en prend pleins les yeux en permanence, c’est beau et déconcertant à la fois. Beaucoup de scènes sont là pour renforcer cette « imagerie », comme lorsqu’Eiri peint un tableau avec son propre sang (c’est purement épique et totalement impossible à la fois), quand il dessine Cosette en haut d’une tour qui a sa forme et éclairée par des centaines de chandelles partout et dont l’intérieur semble emprunté au corps humain, ou même quand Cosette se jette dans le vide et que le ciel est rouge. C’est réellement spécial alors ça plus la musique, il y a de quoi être assez confus.

Par rapport aux différents travaux de Shinbo je crois qu’à mes yeux Cosette représente une sorte d’équilibre. The Soul Taker possédait un premier épisode totalement « invisionnable » justement à cause de la confusion graphique : on ne sait plus très bien ce qui se passe ni ce que l’on regarde. Madoka s’oriente vers un autre style où les ajouts graphiques ne font finalement plus partie que d’un décor sans cesse enrichi. Cosette possède quelques plans qui font penser à Madoka, essentiellement dans l’opening, et d’autres à The Soul Taker dans l’utilisation des vitraux et la transformation du héros (les deux se ressemblent beaucoup d’ailleurs), mais penche plus du côté de ce dernier. C’est difficile d’entrer dans cet univers mais en même temps il comporte tellement plus d’éléments intéressants que dans les séries récentes de Shinbo. Analyser de fond en comble Le Portrait de petite Cosette est juste impossible tant il y a de symboles un peu partout, certains plus importants que d’autres bien sûr.

Cosette et son portrait

Le scénario en lui-même possède deux aspects : le premier est l’histoire d’amour impossible qui vire au cauchemar le plus total, à mi-chemin entre l’obsession et la folie, mais il y en a un second légèrement effleuré dans le deuxième OAV et plus largement exploité dans le troisième qui est la question de l’art. Et là je suis obligée de spoiler pour vous parler du cœur de ce qui rend Le Portrait de petite Cosette intéressant.

\!/ Attention, spoilers \!/

Il convient de se pencher sur la véritable signification du titre de l’anime. Pas tant sur le fait que ce soit en français (Cosette d’Auvergne est censée être née en France dans le XVIIIe siècle) que sur la référence qu’il comporte. Quand je lis « le portrait de », je pense immédiatement au Portrait de Dorian Gray d’Oscar Wilde qui comporte certaines similitudes. Là aussi le héros est en quelques sortes maudit par sa propre beauté, comme Cosette, et finit par faire une sorte de pacte involontaire avec le « diable », comme Eiri. L’argument principal de Dorian Gray qui le conduit à effectuer cet acte lourd de conséquence est sa soudaine prise de conscience que son portrait resterait éternellement jeune là où lui vieillirait. Il désire alors inverser les choses. Il en va de même pour Cosette qui est à l’aube de la puberté : elle est incroyablement belle et obsède son fiancé, le peintre Marcello (doublé par Ebara Masashi aka Friday Monday dans Madlax, ce qui veut tout dire), à tel point qu’il produit un nombre incalculable de tableaux à son effigie. Mais voilà Cosette va grandir, elle va devenir une femme et perdre cette moue innocente (de son vivant Cosette croyait que le monde était fait de bonheur et de sucreries), et cela lui est intolérable. Aussi décide-t-il de stopper son temps…et donc de l’assassiner !

Un peu plus tard Cosette, réalisant la cruauté de ses actes, décide de laisser Eiri vivre et de dormir pour l’éternité dans sa prison. Or elle ne l’avertit pas de cette décision soudaine, ce qui laisse l’occasion à un imposteur, et pas des moindres, de prendre sa place auprès de lui : son portrait. Car oui, l’intrigue déjà inutilement compliquée s’épaissit encore avec la présence de deux Cosette (heureusement la fausse garde toujours les mêmes vêtements donc on peut l’identifier…véritablement ?) et c’est là que ça devient réellement pertinent. Car le portrait de Cosette représente l’idéal de Marcello qui est la perfection, la beauté éternelle, là où son modèle est imparfait puisque la jeune fille désire vivre, vieillir et mourir. On assiste là à une sorte de duel entre 2D et 3D (si je puis m’exprimer ainsi), entre la perfection inaccessible et la réalité, l’immortalité et l’éphémère.

Certains détails aiguillent d’ailleurs le spectateur vers cette révélation de l’existence d’une fausse Cosette lorsque cette dernière monte les marches de la tour avec un chandelier à la main (alors que depuis le début elle ne tenait qu’une seule bougie) le tout sur fond d'une musique nommée Fake Jewel. Un bref instant nous dévoile soudain une des trois branches étrangement éloignée des deux autres avant que l’illusion ne reprenne droit, comme pour signaler dès le départ qu’il y a trois personnages en jeu. Et les dernières paroles d’Eiri seront justement que « tout doit redevenir un » (repasser du chandelier à la bougie originelle) lorsqu’il brise l’illusion en opposant à l’idéal de perfection de Marcello son propre idéal de l’art qui est d’élever l’humanité. Contrairement à son prédécesseur il est prêt à se sacrifier pour l’art (représenté par Cosette) et non à sacrifier l’art pour ses propres fins et préfère la véritable demoiselle dans ce qu’elle avait de fugitif et d’éphémère au portrait froid et figé.

On peut donc se demander à travers cette série de réflexions quel est le but de l’art, quelle serait sa définition et s’il faut lui sacrifier la réalité. En ce sens, la fin un peu cryptique de l’anime prend soudain sens : Eiri abandonne Cosette à son sommeil et retourne (on le suppose d’après le rêve de son amie Shouko) à la réalité pour dessiner plus. Or les dernières secondes de l’OAV nous montre Cosette ouvrir soudain les yeux. C’est un peu comme si l’idéal qu’elle représentait ne pouvait tout à fait quitter l’art que revendique Eiri. Cosette comme parabole de l'artiste possédé par son propre génie ?

\ !/ Fin spoilers \ !/

Design du manga

En conclusion, le Portrait de petite Cosette est une œuvre assez inhabituelle dans le paysage japonais en ce qu’elle se rapproche plus d’un roman anglais à la Oscar Wilde (dont elle serait inspirée ?) qu’à un anime traditionnel. Malgré une intrigue difficile à suivre (le pourquoi du comment des objets antiques tueurs est davantage abordé dans le manga, ce qui est un chouilla dommage) et sinueuse, on y retrouve une ambiance psychédélique et envoûtante que les aficionados apprécieront et les graphismes très expérimentaux servent bien le propos qui est une mise en question de l’art. Pour les autres ce voyage au pays de la folie risque d’être plus difficile à apprécier et donc bien moins accessible que Madoka Magica. Je ne suis pourtant pas sûre que la direction que suit actuellement Shinbo soit la meilleure possible et finalement je crois qu’on est en train de perdre au change…

Cela faisait un moment que j’avais envie d’en parler et que je retardais un peu l’échéance, d’abord, d’un point de vue personnel, par manque de motivation mais aussi parce qu’écrire sur la série Boogiepop Phantom est extrêmement délicat. S’il existait une Ecole Normale Supérieure du blogging, faire un article sur le sujet serait à coup sûr une des épreuves d’admission !

