En réalité cela fait depuis très longtemps que j’ai envie de faire cet article et il a sans cesse été repoussé pour tout un tas de raisons (certaines indépendantes de ma volonté). Il aurait normalement dû voir le jour en février 2011, après Ongaku #2. Je comptais ne jamais faire de critique d’un album complet de A jusqu’à Z mais celui-ci en vaut largement la peine que je contrevienne à cette règle tacite. Sinon je m'excuse pour l'aspect peu pratique des extraits sonores mais les chouettes vidéos qui faisaient la traduction de Märchen avec un petit montage et toutes les informations nécessaires (références, seiyuus, qui chante quelle partie) et que je comptais utiliser ont bien entendu été bloquées par Youtube et il a fallu que j'upload les pistes sur Puush pour vous permettre d'écouter quand-même (parce qu'un article musical sans musique c'est un peu con).

Back in the past
Pour commencer il faut savoir que je suis tombée sur Märchen par hasard au début de l’année 2011. Le dernier single de Sound Horizon (si vous ne connaissez pas encore ce groupe, allez lire mon article dessus fissa, bande de garnements) étant déjà sorti automne 2010, je n’attendais pas leur nouvel album avant un paquet de mois et mes dernières expériences avec le groupe m’ayant laissé un goût amer, je ne l’attendais que très froidement en me disant que ce serait probablement le dernier Sound Horizon que j’écoutais. Et en constituant mon calendrier de sorties en OSTs, surprise, le dernier album était déjà paru en décembre 2010 et non sur le thème « Conquistadores » comme prévu mais sur les contes des frères Grimm, un sujet éminemment séduisant. Je me suis jetée un peu à reculons dans l’aventure, à la fois inquiète de voir ce que Revo avait bien pu fabriquer, et intéressée par la culture germanique (l’allemand est ma 1e langue vivante donc fatalement je comprends mieux l’allemand que le japonais) et l’aspect contes de fées. Le choc aura donc été d’autant plus puissant. Et des choses à dire sur cet album, j’en ai à foison !

Une structure finement élaborée
Avant même d’invoquer la musique, il convient de parler de la structure de Märchen (qui, je le rappelle, signifie « contes » en allemand). Comme l’histoire reprend exactement là où se terminait le single Ido e Itaru Mori e Itaru Ido (déjà mentionné la dernière fois et que je n’avais que moyennement apprécié), je me suis demandée pourquoi avoir séparé en deux ce qui était censé former une unité. J’ai vite compris. L’album repose en fait sur un savant jeu d’échos. La première piste, Yoiyami no Uta (Chant du crépuscule), très sombre, entre ainsi en résonnance avec la dernière piste Gyoukou no Uta (Chant de l’aube) lumineuse. Dans cette boucle de 9 chansons, 7 sont centrées sur 7 personnages, toutes des filles décédées de manière tragiques, dont l’histoire est liée aux 7 péchés capitaux. Les deux premiers et les deux derniers contes encerclent un trio un peu spécial puisque la 4e mélodie, sur Blanche-Neige, est profondément liée à la 6e mélodie sur la Belle au Bois Dormant : toutes deux sont des princesses endormies pour l’éternité qui font face à une méchante sorcière et sont sauvées par le prince courageux. Et justement la sorcière est doublée dans les deux cas par Miki et le prince dans les deux cas par Yume Suzuki. Le thème du prince se retrouve également sous une forme identique dans les deux chansons. Et dans cette enclave spécifique, la 5e chanson se démarque de tout l’album en ce qu’elle raconte une histoire aussi tragique que les autres mais sur une musique pop et enjouée, ce qui fait qu’on s’y perd un peu sans les paroles. En outre, ces trois héroïnes seront les seules à revenir des limbes où elles étaient prisonnières. La structure a été tellement finement élaborée qu’effectivement, on comprend mieux que Revo ait voulu séparer Ido dans une sorte de single faisant office de prologue.

L’histoire
La marque de fabrique de Sound Horizon est de bâtir leurs albums autour d’intrigues souvent très sombres et riches, Märchen n’échappe pas à la règle mais pour mieux comprendre ce qu’il se passe, il convient de rappeler le contenu du prologue, Ido e Itaru Mori e Itaru Ido. Celui-ci propose en réalité une histoire à rebours en commençant par la fin et en remontant progressivement vers le début tout en se permettant des sauts temporels. Je vais tenter de remettre cette chronologie un peu en place. La première moitié de Kanojo ga Majou ni natta riyuu nous conte l’histoire d’une femme du nom de Thérèse (interprétée par Miki) qui vit dans une Allemagne médiévale en compagnie de son petit garçon, März, qui est albinos et fut malvoyant à sa naissance. Elle possède des connaissances très poussées en médecine, si bien qu’on vient régulièrement la consulter pour soigner les maladies. C’est ainsi qu’elle sauvera un soir la petite Elisabeth, fille unique d’une femme riche, et également le fruit d’un inceste (son père est aussi son frère).

Les deux enfants ont sensiblement le même âge et deviendront amis (d’autant plus que Mär est guéri de sa cécité pour dieu sait quelle raison). C’est ce que chante une Elisabeth grandie (à travers la voix de Joelle) dans Kono semai torikago no naka de. Elle a la nostalgie du passé, de cette enfance solitaire où on la séquestrait pour qu’elle fasse une bonne future épouse et où seules les visites de son ami la consolaient. La réputation de Thérèse commence à vaciller et on murmure qu’elle exerce la sorcellerie, aussi pour se protéger, elle va vivre avec son fils dans la forêt, forçant März à dire adieu à Elisabeth. Il reçoit d’elle une petite poupée à son effigie et la promesse de se revoir. On revient dans le « présent » alors que la jeune femme est priée par son frère/père d’entrer.

La suite on l’apprend dans Hikari to Yami no douwa alors que März, sa poupée à la main, s’apprête à rentrer à la maison. Deux hommes le suivent et demandent à voir sa mère, l’enfant, naïf, s’exécute et condamne sans le savoir sa famille. Les brutes brûlent sa poupée et la lancent, ainsi que lui, à travers la fenêtre. L’albinos s’écrasera dans le puits où il mourra brutalement tandis que sa mère, Thérèse, se bat bravement mais finit capturée. Son sort est exposé à la fin de Kanojo ga Majou ni natta riyuu où elle est brûlée pour sorcellerie en place publique. Avant de rendre l’âme, elle s’excuse de ne pas avoir pu sauver son fils qu’elle aime, et tourne sa haine envers ceux qui l’exécutent en se promettant de devenir une véritable sorcière qui se vengera. Le prologue se conclut sur son rire maléfique qui se mue en cri de souffrance.

Yoiyami no Uta
Crépuscule

Passant maintenant à la critique en elle-même, qui sera laborieuse vu la richesse du matériau de base. Comme souvent dans les derniers Cds de Sound Horizon, Revo a tendance à se réserver une première piste très rythmée. Märchen ne fait pax exception à la règle mais quelques surprises nous attendent au tournant ! Après les dernières secondes d’Ido accolées en intro angoissante (c'est-à-dire le cri déchirant de Thérèse sur son bûcher), le narrateur allemand, Sascha commence un décompte inquiétant tandis qu’une voix aiguë monte en puissance et que les dernières paroles de Thérèse confirment sa vengeance. La bulle finit par éclater vers 0:45 où le « aaaaaah » angoissant se mue en un étrange « Aishiteru » (Je t’aime). Soudain un piano, puis la batterie, la guitare électrique et des violons entrent en scène et Revo commence à chanter (c’est lui le personnage principal). Il se serait arrêté là, Yoiyami no Uta aurait été une intro traditionnelle à la Sound Horizon. Mais le coup de génie du compositeur aura été d’introduire des reprises d’airs classiques célèbres dans le morceau et de les coller ensemble dans une harmonie surprenante.

Certains ont reconnus l’air de la Lettre à Elise de Beethoven. Or la jeune fille que l’on entend (Hatsune Miku en version chantée et sa doubleuse Saki Fujita sans effet synthétique lorsqu’elle parle normalement) se nomme Elise dans l’histoire. C’est la poupée confiée à l’albinos par Elisabeth qui prend vie en recueillant l’âme de Thérèse et se réveille aux côtés d’un März adulte qui a fusionné avec l’esprit malveillant qui résidait dans le puits, un certain Idolfreed mort de la peste, et en ressort amnésique. Désormais sous le nom de Märchen von Friedhof, il va accomplir sa mission d’esprit vengeur en répandant la mort autour de lui. L’anecdote est que le titre initial de la Lettre à Elise était justement « Für Thérèse » qui reflète donc la transformation de la sorcière en poupée. Revo n’a pas fini de nous surprendre niveau références !

Yoiyami no Uta continue donc dans sa lancée (avec quelques chœurs en fond) lorsque Märchen von Friedhof invite les morts à se soulever pour se venger. 7 jeunes filles répondent à l’appel et entament un refrain sous forme de leitmotiv en allemand proprement envoutant. Niveau déclinaisons (mon côté germaniste, que voulez-vous) j’ai noté une petite erreur mais bon on s’en fout, c’est beau. A 3:46 et 5:21 et donc les 7 cadavres chantent « Kommt, die Nacht kommt ». C’est presque trop court j’ai envie de dire. Mais voilà 5 minutes se sont déjà écoulées et on arrive seulement au milieu de la piste. Et la suite sera encore plus jouissive (et ça parait pourtant impossible) : de 6:15 à 6:38 l’Ode à la joie, toujours de Beethoven. L’Ode à la joie. Version rock. Et en allemand bien sûr. Un pur orgasme auditif. Et comme ça ne dure que quelques secondes on reste totalement sur sa faim en plus. Revo est machiavélique. S’en suit une reprise très réussie de des Tableaux d'une Exposition de Moussorgsky puis de Fantaisie-Impromptu de Chopin au piano. Et à peine remis du choc de la 9e symphonie, un chœur s’élance et s’interrompt. Petit flashback avec le puits (Ido) qui parle à März (mort enfant et « ressuscité » adulte) et lui propose d’une voix monstrueuse et lugubre de fusionner. Les cris qui suivent ne nous laissent aucune illusion quant à la souffrance du processus. Et là… Hatsune Miku (dont je ne suis pourtant pas fan à l’origine) qui ne fait qu’une discrète apparition a son petit moment de 7:50 à 8:18 sur ce qui ressemble énormément à l’Antre du roi de la montagne dans Peer Gynt. Visiblement je ne suis pas la seule à avoir noter les similitudes mais Revo n’a indiqué l’inspiration nulle part. Pourtant ce crescendo si familier… En tout cas ce passage est encore plus énorme que l’Ode à la joie. On repousse les limites de l’impossible. Les 10 minutes passent à une vitesse affolante, c’est dingue.


Après une entrée en matière aussi extraordinaire et géniale, j’ai eu très peur que le reste ne soit pas à la hauteur. Si, certes c’est toujours Yoiyami no Uta que je préfère, l’album tout entier est juste énorme. A partir de là nous sommes entraînés dans le cercle des vengeances. Et chaque chanson (sauf la dernière, je l’ai déjà signalé sur le paragraphe concernant la structure) débutera par un petit prélude où Revo/Märchen intime à la victime de chanter pour lui. Celle-ci lui raconte alors son histoire, comment elle a été tuée, et lui propose une solution, souvent sanglante avant de conclure avec un mini-dialogue avec Elise où tous deux commentent leur travail.


Kakei no Majo
Péché : La gourmandise

La première piste est la complainte d’une nonne qui a été abandonnée par sa mère très jeune à l’époque où elles vivaient toutes les deux dans la forêt parce qu’elles étaient trop pauvres. Elle essaye de se souvenir des jours heureux, avant que le couvent qui l’avait recueilli ne soit attaqué. Les premières secondes à la flûte de 0:27 à 0:40  sont charmantes, puis résonne la voix de Kanami Ayano qui interprète la nonne. J’avoue avoir beaucoup de mal avec son timbre et le début de la piste est un peu fade pour mes goûts, surtout que l’instrumentation se fait bien discrète. Heureusement entre 3:34 et 3:50 la guerre éclate et nous dévoile une sublime parenthèse au violon et à la guitare sèche où la voix partant dans les hauteurs de Kanami Ayano semble davantage à sa place. Le tout se dynamise un peu mais ce n’est que vers 4:30 quand la nonne retourne dans la forêt pour voir sa mère et se retrouve face à une vieille femme qui ne la reconnaît pas et qui semble à moitié tarée, pour vraiment profiter de la montée de tension violons/guitares (pour cause, elle fait la narration et ne chante plus). Elle est alors empalée sur un autel. S’en suit une courte envolée de Miki (qui joue la vieille femme) de 4:58 à 5:32 sous un air lent de batterie et de guitare électrique qui est franchement sympa et inaugure du bon.