Comme très souvent, mon premier contact avec Boogiepop Phantom a été via un trailer d’un de mes DVDs (un moyen souvent très efficace de dénicher de vieilles perles). Je me souviens ne pas y avoir compris grand-chose, même après avoir fait des recherches. Il y a avait des meurtres, des gens qui devenaient fous et puis une sorte de présence fantomatique. A chaque fois que je recherchais un synopsis, on disait qu’il était impossible de résumer l’intrigue ou qui étaient les personnages, ce qui augmentait ma frustration. Et aujourd’hui, enfin, je SAIS, je sais ce qui se cache derrière ce titre, j'ai la solution de l'énigme (roulement de tambours s’il vous plaît). Je sais mais je suis réduite au silence, la moindre tentative de présenter l’univers Boogiepop représentant un danger majeur de spoilers. D’où la difficulté de l’exercice auquel je vais m’atteler.

La scène se situe dans une métropole japonaise dont on ne précise pas le nom, une métropole plongée dans la nuit. Tout est calme lorsque, soudain, un pilier de lumière s’élève vers le ciel. Depuis le champ magnétique s’est emballé et enveloppe la ville d’une sorte d’étrange aurore boréale qui semble être à l’origine de phénomènes curieux. Des adolescents disparaissent petit à petit. Partout on souffle que c’est l’œuvre de l’ange de la mort, Boogiepop, sans vraiment y croire. Mais si Boogiepop existait vraiment ?

Boogiepop wa Warawanai (Boogiepop Doesn't Laugh) est en réalité une immense saga de light novels, écrits par Kadono Kouhei et illustrés par Ogata Kouji, qui a eu un succès retentissant au Japon à la fin des années 90, ce qui a contribué à l’émergence de plusieurs adaptations en manga, film et anime ainsi qu’à la naissance de plusieurs spin-offs, séquelles et préquelles, sans compter le drama CD. Bref, autant vous dire que c’est du costaud. L’anime dont je vais vous parler maintenant n’est donc qu’un fragment de la saga porté sur petit écran, un peu comme la partie émergée d’un iceberg. Une fois qu’on entre dans l’univers Boogiepop (et qu’on y accroche bien entendu), on ne peut plus en sortir, ce qui est d’autant plus rageant que les livres ont très peu passés la frontière japonaise, condamnant du même coup un fan étranger de la franchise à rester perpétuellement sur sa faim… Mais revenons à nos moutons.

Boogiepop Phantom, anime sorti en 2000 par Mad House, est une expérience assez unique à vivre à commencer par le plan visuel. Car durant les onze premiers épisodes les graphismes sont volontairement ternis, comme des clichés sépia. On distingue des couleurs tout en restant très proche du noir et blanc. Ce procédé est créateur d’un certain malaise, d’autant plus que passé et présent ont souvent tendance à se croiser, à se chevaucher, voire à se mêler. Quoi qu’il arrive les décors restent sombres, fantomatiques, presque étouffants. Visuellement c’est un anime « claustrophobique ». Ce n’est que lors de l’épisode final que la lumière sera finalement rendue à la ville. Ensuite, étouffante la série l’est aussi sur le plan sonore. On pourrait dédier un article entier au traitement du son dans Boogiepop Phantom mais je vais essayer de condenser le plus possible (et il y a beaucoup à dire). Lors des épisodes il y a en réalité très peu de musique. Tout comme Serial Experiments Lain (la comparaison va revenir souvent) Boogiepop Phantom mise beaucoup sur son ambiance sonore, sur des bruitages oppressants. Par exemple on entend très régulièrement un tintement étrange annonciateur de mauvaise fortune, des crissements électriques ou même un sifflement dès que Boogiepop doit apparaître (ce farceur aime siffler du Wagner figurez-vous). Tout ceci accentuant bien sûr la sensation de malaise déjà omniprésente, mais il y a plus encore.

Par curiosité j’ai voulu tester l’OST une fois la série achevée car il y avait une piste qui m’avait frappée. Je ne savais absolument pas à quoi m’attendre étant donné que je ne me souvenais pas avoir réellement entendu de musique tout au long de l’anime. Et surprise, si, si, Boogiepop Phantom a bien une OST, elle est même excellente. Malgré la qualité évidente du produit, chaque piste (composée par une personne différente) n’est utilisée qu’une poignée de secondes…quand elle est utilisée ! Ainsi le petit air qu’on entend à la moitié d’un épisode (vous savez pour la coupure pub) à raison de 10 secondes est en réalité une chouette piste de 4 minutes, pareil pour ce que j’avais pris au départ pour un bête bruitage (5 minutes de crissements électroniques saccadés, assez spécial on dira). C’est parfois à se demander si j’ai bien regardé la série dans sa totalité tant il m’est impossible de me souvenir avoir entendu 95% des pistes de l’album. C’est la première fois que je rencontre un anime à la bande-son aussi bipolaire…invisible lors du visionnage, unique lors de l’écoute. J'évoque à peine l'opening qui est à l'opposé du climat de terreur avec son rythme doux et tranquille (ce qui est déjà moins le cas de l'ending).

Maintenant qu’on a dépassé les considérations techniques, on en arrive à la partie la plus casse-gueule et vient une question : Que puis-je vous dire ? Il n’y a pas de héros à proprement parlé dans Boogiepop en ce que chaque épisode est perçu à travers un personnage différent, voire plusieurs. Ainsi un figurant qui avait une ligne à un moment donné peut devenir important un peu plus tard avant de retomber dans l’anonymat. A l’inverse on n’a jamais l’occasion de vraiment vivre à travers les personnages qui paraissent importants (désignés par l’opening) et qui sont pourtant les plus récurrents. Cette narration non-linéaire peut déboussoler au premier abord mais on s’y fait très vite, d’autant plus que c’est de cette manière que se résout peu à peu le gigantesque puzzle de l’intrigue : chaque personnage est relié de manière plus ou moins évidente aux phénomènes étranges qui se produisent en ville, donc chacun apporte des réponses et des questions. Chaque personnage possède sa propre histoire et quelle que soit la longueur de son « arc », force est de constater que celle-ci se montre souvent marquante et pousse à la réflexion. A travers ces adolescents pas tout à fait ordinaires se dévoile la société, ses vices, ses travers. La série aborde aussi bien les relations entre parents et enfants, la négation de la réalité, la désillusion, le refus de grandir que le complexe messianique ou la folie. Chaque personnage est un gros poing dans notre gueule qui vient remettre en cause tout ce que nous estimions solide et assuré. C’est sans aucun doute ce qui rend Boogiepop aussi fort, ces réflexions philosophiques sur le sens de la vie : les différents protagonistes qui se croisent, parfois sans le savoir, sont les reflets de nos faiblesses ; ce sont rarement des gens exceptionnels aux destins trépidants (enfin au début).