Sauf qu’après que Märchen ait déclaré le cercle de la vengeance enclenché, on découvre ses instruments : Hansel et Gretel. Ce sera donc notre conte subverti. Le problème c’est que les deux gamins sont un peu insupportables et que le passage où la vieille femme vante sa maison « en sucreries » ne rend pas bien justice à la voix de Miki. Il faut vraiment attendre 7:58 pour retrouver une fibre épique lorsque le fantôme de la nonne, qui a guidé les enfants vers son ancienne maison, raconte combien ils s’empiffrent sur des pointes de violons et de batterie. Hansel et Gretel décrètent alors de leur propre chef que leur hôte est une sorcière et, toujours poussée par l’esprit de la nonne, lui foutent un coup de pied bien placé lorsqu’elle ouvre la porte de sa grande cheminée. Elle pousse un cri ardent et brûle donc vive. Ce qui est intéressant c’est qu’il n’est dit nulle part qu’elle voulait les manger ni qu’elle était méchante, elle était donc parfaitement innocente cette fois et les vrais méchants sont les deux gosses. A noter que le thème de la vengeance, qu’on retrouve à la fin de toutes les pistes, est ici étouffé par la narration d’Hansel et Gretel.
Une piste qui est loin d’être mauvaise mais qui se révèle plutôt moyenne en comparaison du reste de l’album. Comme ça on pourra mieux apprécier la suite vous me direz...


Kuroki Joshou no Yado
Péché : L’avarice

Cette seconde piste ressemble à bien des égards à la première dans le début de l’histoire (une jeune fille pauvre, la guerre) mais largement améliorée. Les premières secondes de 0:17 à 0:30 dévoilent cette fois-ci des chœurs lugubres d’enfants avant de basculer vers notre nouvelle héroïne : une humble paysanne. REMI adopte pour l’occasion un dialecte un peu particulier en avalant les syllabes pour mieux sonner provinciale, sa voix reste malgré tout très pure et rappelle volontiers que c’est une excellente cantatrice, surtout dans le passage suivant de 1:46 à 2:38 où elle se fait le témoin d’une guerre sanglante et épique à grands coups de violons, de batterie et de bruitages d’explosion et de cris. Et puis la jeune paysanne est vendue à une auberge dont la propriétaire est interprétée par nul autre que Jimang. En travelo donc. Comme d’habitude il fait très bien le pitre et sonne toujours s’il était très vieux mais je ne peux toujours que difficilement supporter le résultat. Reste qu’il sait mettre de l’ambiance et joue très bien son rôle. Vient ensuite le moment décisif où la propriétaire se rend compte qu’elle n’a plus rien à offrir à manger à ses clients et décide de purement et simplement s’absenter pour aller piquer les organes des pendus. Ce n’est jamais précisé dans la chanson mais on peut plus ou moins le deviner à travers le conte d’origine, parfaitement méconnu, L’homme de la potence. Il y a donc un vent de panique entre 4:14 et 5:07où Jimang commet l’irréparable, sert son client puis affirme que piller les cadavres c’est très bien (il n’y a pas de petits profits), le tout sur fond de violons, de guitare et de batterie, comme précédemment, puis avec un accordéon. Et puis, sans qu’on sache pourquoi, la serveuse se pend (ou est pendue, impossible de déterminer si c’est un homicide) et REMI nous entonne un petit requiem bien sympa avec simplement un peu de piano et de guitare.

La serveuse revient ensuite d’entre les morts grâce à Märchen et le thème de la vengeance éclate alors vers 5:58 dans toute sa puissance avec un mélange exlosif de guitare électrique et de batterie sur lesquels s’ajoute le chœur d’enfant (qui répète « toctoc, toctoc ») et même de l’orgue jusqu’au paroxysme de la chanson. Et là, REMI déclare simplement « Rends-moi mon foie » et Jimang hurle. Tout simplement jouissif.


Garasu no hitsugi de nemuru Himegimi
Péché : L’envie

Cette fois-ci le conte de fée nous est très clairement expliqué dès le début et il s’agit de Blanche Neige. Revo a choisi de coller à la version qui la décrit comme une enfant, c’est donc une petite fille qui chante, la jeune Tomoyo Kurosawa qui jouait déjà un rôle mineur dans le précédent album, Moira. Elle devait avoir 13-14 ans au moment de l’enregistrement et, à ma grande surprise, je trouve que sa voix, même si très haut perchée, n’est pas si désagréable. Son monologue introductif où elle précise son histoire est calme, simple mais plutôt bien joué. Elle est régulièrement interrompue par Miki, qui cette fois fait la belle-mère, chantant devant son miroir (et c’est Jimang le miroir) et contemplant sa beauté. Un léger crescendo nous mène au moment fatal où le miroir avoue que c’est Blanche Neige la plus jolie et s’en suit un passage guitare/violons (+batterie à la fin) de course-poursuite entre elle et le chasseur (encore Jimang) de 2:34 à 3:26 entraînant à souhait. Pour continuer dans l’excellence le thème que l’on entend brièvement de 3:27 à 3:43 lorsqu’elle erre dans la forêt jusqu’à la maison des 7 nains est franchement bon. Un peu de batterie, du piano, et on a envie de danser. Thème malheureusement trop court. Mais déjà l’arrivé des nains entraîne une scène comique tout aussi entraînante. Et comme Revo est vache, il a inclut un passage secret de même pas dix secondes en plein milieu vers 4:20, passage qui parle d’un certain Idolfreed. Mais évidemment on ne l’entend presque pas parce que cette narration est écrasée par ce que raconte Tomoyo Kurosawa. A vrai dire, il faut tendre l’oreille pour comprendre que ce ne sont pas les nains.
Après une telle effervescence on en revient à une mélodie plus calme lorsque la sorcière vient offrir une pomme à Blanche-Neige (et comme d’habitude Miki a une voix intense qui transperce tout).