Au premier plan l'héroïne du premier épisode, doublée par Mamiko Noto

Comme Baccano le fera après lui, Boogiepop Phantom multiplie les focalisations et ce de manière cohérente. Si quelque chose peut paraître obscur au début, on se rend bien compte que tout est lié, voire deviner qui sera le prochain protagoniste principal. Il y a parfois des jeux d’échos : une scène qui semblait inutile à un moment est repassée sous une nouvelle perspective et prend un sens différent. Les flashbacks sont monnaie courante en ce que la série jongle perpétuellement entre passé lointain, passé proche et présent. Le tout est heureusement clairement annoncé. Reste cette sensation de malaise omniprésente. Car s’il y a violence dans Boogiepop c’est d’abord une violence psychologique (même s’il y a un ou deux démembrements au programme) très poussée.

"Oh Manticore, comme tu as de belles dents"

Je pourrais vous décrire plus en détails ce qu’il se passe mais il y aurait tellement de choses à dire…D’un côté on a Kirima Nagi (Yuu Asakawa), une jeune femme au caractère fort qui enquête seule sur ce qui se trame en ville, de l’autre Boogiepop (Kaori Shimuzu, mais si, Lain <3) entité mystérieuse qui apparaît on ne sait trop pourquoi et qu’il est facile de confondre avec son spectre Boogiepop Phantom (Mayumi Asano) tout aussi énigmatique. Il y a Masami Saotome (Jun Fukuyama <3), un étudiant ordinaire disparu depuis peu qui semble mêlé au trafic de drogue qui dérange la ville. Il y a Manaka (Sanae Kobayashi), petite fille qui envoie des papillons de lumière tout autour d’elle et qui ne peut que répéter ce qu’elle entend, tel un écho. Il y a Poom Poom (Rakuto Tochihara), garçonnet habillé en Joueur de Flûte de Hamelin qui, comme lui, semble charmer « les enfants ». Il y a Jounouchi qui croit être capable de percevoir les regrets des gens sous forme d’insectes, Yoji otaku timide qui tente d’échapper à un père autoritaire en se constituant une petite amie virtuelle, il y a Akane qui renonce à ses rêves pour se fondre dans le monde des adultes. Il y a une immense toile qui relie chacun d’entre eux autour de ce fameux pilier de lumière, autour de l’évolution de l’humanité.

En dire plus m’est malheureusement impossible alors je vais en rester là, j’ai déjà l’impression d’en avoir trop dit. Tout ce que vous avez à savoir sur Boogiepop Phantom c’est que c’est le résultat qu’aurait probablement donné Serial Experiments Lain sans Lain, une fable dérangeante sur la société moderne, une ambiance visuelle et sonore étouffante à souhait et une intrigue qui entraîne pas mal de réflexions philosophiques. Un véritable bijou pour qui n’a pas peur de l’inconnu. Le seul défaut de la série est précisément ce que j’ai évoqué au tout début de l’article : elle n’adapte qu’un fragment de cet univers immensément riche et complexe qu’est celui de Boogiepop, ce qui fait qu’il demeure un certain nombre de questions après visionnage. Et c’est là qu’entre en scène le second sujet de ce billet.

La même année que Boogiepop Phantom, à quelques mois ou semaines près, sortait Boogiepop and Others, un film adaptant le premier roman de la saga, donc tout ce qui précède immédiatement l’anime. En fait les deux sont parfaitement complémentaires, le générique de fin du film étant même l’opening de l’anime. Il a visiblement très mal vieilli avec le temps vu qu’on en parle très peu mais pour tout fan de l’univers, c’est un must.

Quelques mois avant les évènements de Boogiepop Phantom d’étranges disparitions ont lieu en ville. Des étudiantes du lycée Shinyo fuguent sans raison. On suit donc l’intrigue à travers les yeux de différents protagonistes (bien moins nombreux que pour l’anime) jusqu’à enfin démêler le mystère conduisant au pilier de lumière.

L’avantage du film est donc de combler un grand trou et d’apporter énormément d’informations sur des points nébuleux que la série ne faisait que survoler. Evidemment tout n’est pas dit non plus : on n’en apprendra pas vraiment plus sur l’organisation mystérieuse ni sur le docteur Kisugi qui avait l’air de jouer un rôle important dans l’intrigue de l’anime (mais qu’on ne voyait jamais assez), ni sur le tueur en série d’il y a cinq ans ou sur les origines de Boogiepop. Mais au moins on sait qui est véritablement Manticore, on découvre Echo et on apprend à connaître beaucoup plus Saotome. On a même un bel approfondissement à la relation qui unit Kirima Nagi à Suema Kazuko (ça virait presque yuri d’ailleurs ^ç^). Il y a aussi des nouveaux personnages dont on n’avait pas encore entendu parler et qui se révèlent fort intéressants.

Depuis que j'ai vu le film je suis fan du duo Saotome / Minako, c'est encore mieux que Merteuil et Valmont :3

La bande-son du film est d’ailleurs sublime puisque, oh bah ça alors, c’est Yuki Kajiura qui s’en est chargée. Il n’y a qu’une dizaine de morceaux et on est loin de ce que sera Noir un an plus tard mais ça se laisse fichtrement bien écouter. D'ailleurs, petite parenthèse de fangirl outrée, quelques pistes dédiées à Boogiepop ont parus récemment dans The Works for Soundtrack, censée être une compilation des travaux de Kajiura jamais publiés. Je t'aime beaucoup Yuki mais désolée Boogiepop Kimi ni Tsutaetai Koto Music Album Inspired by Boogiepop and Others (un nom aussi long ça ne s'invente pas) est sorti début 2000 et toutes les pistes étaient là ! Donc c'est pas gentil de faire du remplissage en foutant un peu de Boogiepop par-ci par-là dans ta compilation alors qu'il y a des tas de BGMs des animes auxquels tu as participé qui n'existent nulle part ! 

Pour tous ceux qui seraient intéressés par l’univers Boogiepop je vous conseille de tester d’abord l’anime, de préférence en le marathonant (vu la complexité de l’intrigue ça vous simplifiera la vie), deux ou trois fois s’il vous faut digérer ce que vous venez de voir, et ensuite le film même si chronologiquement ça devrait être la première chose à regarder. Si vous avez aimé Serial Experiments Lain (et pas qu’à cause de son héroïne) et que vous appréciez les séries psychologiquement intenses, je pense que ça devrait vous plaire…

Ces dernières semaines m’ayant usée jusqu’à la trogne, je me suis un peu laissée aller en terme de blogging, faute d’énergie. Heureusement, après moult remises en questions, j’ai trouvé un remontant sous la forme d’un film d’animation dont je n’avais jamais entendu parler auparavant, sorti en 2003 : Interstella 5555.

Cette œuvre a ceci de particulier qu’elle est en réalité l’illustration d’un album de Daft Punk, Discovery, donc ne comporte aucun dialogue et très peu d’effets sonores. Un peu comme un gigantesque clip d’une heure. Un drôle de projet en collaboration avec Matsumoto Leiji (papa de Galaxy Express 999 ou Captain Harlock par exemple) qui apporte au design des personnages et à l’ambiance générale une petite touche qui fleure bon les années 80-90. La question est : Le film a-t-il une valeur intrinsèque ou se contente-t-il d’être une sorte de bonus visuel à l’album Discovery ?

Sur une lointaine planète, à l’autre bout de la galaxie, se déroule une grande célébration. Un groupe d’extraterrestres donne un concert retransmis en direct un peu partout dans la région. L’humeur générale est donc à la fête jusqu’à ce qu’un mystérieux vaisseau pénètre dans l’espace aérien au nez et à la barbe des personnes chargées de la surveillance spatiale, trop occupées à regarder la prestation. Très vite des hommes portant des masques à gaz s’infiltrent sur scène et kidnappent les musiciens pour les emmener sur Terre. Un courageux pilote situé non loin de là entend alors le signal d’alarme et fonce à leur rescousse…

Je n’ai jamais trop été fan de Daft Punk. Je me souviens avoir maudit ma mère lorsqu’elle passait Around the World dans la voiture lors des longs trajets tellement ça m’était insupportable. Je me souviens aussi avoir été parfaitement indifférente à Human After All dès la première et dernière écoute tant et si bien que je suis incapable de décrire une seule piste. Discovery, je m’en souviens déjà un peu plus en ce que j’ai autrefois eu l’album (et l’ai encore) et que je l’ai écouté un peu plus, mais globalement je n’appréciais que quelques pistes par ci par là, et ça ne me faisait pas grand-chose non plus. Par contre je me souviens très bien avoir été intriguée par les clips de One More Time et Harder, Better, Faster, Stronger qui représentaient des aliens bleus sur le point d’être transformés en êtres humains. J’ai toujours voulus avoir qui étaient ces personnages, leur histoire. Et, il y a quelques jours, miracle, j’apprends par hasard qu’un film a été crée pour raconter tout ça. Une œuvre expérimentale, ça vaut toujours le coup d’essayer !

Esthétisme du champ de fleurs

Je ne m’attendais donc pas à grand-chose avec Interstella 5555 mais force est de constater que oui, il possède une valeur intrinsèque. La patte de Matsumoto Leiji a un petit quelque chose d’atemporel et de nostalgique très plaisant qui situe l’action dans un ailleurs lointain et fabuleux. L’esthétisme est un aspect très important du film car bon nombre de scènes dépassent la narration simple pour faire plaisir à nos yeux : que ce soit la beauté de la planète extraterrestre, les scènes de rêve sublimes, celles de concerts rythmées et chaleureuses au niveau des couleurs, la tombe sous l’arbre, le côté fantastique est toujours largement transcendé par une imagerie, une mise en scène colorée. Or cette dernière a aussi la lourde tâche de pallier le manque de dialogues qui nuit un peu à la caractérisation des personnages, ce qui n’est pas une mince affaire. Personnellement, ayant été habituée à des œuvres un peu contemplatives comme Noir, lire dans les expressions des protagonistes me paraît rajouter à la fluidité de l’histoire et participer à l’esthétisme, je n’ai aucun problème de compréhension tant que je me laisse porter. En revanche il est clair que ça ne plaira pas à tout le monde, en particulier ceux qui aiment bien qu’on les prenne par la main pour tout leur expliquer de A jusqu’à Z.

De gauche à droite : Octave, Stella, Baryl et Arpegius

Disco-very

L’autre moyen de transmettre les émotions et de raconter une histoire sans paroles, en plus de la mise en scène, est bien entendu la musique. Et sur ce point j’ai été agréablement surprise de constater combien Interstella 5555 transcendait les pistes de Discovery. Le mélange m’a parut très convainquant. Globalement le film n’est pas un patchwork composé de petits clips mal collés, il parvient à garder sa continuité malgré la contrainte initiale. Le découpage est également très bien foutu en ce qu’une même chanson peut très facilement englober plusieurs évènements sans qu’il y ait de dissonance : on passe ainsi d’une scène de concert à une scène d’action puis à une scène de course-poursuite tout en conservant une cohérence et un parallèle entre ce que l’on voit et ce que l’on entend (un riff peut correspondre à un plan où l’on voit les personnages courir ;  la déformation de la fin de Short Circuit avec la perte de conscience d’un personnage par exemple). Sans compter que les rares paroles coïncident plutôt bien avec les situations et se font l’écho de ce que devraient dire les personnages même si on ne les voit pas toujours ouvrir la bouche (je pense à Something About Us notamment).

Un conte pour grands enfants ?

Passons maintenant à l’intrigue en elle-même. Ce qui est intéressant avec Interstella 5555 c’est que c’est un film qui affiche plutôt la volonté d’être une sorte de fable, de métaphore (je reviendrais sur ce qu’elle est sensée représenter) et entre donc de plein pied dans l’univers du conte avec ce qu’il a de simple, de manichéen mais aussi de fantastique : il y a le grand méchant qui capture les extraterrestres à des fins mégalomanes et clichés, les gentils transformés en automates dénués  de volonté et forcés d’obéir à ce dernier et enfin le héros ( ?) qui vient les sauver à bord de son vaisseau-guitare et qui est amoureux de la bassiste du groupe. Qu’on ne s’attende donc pas à une complexité infinie, à des cliffhangers de folie, non rien de tout cela. Interstella 5555 peut facilement se lire comme un conte de fées muet et la mise en abime finale achève de lui conférer cet aspect un peu enfantin, comme si tout n’avait été qu’une histoire inventée par un enfant à l’aide de petites figurines, une histoire irréelle et purement fantasmagorique. Les personnages ne peuvent pas être réellement développés en prenant en compte cet angle là, ce sont davantage des représentations mythifiées et sympathiques, des rôles (le petit rigolo, la jeune fille douce et fragile, le jeune homme impétueux, le leader charismatique et raisonné), que de vraies personnes et l’absence de voix va dans ce sens : ils possèdent tous la même, la voix de l’enfant qui s’imagine dans ces petits bouts de plastiques, notre voix qui nous projetons en eux lors du visionnage du film.