Quelle sera la vengeance pensée par Märchen ? Eh bien, puisque la princesse est plongée dans un sommeil éternel, elle n’est techniquement pas morte et peut donc revenir sur terre. Pour cela, elle a besoin...d’un prince. C’est ainsi qu’à 5 :58 nous est introduit un passage purement épique où Yume Suzuki nous joue un prince en quête désespéré de trouver la femme parfaite. Sa voix colle admirablement bien et a un petit quelque chose d’étrange et de viril à la fois. Je vous conseille d’écouter d’abord avant de lire ce qui va suivre. En effet, Yume Suzuki est...une femme. Je crois que je n’ai jamais entendu un prince aussi « charmant », elle est juste parfaite dans le rôle. Dès le moment où le prince pénètre dans la forêt jusqu’à se trouver devant le corps sans vie de Blanche-Neige on peut entendre de 6:47 à 7:00 le même thème que de 3:27 à 3:43 mais réarrangé de manière plus dynamique et avec la superbe voix du prince. Comme dans le conte, le cercueil est renversé et la jeune fille revient à la vie. S’enclenche alors le thème de la vengeance joué à l’orgue et au violon tandis que  l’héroïne répète les toutes premières paroles de la chanson mais en changeant certains mots de manière macabre. Dans une sorte de leitmotiv, voilà de nouveau Miki qui brûle puisque la belle-mère est forcée de danser avec des chaussures brûlantes jusqu’à sa mort. Les rires maléfiques de Tomoyo Kurosawa se superposant aux cris ont de quoi faire peur.

Une piste tout simplement magistrale qui se conclue cependant par une légère ambiguïté puisque le prince réagit à ce spectacle par une réflexion de désarroi dont on ne sait ce qu’elle représente (trouve-t-il que la belle Blanche-Neige est une garce ? que la méchante fait bien de crever en public ? mystère).

Sei to Shi wo wakatsu Kyoukai no Furuido
Péché : La paresse

Désolée, j'ai pas trouvé meilleure qualité pour l'image

Revo aime les contrastes et il lui arrive de temps en temps de raconter les plus atroces supplices avec des mélodies joyeuses (comme  la célèbre Yield de l’album Elysion où une fillette décime sa famille avec une bonne humeur à toute épreuve). C’est le cas Sei to Shi wo wakatsu Kyoukai no Furuido qui a de quoi dérouter. Au début j’ai même cru, avec mes faibles compétences en japonais, que c’était l’histoire d’une idol qui mourrait sur scène, mais pas du tout.

Une paysanne sans nom, interprétée par Ceui, entonne un couplet plein d’énergie sur fond de batterie et guitare électrique tandis qu’elle nous raconte qu’elle est régulièrement maltraitée par sa belle-mère (tiens, encore doublée par Miki) et sa demi-sœur suite à la mort de son père (il aurait disparu dans un puits...Idolfreed ?). De bout en bout la chanson reste excellente et rythmée mais précisons quand-même ce qui arrive à cette brave fille : elle fait tomber son fil dans le puits et sa famille lui ordonne dans le très bon passage de 2:45 à 2:53 où on entend un peu de Miki d’aller le récupérer. Et elle se noie. Elle se noie mais visiblement elle devait être tout juste entre la vie et la mort quand Märchen est intervenu parce qu’elle se réveille alors dans un nouveau monde qu’elle croie être le paradis et se révèle être le monde de Frau Holle avec les pommes et les pains qui parlent et lui demandent d’accomplir des épreuves. La brave fille s’exécute sans réfléchir et entame de chanter et de danser en même temps comme s’il s’agissait d’un concert. Ainsi de 4:37 à 5:21 on peut entendre un superbe final très pop-rock. Frau Holle (Azumi Inoue, qui a une voix très "maternelle") intervient alors en personne et offre un marché à la demoiselle : elle devra travailler pour elle. Comme c’est une bonne magicienne, Frau Holle n’hésite pas non plus à récompenser la jeune fille qui s’en retourne chez elle couverte de poussière d’or. La vengeance ? La belle-mère va demander à sa propre fille d’aller aussi dans le puits et même si ce passage est coupé, ceux qui ont lu le conte savent qu’elle ne va rien foutre et que Frau Holle va la punir pour sa paresse : elle reviendra couverte d’une substance gluante noire impossible à enlever. C’est là que résonne le thème de la vengeance alors que l’héroïne se moque allègrement du malheur de sa sœur. La piste est alors rehaussée de quelques chœurs et reprend son aspect pop. Un mélange surprenant mais diablement efficace.


Bara no tou de nemuru Himegimi
Péché : L’orgueil

On reprend sensiblement la structure de Blanche-Neige avec cette fois-ci la Belle au Bois Dormant, interprétée par Mikuni Shimokawa. Elle monologue aussi sur son histoire mais sa voix épurée est parfois interrompue par de brefs instants où résonnent «  Siebten Schuld » (7 péchés dans un allemand approximatif) et il y a un passage à la flûte magnifique de 1:00 à 1:16 en plus (ce qui change TOUT, avouez-le). On passe alors au banquet en l’honneur de la naissance de la princesse où -devinez qui brille- la méchante sorcière (Alte Rose) s’invite jouée par nulle autre que Miki, décidément déchaînée, qui livre encore une fois une prestation de qualité à partir de 2:32. La même doubleuse que Frau Holle intervient en tant que fée rivale et le duel se conclut comme il se doit sur un pari sur le temps de vie de la princesse. On en revient au monologue et de 4:00 à 4:24 débute un lent morceau de batterie qui reviendra plus tard. La suite, tout le monde la connaît, la princesse se pique sur le rouet et tombe mortellement endormie.

Et comme pour Blanche-Neige, Märchen dépêche un prince pour la réveiller. A 5:20 résonne donc le thème du prince avec Yume Suzuki toujours très en forme. Sa tirade est interrompue par le chant d’une rumeur qui lui souffle l’existence d’une magnifique princesse endormie. On peut alors entendre de 7:07 à 7:20  la même mélodie que de 4:00 à 4:24 de manière plus dynamique. On repart directement sur le thème de la vengeance qui s’amorce doucement avant de se déchaîner avec de la flûte en bonus. La princesse réveillée par le prince chasse Alte Rose de son royaume et subit sa dernière malédiction qui est en réalité une référence à la piste Majo to Rafurentse de l’album Elysion et qui dit qu’elle va abandonner son enfant dans la forêt (où il sera recueilli par la sorcière Old Rose).