Stella et Shep

5tar 5ystem

Cependant, comme l’indique les quatre 5 présents dans le titre, Interstella a quelque chose qui dépasse le simple conte : la critique relativement subtile du star system. Subtile parce qu’à aucun moment vous ne verrez de parodie exagérée ou de satire explicite. On peut considérer que tout commence avec Harder, Better, Faster, Stronger lorsque nos quatre protagonistes, inconscients, sont sujets à une vaste entreprise de lobotomie. Alors qu’ils étaient tous vêtus pareils avec une même peau bleue sur leur planète, Earl de Darkwood (le méchant) entreprend de les classer dans des catégories après avoir soigneusement modifié leur mémoire pour les faire passer pour des êtres humains. Chacun est donc « déguisé » à partir d’un style vestimentaire bien précis : Arpegius emprunte un look rock, Stella un look country, Baryl un look metal et Octave, qu’on teint en noir pour l’occasion, un look disco. Ils entrent donc désormais dans des étiquettes, ils sont classifiables, c’est la seconde perte de leur identité. Le fait même qu’Octave ait une couleur de peau différente (alors qu’à l’origine il était bleu comme tout le monde) me paraît être un signe assez intéressant de la puissance du processus d’aliénation encore plus amplifié lorsque les Crescendolls (le nouveau nom du groupe) deviennent des stars et que l’on affiche leurs « goûts » personnels. Chaque membre est désormais une caricature de lui-même. Ainsi la fiche de Stella indique qu’elle aime ce qui est fashion, le shopping et déteste qu’on tue des animaux. Comme si toute star qui se respectait se devait de faire parti d’une association ou de défendre une noble cause (genre « Protégeons les dauphins » ou « A bas la fourrure »). Un détail aussi ridicule que grinçant à mes yeux. Mais encore une fois on est dans la critique légère. La descente aux enfers des Crescendolls se poursuit lorsque, répétant à l’infini leurs chansons telles des marionnettes privées de vie, leur célébrité les use physiquement, les force à multiplier les tournées et les autographes sans répit. Leur destinée aurait pu être funeste si Shep, le valeureux pilote extraterrestre, n’était pas venu dans le but de les libérer de l’emprise d’Earl de Darkwood.

Un message envers les fans ?

Ce que je me demande à présent c’est : n’y aurait-il pas encore autre chose dans Interstella 5555 ? En effet, le groupe d’aliens musiciens faisant office de métaphore du star system, il ne serait pas tout à fait déplacé d’élargir cette critique à un cadre plus large. Tout au début du film, les Crescendolls respirent la joie de vivre et dansent devant une foule en délire. Par la suite ils se retrouvent sur Terre ravalés au rang de machine pour un public, certes toujours très enthousiasme, mais « étranger ». Les terriens passent pour les véritables extraterrestres de l’histoire et si la musique sonne encore pour eux, pour les membres du groupe elle a déjà perdu son sens. Le fait que les terriens copient leur style, justement artificiel, n’aide pas à faciliter une communication déjà impossible. Lorsqu’en séance d’autographes Stella serre la main d’un adorateur et qu’elle contemple sa paume d’un air dubitatif, on a vraiment l’impression qu’elle vient de vivre une rencontre du 3^e type. Et qui vient la sauver de cette situation ? Shep. Et Shep n’est pas n’importe qui, c’est un fan des Crescendolls, son plus grand fan même. Son vaisseau est tapissé de posters et il a des sentiments envers Stella, ce qui n’est pas anodin. On pourrait même voir dans Interstella 5555 une structure assez intéressante que l’on constate d’emblée lors des deux scènes de rêve (la première avec Shep, solitaire, la seconde avec Stella, partagée) qui soutiennent son développement.

L’introduction met en scène le groupe dans leur monde d’origine, or comme on l’apprend un peu plus tard les extraterrestres sont associés à l’idée de génie créatif, leur public est donc de la même trempe qu’eux, c’est une sorte de public idéal et idéalisé. Intervient l’enlèvement, le conditionnement pour entrer dans des cases prédéfinies, la morne vie de star qui contraste avec le paradis perdu. L’élément qui va sortir les quatre héros de leur mélancolie est donc le fan à cheval entre les deux mondes mais très proche du premier de par l’emplacement de son vaisseau et sa nature même. Le rôle du fan serait donc de soutenir ses artistes préférés, de les aider à surmonter les épreuves pour leur permettre de retrouver cet idéal de l’art pour l’art tout en gardant à l’esprit le public terrien, jamais méchant (cf Face to Face qui montre un aspect assez optimiste du genre humain) mais loin du public originel, tout en jouant pour eux. La conciliation de l’idéal avec la réalité si l’on veut (cf le concert finalement retransmis sur les deux planètes). Interstella serait donc la représentation de cette conciliation uniquement possible grâce au soutien du fan avisé.

Ce n’est peut-être que pure extrapolation de ma part mais la narration très libre du film laisse le loisir à de nombreuses hypothèses.

Conclusion

Interstella 5555 réussit le pari de transcender un album en lui offrant une illustration tout en sortant largement de ce contexte de base. Daft Punk n’oublie toutefois pas qui sera le destinataire privilégié du film et le saupoudre d’un voile de fanservice (caméo des deux robots à plusieurs reprises, la fin) qui fera sans doute plaisir aux admirateurs du groupe. Pour les autres restera une œuvre atypique et divertissante tant qu’on ne lui demande pas d’être autre chose (il faut être prêt à écouter du Daft Punk aussi). Un bel encouragement à la collaboration entre Orient et Occident (symbolisé par le petit clin d’œil lorsque les gardiens regardent un match de foot entre la France et le Japon) qui n’a malheureusement pas eu beaucoup de descendants mais qui sait, peut-être que cela viendra un jour...

P.S : Je n’ai que très peu accès à Internet là où je suis en ce moment, vous m’excuserez donc si mes posts se font rares durant les vacances de Pâques.

Ouch, ça fait un moment que je n’ai pas blogué. J’étais quand même prête à m’y remettre, j’avais presque fini toutes les disserts à rendre et puis, surprise, j’en ai écopé d’une nouvelle en bonus et mes examens approchent à grand pas. Cela va donc faire plus d’un mois que je suis archi-occupée par les études et que je ne suis plus très présente par ici (voire totalement absente pour ceux qui attendent toujours une réponse à leur mail, pardoooooooon). Comme ça fait un bail que je ne peux pas trop souffler, et ben je commence à être fatiguée, très fatiguée, et donc de surcroît extrêmement blasée (oui ça va avec). On va dire que c’est la phase obscure de la mélancolie.