Aoki Hakushaku no Shiro
Péché : la tortu…euh luxure

L’effusion de qualité ne semble jamais vouloir s’arrêter maintenant qu’elle est lancée. Notre prochain conte est celui de Barbe-Bleu mais raconté non pas par sa dernière femme (celle qui lui survit) mais la précédente. C’est Minami Kuribayashi, qu’on avait déjà pu entendre à loisir dans l’album Moira, qui l’interprète. Après un prologue résolument effrayant et rock, les débuts se font soudain hésitants, Minami Kuribayashi semble douter, sa voix est faible, alors qu’elle constate que sa robe préférée est devenue rouge. Soudain elle réalise : c’est parce qu’il l’a tuée. Cette révélation soudaine entraîne un interlude rythmé tandis qu’elle livre son histoire, son mariage avec le terrible Barbe-Bleue que tout le monde craignait et que pourtant, elle aimait sincèrement. Sa complainte se fait alors touchante, des violons s’ajoutent à la batterie et à la guitare électrique. Puis de 3:14 à 4:50, au chœur du chaos, résonne la voix puissante d’Akio Otsuka (mais si, vous savez, Batou de Ghost in the shell, Rider de Fate/Zero et le seul mec intéressant de Paprika)  qui campe un Barbe-Bleu parfait, violent, torturé. Il se paye même le luxe de nous exposer comment il a tué ses femmes de 3:30 à 4:08 où les bruitages sont plus qu’explicites. Entre celle qui s’est fait brûler vive, celle qui a été enfermé dans une Dame de Fer et celle qui a été étranglée, il y en a pour tous les goûts !

La vengeance ? L’esprit de la dernière des femmes tuées souffle innocemment à la nouvelle épouse que derrière la porte interdite se trouve un fabuleux trésor (quelle pute) et la piste qui avait repris un rythme un peu moins soutenu se déchaîne de nouveau vers 6:02 lorsque la porte du cabinet s’ouvre, dévoilant les cadavres mutilés. Des chœurs accompagnent alors Minami Kuribayashi de 6:29 à 6:41 tandis que la femme de Barbe Bleu tente vainement de lui résister. La piste se conclut avec le combat des deux frères qui assassinent le tyran sur fond du thème de la vengeance, légèrement plus discret.


Haritsuke no Seijo
Péché : La colère

Après une petite introduction avec des chœurs et du violon de 0:33 à 0:53, épique  comme il se doit, Joelle nous revient en tant qu’Elisabeth exactement là où s’était arrêté Kono semai torikago no naka de. Et pour changer, elle ne nous narre pas le passé mais bien le présent tandis qu’elle s’avance vers son destin. Débute alors un passage un peu jazz de 1:30 à 1:55, duo entre Revo et Joelle qui se font mutuellement écho dans leurs paroles : Märchen a oublié sa promesse, Elisabeth ne peut l’oublier. C’est alors en grandes pompes, avec trompettes et violons, que l’on découvre le père/frère de la jeune fille qui lui annonce qu’il lui a enfin trouvé un mari et qu’il serait temps qu’elle passe devant le curé. Ce à quoi elle répond qu’elle ne pourra jamais épouser quelqu’un qu’elle n’aime pas et qu’elle préfère encore mourir. Se lance alors son chant magnifique de 2 :25 à 3:38 , qui s’envole (son motif est celui de l’oiseau), comme un signe d’espoir, jusqu’à ce que le verdict tombe comme un couperet : puisqu’Elisabeth préfère mourir, elle sera crucifiée. Cette partie est visiblement adaptée d’un vieux conte que je ne connais pas donc je ne pourrais pas dire ce qui est original.

Cette fois, Märchen est coupé net dans sa vengeance tandis que la jeune fille affirme qu’elle n’en veut pas à son frère/père et qu’elle ne désire pas sa mort. Des échos de Kono semai torikago no naka de nous parviennent alors sur fond de violon et soudain, à 5:02 Joelle se remet à chanter. Sa voix gagne en puissance à mesure que l’instrumentation s’amplifie et que s’emballent les violons pour un passage volontairement larmoyant, une scène d’adieu. Et c’est bien le thème d’Elisabeth du prologue qui s’enclenche à 6:28 dans un dernier soubresaut et non le thème de la vengeance. Les paroles sont à la fois simples, universelles et touchantes : « Je suis juste Elisabeth, rien d’autre ». La piste pourrait se conclure ainsi mais non, à 6:55 on passe à quelque chose d’entièrement différent puisque Elise, la poupée, essaye de secouer Märchen, resté muet après les adieux de celle qu’il aimait et qui le remerciait d’être venu la voir une dernière fois. Evidemment il ne répond pas et elle commence à paniquer. La batterie et la guitare électrique introduisent une tension et révèlent bientôt la mélodie de Yoiyami no Uta tandis que Saki Fujita se met à vociférer de plus en plus fort jusqu’à ce que sa voix se disloque dans un son électrique comme un automate brisé. Et puis Märchen la ramasse et décide de tout arrêter.
Une très belle piste qui démontre tout le talent de Joelle et qui m’aura fait davantage aimé Kono semai torikago no naka de comme les prestations de Miki m’auront finalement fait aimé Kanojo ga Majou ni natta riyuu (particulièrement dans sa partie finale). Mais la clôture n’est pas encore là.


Gyoukou no Uta
Aube

Pour finir Märchen (l’album, pas le personnage ; oui je sais, on s’y perd) en beauté, on bascule vers un morceau très différent de tous les autres puisqu’il n’est plus composé de fragments de mélodies bout à bout, ce qui le rend plus court. Il n’y a qu’une seule voix, celle de Revo, qui joue März au moment où il s’éteint définitivement, et répond, un peu tard, aux adieux d’Elisabeth. L’instrumentation est constituée de violons et de piano et commence calmement pour aller vers un crescendo de plus en plus épique où s’ajoute d’abord un peu de flûte pour faire bonne mesure, puis du tambour vers 2:37. De 2 :08 à 2:27 on peut entendre les échos de tous les personnages des pistes précédentes et du prologue et à 3 :06 ils rient même tous ensemble comme si März s’avançait vers le paradis. Soudain, à 3:58, le soufflet retombe et on entend un compte à rebours à l’envers. Tout à coup c’est le silence et Revo prononce une phrase très spécifique, que l’on pouvait entendre à 1:01 de Kanojo ga Majou ni natta riyuu lorsqu’il était enfant, marquant sa renonciation. La boucle est bouclée.

Conclusion
Le septième horizon qu’est Märchen représente réellement le chef d’œuvre de Revo (et Sound Horizon en général) : une intrigue riche, ambiguë mais pas totalement incompréhensible non plus, une structure fine, des références aussi bien musicales qu’anecdotiques à ses précédents travaux, des morceaux maîtrisés de bout en bout. Si je reprochais volontiers à Moira d’être un patchwork de fragments minuscule dont seule une minorité était sympathique et trop souvent submergée par le reste, Märchen est une mosaïque où chaque morceau est bon et où les plus excellents apparaissent dans toute leur splendeur. Musicalement abouti donc, et pour une fan de contes de fée comme moi, les versions proposés des contes des frères Grimm présentent également un intérêt certain. Le sieur Revo aura su me redonner foi en Sound Horizon, et ce de manière magistrale. Plus encore, il m'aura révélé Miki, nouvelle recrue que Moira n'avait pas su mettre en valeur. D’une certaine manière, Märchen conclue admirablement la carrière de Revo et je ne peux que chaudement vous recommander d’y jeter une oreille.

En voilà un article que je voulais faire depuis longtemps, notamment parce qu’il soulève une question qui m’intéresse au plus haut point et qui n’est pas si fréquemment abordée.

Dans un précédent billet je comparais des pistes tirées de bandes originales d’animes et de jeux vidéo et j’y avais trouvé quelques ressemblances assez troublantes, surtout que plus j’essayais de faire des recherches, plus je débusquais de morceaux de musique similaires et plus le mystère s’épaississait. Alors que je commençais à désespérer, ma petite enquête me conduisit jusqu’à un forum où un internaute posait sensiblement la même question que moi. Sauf que lui obtenait sa réponse et elle fut lumineuse : les samples.

Depuis quelques temps ce phénomène m’intéresse en ce qu’il cautionne partiellement ma théorie de la transmutation littéraire en l’appliquant au domaine musical. Je me permets de m’auto-citer afin de vous éviter de vous farcir l’article en entier pour comprendre ce que je veux dire :

[...]Partir d’un bout d’une œuvre existante et y ajouter d’autres références et un peu de soi c’est de la création littéraire. Il faut bien avoir conscience qu’il est impossible au XXIe siècle d’inventer de la « matière première », tout a déjà été pensé avant par quelqu’un d’autre en somme. La littérature ne peut évoluer que si on dépasse cet état de fait en utilisant l’alchimie : on combine des matériaux anciens, du usé jusqu’à la trogne, pour en faire des mélanges innovants et nouveaux. L’inventivité réside donc dans le dosage et dans l’implication qu’on rajoute.

Les samples fonctionnent sur le même principe, ce sont des échantillons que l’on récupère sur un même morceau ou sur différents morceaux et que l’on modifie afin de créer quelque chose de nouveau. Evidemment si certains artistes font preuve d’inventivité et de créativité (je vous renvoie à l’explication du montage de One More Time de l’album Discovery des Daft Punk, c’est très intéressant), d’autres se contentent de copier un fond sonore et de rajouter un peu de beat et hop, ni vu ni connu, auquel cas on peut vraisemblablement parler de plagiat. Les samples sont partout dans le domaine musical au point qu’une grande partie des titres récents trouve ses racines dans des hits des années précédentes. Si le sujet vous intéresse, je ne peux que recommander la lecture (et l’écoute) du site Samples.fr.

Normalement, je ne devrais rien vous apprendre mais sait-on jamais. Ce qui m’intéresse ce sont les original soundtrack. Grâce à ce fameux commentaire, j’ai remonté la piste jusqu’à un produit nommé Symphony of Voices, une énorme compilation de quatre ou cinq CDs contenant des centaines et des centaines de samples de voix prononçant des voyelles, des assemblages de sons et différents bruitages, le tout en plusieurs variantes (femme, hommes, chorale de jeunes garçons, cela va du plus aigu au plus grave). Ce coffret, qui coûte tout de même la bagatelle de 500€, est donc une véritable mine d’or pour tous les musiciens en herbe. C’est ainsi que j’ai compris comment étaient constitués les chœurs « artificiels » (puisque techniquement ce sont simplement des samples agencées bout à bout dans un ordre précis) de mes morceaux préférés et donc pourquoi des chanteurs n’étaient jamais crédités sur ces pistes-là alors qu’on entendait nettement des voix. Un vrai musicien pourrait vous faire des démonstrations ingénieuses, et d’ailleurs les musiciens doivent déjà connaître ce genre de procédés, mais moi je suis une quiche, je me contente d’écouter bêtement sans trop comprendre comment cela fonctionne. Avec les samples, on entre dans les coulisses de fabrication et je trouve franchement fascinant de pouvoir déceler rien qu’un peu quelle a été la démarche de tel ou tel compositeur pour créer son titre.

J’en reviens donc à ce qui me tourmentait tant la dernière fois : les samples de choeurs grégoriens. Distribués dans des coffrets du même genre que Symphony of Voices, ce sont tout simplement des bouts de chants liturgiques célèbres qui sont interprétés par des chorales et que l’on retrouve absolument partout ! Avec mes maigres moyens j’ai réussi à réunir une petite compilation de toutes les utilisations que je pouvais trouver des chants les plus connus afin de dévoiler enfin pourquoi tant de pistes différentes utilisaient toutes les mêmes fragments et, accessoirement, de comparer comment tel compositeur a choisir de se servir de tel sample par rapport à tel autre.

Je crains que les musiciens ne jugent ce post ennuyeux vu que ça doit leur paraître évident mais ça permet aux amateurs de mieux saisir la construction de ses morceaux favoris et, à l’avenir, de peut-être mieux repérer à l’oreille les différents samples (depuis que je sais comment ça marche, je discerne bien mieux les échantillons à l’oreille donc ça me permet d’affiner ma culture musicale, j’en suis très contente, même si ça gâche un peu la « magie »).

Kyrie Eleison

Le Kyrie est un chant liturgique qui a la particularité d’être en grec et non en latin et il n’est composé que deux phrases « Kyrie Eleison » (Seigneur, prends pitié) et « Christe Eleison » (Christ, prends pitié) prononcées très lentement, ce qui en fait l’un des plus reconnaissables. La piste Kyrie de l’album Red Moon de Kalafina en est une référence directe et on peut entendre nettement un Kyrie Eleison se balader en fin de refrain. On le retrouve également dans un couplet de l’opening d’Elfen Lied, Lilium, pourtant intégralement en latin.