Je vais essayer de reprendre le rythme mais il va falloir un peu de patience. En attendant mon apathie va être dur à supporter, je te plains d’avance courageux lecteur…Parce que quand je suis comme ça je n’aime rien.

NET                        

J’aime pas les blogs qui veulent faire partager leur passion pour un anime, un manga, un jeu vidéo et dont l’argumentation se limite à deux paragraphes (un pour résumer l’histoire, l’autre pour une argumentation binaire en J’aime/J’aime pas), voire trois quand ils sont en forme…

Evidemment j’ai bien conscience que tout le monde n’a pas une formation littéraire comme moi qui m’oblige à disserter régulièrement et me rend l’exercice beaucoup plus naturel (encore que, c’est à débattre), l’envie ou le temps de tartiner des pages et des pages sur un sujet (enfin pas trop non plus sinon c’est dur à engloutir d’un coup) mais voir des billets aussi minces, moi ça me rend triiiiiiiiiiste (écoutez le sanglot de la littéraire). Globalement le synopsis d’une série, on peut le trouver partout, donc ce qui fait tout l’intérêt de l’article c’est bel et bien ce que vous ajoutez par-dessus votre visionnage, et là en l’occurrence vous ajoutez pas grand-chose alors qu’au fond vous avez ptet des tas de trucs épatants à raconter.

Et si vraiment vous avez du mal à écrire, que c’est trop contraignant, que vous avez du mal à laisser sortir les mots, eh bien ce n’est pas grave. Il existe des tas de manières de partager son avis sur tel ou tel anime, à travers les forums ou des sites comme Anime-Kun, vous n’êtes pas obligés de vous forcer à tenir un blog a priori, surtout si vous ne tirez pas grand profit de l’expérience.

J’aime pas les fans totalement aveugles. Regardons la vérité en face : les sites qui durent arrivent à se construire une certaine autorité dans le milieu mais au fil du temps, n’ayant plus rien à prouver à personne, ils n’ont parfois finalement même plus besoin de s’appliquer. Ils peuvent écrire n’importe quoi et la foule en délire les acclame déjà. Et là c’est un peu le début de la fin. Très vite les commentaires se résument à « prem’s » (genre c’est une course automobile : le premier qui repère le nouveau billet a gagné) et à « tro bien ». Un tel manque de sens critique ne donne clairement pas envie d’être célèbre (sinon pour un boost d’ego j’imagine).

Sauf que souvent le site qui est acclamé par ces groupies dénigre ces mêmes personnes de manière directe. Avouez que c’est quand même putain d’ironique de voir un blogueur cracher sur les kikoolols (ces figures emblématiques du net) et recevoir plus de 150 commentaires positifs rédigés en langage sms d’authentiques kikoolols qui disent « ololol t’a kro raison a mor lé kikoo ».

Alors soit c’est moi qui n’ai pas bien compris quelque chose, soit certaines personnes ont de la merde dans les yeux…

J’aime pas les gens qui parlent pour ne rien dire mais qui sont adulés parce que, parce que, parce que je cherche encore ! Personnellement j’ai toujours eu pour éthique de ne parler que quand j’avais des trucs un minimum pertinents à dire. A chaque fois qu’à mes yeux ça ne l’était pas vraiment, je me mordais les doigts de honte d’avoir osé écrire pour dire si peu. Et puis je me rendais compte qu’en fait la majorité des gens sont bien moins exigeants que moi (de l’autre côté c’est pas bien difficile) et qu’un rien peut faire leur bonheur. C’est plutôt cool mais en même temps…pas vraiment.

J’aimerais parfois comprendre en quoi prendre des photos de ce que l’on vient d’acheter, genre le dernier coffret collector de telle série ou la deux-cent-vingtième figurine de fille d’anime à moitié à poil (…bande de riches va !) voire de son étagère à mangas, peut être aussi passionnant. Pour les collectionneurs je ne dis pas, il doit bien y avoir une valeur intrinsèque, mais pour le mec lambda je nage dans le mystère…

J'enferme les gens dans des boîtes mais les transformer en télé ça serait pas mal non plus

J’aime pas le poids de plus en plus débordant de l’humour. Ce point là concerne surtout les vidéos commentées mais pas que. J’ai souvent remarqué que le net était un vilain toxicomane en manque d’humour. Il veut sa dose, il la veut maintenant, il la veut tout de suite, à un tel point que ça en devient parfois un peu étrange.

Souvent quand je me balade (pas IRL, j’entends), je découvre des vidéos commentées sympas. Le mec (car souvent c’est un mec, désolée les filles, vous êtes clairement minoritaires) présente son jeu de manière totalement traditionnelle, y a aucune blague, aucune ironie, rien, juste une ptite vidéo sans prétention. Et il a 75 commentaires qui lui disent « Ouah trop drôle, j’suis mort de rire ». Euh, what ? Les gens sont donc tellement en manque d’humour qu’un rien les plie de rire ?

Je parle des vidéos commentées parce que c’est extrêmement répandu sur le net (et LA manière d’être célèbre très rapidement) et que généralement les instigateurs sont ébahis de leur propre succès, mais c’est aussi comme ça sur les blogs et je le constate d’une certaine manière à ma propre échelle.

Les gens n’ont pas envie de réfléchir, ils veulent oublier leur journée de merde ou les factures à payer pour demain, ils veulent rire un bon coup. D’accord mais c’est un peu triste si l’humour devient la seule manière de se détendre, voire de communiquer sur le net. Et puis se gaver de lolilol pour un rien ça rend aussi vulnérable. On a souvent vu des romans décrivant des contre-utopies/dystopies manipulant le peuple par des moyens crapuleux (perte totale de l’intimité dans 1984, impossibilité d’accès à la culture dans Fahrenheit 451, embrigadement total dès la naissance dans Le meilleur des mondes) mais après tout, l’humour pourrait aussi être utilisé comme arme.

Moi j’serais dictateur j’occuperais mon peuple avec du lol, des tas de loisirs superficiels et j’interdirais d’être triste (du pain et des jeux comme dirait César, sauf que là je mise un max sur les jeux), comme ça, je peux les contrôler sans même qu’ils s’en aperçoivent et je brise toute résistance. Je fais comme dans Sora Kake Girl, j’enferme les citoyens dans des boîtes avec un net sécurisé et je leur fais croire qu’il n’y a qu’en restant là dedans mater des photos de lolcats qu’ils seront heureux. Je détruis la réalité. Personne veut me prêter un petit pays pour tester, voire ?