Ergo Proxy OST 1 - New Pulse (Mai 2006)

Compositeur : Ike Yoshihiro

Ergo Proxy OST 1 - Fellow Citizen (Mai 2006)

Compositeur : Ike Yoshihiro

Episode « The Melancholy of Haruhi Suzumiya V» de Suzumiya Haruhi no Yuutsu (Juin 2006)           

Compositeur : Satoru Kousaki

Je n’ai pas pu ajouter l’extrait vu qu’il ne fait pas partie de la bande-son, on peut néanmoins le trouver en regardant l’épisode que j’indique, au moment où Koizumi montre à Kyon ses pouvoirs d’ESPER et qu’il rejoint ses camarades pour combattre un monstre géant.

Death Note OST 1 – Kyrie (Décembre 2006)

Compositeurs : Hirano Yoshihisa & Taniuchi Hideki 

Sekai Satoyama Kikou OST - Where Every Life Is Beautiful (Décembre 2010)

Compositeur : Yuki Kajiura (Issu de The Works for Soundtrack)

Miserere

 Le Miserere (Allegri) est un chant sacré issu du psaume 51 de la Bible lorsque le roi David, après avoir séduit Bethsabée, une femme mariée, se repend de sa faute. Le texte commence par « Miserere mei », soit « Prends pitié de moi ».

Juuni Kokki OST  - Sanctus Kihaku (2003)

Compositeur : Kunihiko Ryo

Cette piste est assez étrange en ce qu’elle se découpe en plusieurs temps, tous différents. La première partie est composée du chant magnifique d’une soliste parfois rehaussé de quelques murmures. Le résultat est d’une grande pureté. Seulement voilà, au bout d’une minute intervient une transition basé un autre sample dont je reparlerai, et après 1:30 le Miserere retentit de manière très crue. Il n’y a toujours pas de fond musical perceptible donc on n’a pas vraiment l’impression que Kunihiko Ryo a changé grand-chose. Heureusement que la soliste était là pour compenser.

Episode 1 de Black Cat (Octobre 2005)

Compositeur : Taku Iwasaki

Un gentil commentateur me l’avait signalé sur mon précédent article donc je le remets là car effectivement le premier épisode de Black Cat contient un Miserere accentué par un fort écho.

Basilisk OST III - Ki no Ko (Novembre 2005)

Compositeur : Takashi Nakagawa 

Dirge of Cerberus OST - Trigger Situation (février 2006)

Compositeur : Masashi Hamauzu 

Ergo Proxy Opus 01 - Prayer (mai 2006)

Compositeur : Ike Yoshihiro 

The 3rd Birthday OST - Into the Babel (2010)

Compositeur : Mitsuto Suzuki 

Agnus Dei

L’Agnus Dei (Agneau de Dieu) n’est pas un chant à proprement parlé mais une acclamation récitée au cours de la messe.

American McGee Alice OST - The Centipede (2001)

Compositeur : Chris Vrenna

.hack//sign OST 2 – Open your heart Reprise (2002)

Compositeur : Yuki Kajiura

Jyu Oh Sei OST - Grab the All (2006)

Compositeur : Hajime Mizoguchi

(J’ai prononcé le mot magique, je m’attends à voir apparaître un lapin d’un instant à l’autre)

Sekai Satoyama Kikou OST - Where Every Life Is Beautiful (Décembre 2010)

Compositeur : Yuki Kajiura (Issu de The Works for Soundtrack)

Comme j’en ai déjà parlé un peu plus haut, je ne vais pas m’éterniser dessus. Il est juste à noter que des Agnus Dei viennent compléter les Kyrie Eleison, offrant du même coup une sorte de super-combo. 

Pange lingua

Pange lingua est une prière de Saint Thomas d’Aquin sur le Saint Sacrement de l’Eucharistie et…c’est à peu près tout.

Noir Blanc dans Noir – Church (2001)

Compositeur : Yuki Kajiura

Round Loop

J’ignore à quoi correspond la « Round Loop » sinon à une série sans fin de « aaah » qui tourne en rond.

American McGee Alice - In-game Music (2001)

Compositeur : Chris Vrenna

Juuni Kokki OST  - Sanctus Kihaku (2003)

Compositeur : Kunihiko Ryo

Je me suis déjà étendue de long en large sur l’utilisation sur Miserere mais Sanctus Kihaku possède également un petit sample de Round Loop très discret, situé entre le chant de la soliste et le crescendo. Pas parfaitement audible, il semble surtout servir de transition et préparer les chœurs grégoriens.

Ergo Proxy Opus 02 - Busy doing nothing (2006)

Compositeur : Ike Yoshihiro

The 3rd Birthday OST - Immortality of time (2010)

Compositeur : Mitsuto Suzuki

D’entrée de jeu la Round Loop nous accueille. Mais pas pour longtemps puisqu’un autre sample prend la relève de manière plus flagrante, je vais donc plutôt garder mon analyse pour la suite.

O Fortuna

A l’origine « O Fortuna » est un poème médiéval rédigé en latin qui s’adresse à la déesse éponyme, la déesse de la chance. Le manuscrit fait partie de la collection des Carmina Burana transformées en mélodies par Carl Off. La musicalité de ces deux mots en font une composition parfaite pour les morceaux de type « épique » et grandiloquent, d’où sa popularité.

The 3rd Birthday OST - King of Closing Time (2010)

Compositeur : Mitsuto Suzuki

The 3rd Birthday OST - Immortality of Time (2010)

Compositeur : Mitsuto Suzuki

Alléluia

L’alléluia est un chant liturgique bien connu qui a lieu durant la Messe.

Noir OST 1 - Corsican Corridor (2001)

Compositeur : Yuki Kajiura

L’Alléluia ( ?) maléfique

Celui-là me poursuivra encore longtemps. J’ai beau retrouver ce sample presque à l’identique dans plusieurs morceaux, je suis incapable de reconnaître le morceau d’origine, notamment à cause d’un effet de réverbération qui n’aide pas mon oreille déjà pas très expérimentée. On croit entendre Alléluia mais en y prêtant attention, les syllabes semblent étrangement prononcées. En bref, si quelqu’un a des informations sur ce sample, je suis preneuse.