ANIME

J’aime pas les mechas. Parce les robots déjà, étant un être désintéressé par la mécanique, ça ne me passionne pas du tout, et en plus ces trucs sont généralement beaucoup trop gros ! Je sais bien que combattre dans l’espace ou en écrasant des gratte-ciels ça fait classe mais moi je préfère l’échelle humaine. Sauver l’univers j’en ai pas très envie non plus. Un robot normalement ça ne fait pas d’acrobatie spectaculaire non plus. Et puis surtout il y a bien moins de mérite à être le héros si c’est le véhicule qui a les super pouvoirs. On aura beau me dire « Tu conduis comme une déesse », « Tu es l’élue », je me sens remplaçable par le premier quidam venu parce qu’au fond c’est toujours la voiture géante qui fait le boulot, sans elle je ne suis rien. Et ça c’est frustrant. Du coup je préfère le genre…

…Mahou Shoujo / Magical Girl parce que là même si tu as un coup de pouce pour éveiller ton potentiel, tu sais que c’est vraiment toi qui fait tout. Et puis il y a les scènes de transformation qui sont d’une inutilité ahurissante dans l’unique but de te rendre cool et de te laisser le temps de prendre la pose. Mais en même temps j’aime pas trop les magicals girls parce qu’elles utilisent souvent leurs pouvoirs (quelques fois géniaux, quelques fois ridicules) pour des broutilles. Je me souviens d’un épisode de Lilpri par exemple où les mascottes kawaii mangent toutes les tartes aux pommes. Dans le même registre, Sakura (de Card Captor Sakura of course) se retrouve bien confrontée à…des salles de classe pas rangées qui apparaissent aléatoirement. Nom de Dieu, vite, appelons les pompiers !

C’est ça que j’aime beaucoup moins avec les magicals girls, c’est généralement beaucoup trop mignon…

Oui mais là c'est une exception...

J’aime pas les histoires d’amour type « shoujo » non plus d’ailleurs. Que le couple soit hétérosexuel ou homosexuel, c’est pareil, ça m’ennuie toutes ces avalanches de sentiments dégoulinants de rose. Tu sens bien que tout est terriblement déconnecté de la réalité, terriblement idéalisé. Trop idéalisé pour moi.

Les histoires d’amour sous l’angle de l’homosexualité c’est souvent encore pire, encore plus idéalisé (ce qui veut tout dire). On ne trouve pas facilement de vrai shoujo ai / yuri parce qu’il y en a partout mais juste pour exciter les fantasmes des garçons et les quelques titres véritablement centrés sur le sujet ne sont pas des plus intéressants. J’ai testé Yuri Hime Wildrose une fois. Certaines histoires étaient sympas mais globalement on tourne toujours en rond. Le shounen ai / yaoi, n’en parlons pas, c’est de loin le genre que je trouve le plus guimauve. Il a au moins le mérite de me remettre en question vu que TOUTES les filles semblent avoir un petit faible pour le yaoi. Serais-je secrètement un garçon ? Ou alors juste tristement réaliste ?

(Si Gen le veut bien je parlerai peut-être un peu de cette attirance pour  l’idéal le plus pur en rapport avec un dossier spécial contes de fées si ce n'est pas déjà fais)

Ce qui est sûr c’est que je ne supporte pas les histoires d’amour (j’ai pas aimé Titanic et Roméo + Juliette n’a pour lui que l’esthétique de la scène de rencontre et le parti-pris moyennement culotté de la scène finale) s’il n’y a rien d’autre pour l’accompagner. Comme par exemple…

…la comédie. Sauf que j’ai bien envie de dire aussi « J’aime pas la comédie ». Disons que je suis d’une rare exigence en ce qui concerne l’humour et il faut se lever de bonne heure pour me faire rire. Ajouter à cela une franche méfiance envers « l’humour japonais » et ça restreint considérablement les possibilités. Mis à part Ouran High School Host Club je ne me rappelle pas avoir véritablement éclaté de rire devant un seul animes tout le long des épisodes. Au mieux je souris.

Ce qui fait que bizarrement je préfère le drame. Je pleure très facilement, alors pour peu qu’il y ait de la matière, je me transforme vite en fontaine. En revanche je n’aime pas l’exagération dramatique à outrance genre « Je suis née dans un sac à dos abandonné par mes parents dans la forêt parce qu’ils ne pouvaient pas me nourrir, j’ai été élevée par une licorne à trois têtes qui s’est faite tuée par les chasseurs quand j’avais cinq ans, chasseurs qui m’ont violée dans une tournante qui incluait aussi les chiens et quand j’ai finalement retrouvé ma famille, un tsunami a dévasté la maison et les a tué sous mes yeux. Oh et je suis à présent aveugle et paralysée à vie, snif, snif ». C’est quand même mieux avec davantage de subtilité. Les filles malades sur le point de mourir d’un cancer / d’une malédiction / whatever et les gens dont la famille a été massacrée sont monnaie courante, ça deviendrait presque lassant…

J’aime pas le shounen parce qu’il y a trop de tomes / épisodes à rattraper…oui je suis une feignasse, c’est ma seule excuse.

J’aime pas l’ecchi pur et dur, malgré ma perversion naturelle (enfin il paraît), parce que ça m’explose les yeux toutes ces plans sulfureux en permanence. Mais étant une habituée du fait, ça ne m’empêche pas de regarder quand même. Il est tellement délicieux ce doux son du nerf optique qui se déchire dans un hurlement effroyable, je crois que je ne m’en lasserai jamais. Oh et je n’ai pas besoin de mentionner l’absence de scénario habituelle, je pense.

J’aime pas le hentai parce qu’une fois qu’on en a découvert un ou deux pas trop mal, on se rend vite compte qu’on a tout vu. C’est toujours la même chose, toujours, toujours, toujours. A tel point que j’ai parfois envie d’aller voir les studios et de les conseiller pour faire de vraies bonnes histoires érotiques (et je suis pourtant loin d’être douée en la matière). Déjà vous m’ôtez la traditionnelle scène de sexe directe d’ouverture qu’on ne peut placer nulle part dans l’histoire et vous me foutez quelque chose de plus suggestif. Ensuite vous allez me lire les Liaisons Dangereuses et je vais vous expliquer c’est quoi l’intérêt de l’attirance-répulsion qu’on arrête de plaquer toutes les nanas dans les bras du héros sans challenge. Je sais que le spectateur a débranché son cerveau mais faut jouer avec les tensions sexuelles un peu sinon c’est plus du hentai, c’est un distributeur de boisson (haute teneur en fluides) automatique.

Et je ne testerai pas les trucs hardcores, mes yeux ont quand même un seuil de résistance.

Le tranche de vie, ce paradis terrestre retrouvé...

Mais pire que tout, je ne supporte pas la tranche de vie. S’il y a un type de série que je fuis, c’est bien celui-là. On pourrait considérer Haibane Renmei comme un tranche de vie je suppose, mais à mes yeux ce quotidien qui nous est présenté a quelque chose d’onirique et de surnaturel qui fait qu’on ne s’ennuie jamais, il y a toujours quelque chose à découvrir. Donc du moment qu’il y a un semblant de scénario, ça peut aller. Si ce n’est pas le cas, je n’essayerai même pas de regarder, je sais que je n’aimerai pas.

C’est instinctif, viscéral. J’ai érigé ma vie comme une aventure perpétuelle parce que je ne supportais pas l’idée d’un quotidien morne et triste à la base de « métro boulot dodo », alors quand je cherche du divertissement, un niveau supérieur d’extraordinaire (dans le sens de pas ordinaire du tout donc), et qu’on me propose justement ce même quotidien de petits riens que j’ai banni, forcément il y a comme une réaction d’allergie. C’est pour cela que face à K-ON (ou Nichijou maintenant) par exemple, j’aurais naturellement tendance à me placer du côté de ceux qui n’aiment pas, non par volonté de troll, mais toujours par « allergie ».

Je crois que je comprends les adorateurs du tranche de vie. Le tranche de vie c’est quoi ? Une petite vie toute tranquille, toute douce, toute rigolote. Y a des éléments de votre quotidien mais en mieux, vous vous reconnaissez dedans, les personnages sont trop chous à faire des grimaces trognonnes en permanence, tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil. Quand t’as un problème, tes copines sont toujours là pour te remonter le moral. L’idéal en somme. L’idéal rose bonbon. Le monde des Bisounours mais pour les adultes. Jamais tu vois de crachats sur les trottoirs, jamais les héroïnes elles ont de l’acné, jamais les gens sont des connards, jamais on se fait racketter dans la rue. Le tranche de vie c’est probablement l’état le plus proche du stade ultime de l’idéal. Et l’idéal moi je peux pas ou alors je le découpe à coups de tronçonneuse.

Quand j’étais petite mes parents me disaient que je n’aimais rien. Ils ont peut-être raison après tout. Je n’aime jamais rien. Ou alors c’est une preuve de lucidité de ma part de savoir discerner les défauts dans toutes les séries que je regarde (les qualités aussi mais c’est tellement plus rieur de faire sa grognon), la preuve que je ne me laisse pas aveugler par la PASSION, que je ne subit pas ce que je vois.

Le monde d'Helia en technicolor ça donnerait à peu près ça

Je n’aime rien. Enfin peut-être que si. J’aime bien les animes singuliers, ceux qui ont une histoire originale, une histoire qui m’attire, qui mélangent un peu tous les genres et évitent les étiquettes. J’aime bien les animes avec des personnages tellement bien foutus qu’ils te paraissent réels, qu’ils te paraissent vivre en toi depuis toujours.

J’aime surtout les trucs bizarres. Beaucoup de trucs bizarres. Les expériences extrêmes en fait. J’aime regarder une série qui te fait remettre en doute jusqu’à ta propre existence, qui te fait remettre en doute le monde entier, qui te viole l’esprit à sec et sans vaseline par une violente lobotomie à tendance philosophique. Il n’y a pas de mots pour décrire ce genre d’OVNIs alors j’appelle ça des animes WTF, des inclassables. Ce genre d’œuvres est par définition fort rare alors j’essaye de les économiser pour plus tard, je fais durer le plaisir. Mais j’adore ça. Et avec le recul je me dis que c’est vraiment comme un sport à risques, comme sauter en parachute ou prendre de la drogue, qu’en fait je suis tellement blasée qu’il n’y a vraiment plus que ça pour me procurer des sensations. Je dois être un peu décadente sur les bords.

Au fond c’est ptet pour ça que j’aime rien, rien d’autre que l’extrême, l’hallucinogène, le n’importe quoi : c’est ce qui me ressemble le plus. Une vie ordinaire ? A base de thé et de gâteaux ? Très peu pour moi ! Rien que ces derniers jours j’ai eu des idées farfelues que j’ai très envie d’inclure dans mon VN à un moment ou à un autre, des broutilles à base de nuages qui t’absorbent et même que tu peux t’installer à l’intérieur et que c’est encore mieux qu’une cabane (on a tous fais une cabane étant enfant) ou de nonnes fantômes qui sacrifient leur existence pour faire fonctionner le monde. Oh et ais-je mentionné les cérémonies tribales à base d’esprits bovins, l’explorateur qui donne des cours improvisés à des amazones (dans un arbre géant ce serait cool mais alors avec des lucioles comme éclairage, faudrait que j’y pense) et les arc-en-ciel toboggans * ? L’heure n’est pas aux gâteaux ou alors fourrés au LSD (l'imagination du pauvre) les gâteaux, c’est plus rigolo.

Tiens, mais que font ces hommes en blanc dans ma chambre ?

* Et ne me regardez pas avec ces grands yeux ronds, je suis tout à fait capable de rendre ça cohérent…ce qui se révèle assez inquiétant quand on y repense bien.

Quand j’aurais fini ma dissertation de linguistique (vous avez manqué un billet rédigé par mes soins il y a quelques mois sur le sujet, ça finissait en métaphore sexuelle exhibitionniste, signe que je me suis profondément emmerdée lors de la conférence) et ma seconde dissertation de littérature du XVIIe siècle (mauvaise pioche la dendrophilie), promis, juré, j’écrirai un vrai article. Si mes examens n’ont pas démarrés d’ici là…

EDIT :

Hum, je sens qu’il va bientôt falloir que je sous-titre mes billets. Déjà pour les gens qui lisent en diagonale :

1) Ceci n’est pas un coup de gueule parce que cela sous-entendrait que je suis en colère. Apathie et colère sont des concepts TOTALEMENT opposés (merci de revoir votre vocabulaire si besoin).

2) Ceci n’est pas une critique de la japanimation. D’ailleurs si vous regardez attentivement j’ai mis le billet en 3615 My Life, ce qui veut tout dire. Je suis juste en mode « j’aime rien » ou « Schtroumpf Grognon », eeeeeeet…c’est tout. Vous vous attendiez à un pamphlet engagé avec un titre pareil ?

Bon c’est pas tout ça mais j’ai fini ma dissertation de linguistique (qui est donc une belle séance de masturbation intellectuelle, linguistique oblige) et j’ai bien besoin d’un remontant, il me faut ma dose de nawak premium sous peu pour me remettre à bloguer. On ne peut quand même pas écrire décemment si on n’est pas sous acides !