Noir OST 1 – Les Soldats (2001)

Compositeur : Yuki Kajiura

Shadow Hearts II OST - Evil Gate Opener I (The Fortress Appears I) (2004)

Compositeur : Yoshitaka Hirota

Final Fantasy XIII OST Disc 3 - The Vile Peaks (janvier 2010)

Compositeur : Masashi Hamauzu

The 3rd Birthday OST - Terminus Zero (décembre 2010)

Compositeur : Mitsuto Suzuki

Amen

Amen est une acclamation signifiant « Ainsi soit-il ». Je n’ai pas trouvé des masses de variations alors je me contenterais de celle qui sont présentent sur la même OST :

Xenosaga II : Jenseits von Gut und Böse ~Movie Scene Soundtrack (2004)

Compositeur : Yuki Kajiura

Puisque tous ces thèmes sont liés, autant parler des trois en même temps. Albedo version 1 est un morceau plutôt calme et angoissant avec un fond de violon et ces Amen qui reviennent en permanence comme un refrain halluciné. A l’inverse Strained Albedo version 2 semble paisible. Des tintements de xylophone et ce qui me semble être du piano font entendre une boucle mélodique planante où les chœurs ne sont plus que des échos lointains et inoffensifs. Cela pourrait très bien être une musique de rêve ou de promenade nocturne si le morceau ne s’assombrissait pas soudainement à sa moitié pour retourner à une variante plus rythmée d’Albedo version 1. Dommage, ça donnait presque envie de dormir. Presentiment J.R version 3 s’éloigne des variantes du thème d’Albedo en se composant d’une mélodie au piano assez typique de Kajiura où les chœurs servent surtout d’accompagnement. En tout cas jusqu’à 1:30 où une guitare émerge soudain avec son ami le violon et une guitare électrique pour se donner en spectacle.  

Voilà, voilà, j’ai fais le tour de ce que je connaissais. La liste n’est bien entendu pas exhaustive dans le sens où de tels samples sont tellement courants que vous avez tous dû les entendre au moins une fois quelque part. Si vous avez des exemples à rajouter en tout cas, je suis preneuse ; j’aime bien faire des comparaisons. Et puis ce phénomène m’éclaire sur pas mal de choses. Ainsi l’OST de Noir, le premier gros travail de Yuki Kajiura dégouline de samples, tout comme certaines de ses toutes premières compositions, probablement parce qu’à l’époque elle n’avait pas beaucoup de moyens à sa disposition, tandis que par la suite son utilisation s’est fortement réduite et elle a plus volontiers utilisé des chanteuses de son entourage pour soudainement pondre une nouvelle OST fournie en samples avec celle de Xenosaga II, probablement parce que c’était l’une de ses premières grosses commandes pour le domaine du jeu vidéo. De même, l’OST de The 3rd Birthday est sûrement bien chargée en échantillons parce qu’il s’agit de la première fois où Mitsuto Suzuki se voit remettre la charge de composer la majorité des pistes d’une licence très connue de Square Enix (Parasite Eve c’est pas rien). Comme il est de retour en compagnie d’autres compères pour celle de Final Fantasy XIII-2, j’espère qu’il va me donner de la matière en casant des samples quelque part. C'est que cela devient presque un jeu maintenant :3.

Pour quelqu’un qui écoute en permanence des bandes originales d’animes ou de jeux vidéos, c’était quand même un peu dommage de se cantonner à un article musical une fois tous les trois mois (et en plus ne parlant même pas de ce sujet). C’est maintenant chose faite grâce à une nouvelle rubrique (au titre très inspiré, j’avoue que je n’en trouvais pas qui me paraissait approprié) essentiellement destinée au remplissage, il faut l’avouer, et qui plagie ouvertement celle de Nataka :p (avec un peu de chance ça le fera rappliquer). Comme ça quand je serais à court d’idées il y aura toujours moyen de creuser le filon et de faire quelque chose de bien \o/.

En ce moment je n’ai pas trop le temps de regarder des animes et comme ma logique tordue veut que j’écoute une OST d’anime presque exclusivement après avoir vu l’anime en question, mais en revanche n’écoute que des musiques de jeux que je ne connais pas (et que j’achète éventuellement par la suite), eh bien je me tourne actuellement surtout vers les jeux vidéos pour y puiser une nourriture spirituelle dont j’ai grand besoin…

Voilà donc ce que j’écoute surtout en ce moment :

Song Book Vol.2

Après avoir découvert l’OST du dernier Ghibli, Karigurashi no Arrietty, il était difficile de ne pas s’intéresser un peu à sa compositrice (surtout qu’une bretonne pour composer la musique d’un film d’animation japonais c’est assez rare), Cécile Corbel. Bien que je n’ai pas encore eu le privilège de tester ses différents travaux, j’ai eu un petit coup de cœur en entendant un extrait d’Innocence.

Innocence c’est une piste instrumentale qui commence par de douces notes mélancoliques à la harpe et un violon. En elle-même la mélodie est incroyablement belle, elle donne envie de pleurer, et puis après deux minutes elle se fait un peu plus tribale et de 2:30 à 2:50 des chœurs masculins viennent se confier soudain aux instruments pour une confession très surprenante, probablement mon passage préféré. Une petite piste à la fois simple et complexe, lente et légèrement rythmée, triste et joyeuse. Un tel mélange ne pouvait que me plaire.

Unlimited Saga OST Disc 2

Ma recherche de musique nouvelle m’a portée jusque sur un site charmant qui évoquait justement la bande-son d’Unlimiteds Saga, composée par Masashi Hamauzu, un grand nom parmi les compositeurs de Square Enix. Autant le premier disque m’a immédiatement paru plutôt ennuyeux par son côté fade et sans surprise (depuis Dirge of Cerberus et Final Fantasy XIII je commence à connaître un peu le style du bonhomme), autant le deuxième est une vraie merveille un peu expérimentale sur les bords qui décèle de nombreuses perles.

Dès la première piste, Time-Space Travels (01) on s’engage dans un voyage à l’autre bout de l’univers à grands coups d’éléments synthétiques qui montent et qui descendent comme des vagues par dessus une mélodie qui se répète à intervalles réguliers, lancinante. On croirait entendre un spectacle fait de gerbes d’eau et de lumières, d’effets pyrotechniques.

Et puis on arrive à DG ''listless'' (04), qui rappelle un peu This is your story de Final Fantasy X, une piste calme, un petit air de piano avec des bruitages synthétiques, une ambiance ce coton, de mélancolie, comme sur un nuage, comme si le temps s’arrêtait soudain.

Dans une veine semblable, toujours au piano, on a DG ''sadness'' (14) qui est un peu plus ouvertement triste mais tout aussi belle.

Complètement à l’opposé BT Ver. 7 (15) s’impose comme une piste particulièrement originale avec un rythme un peu hip-hop, une boucle de sons bizarres et moyennement intéressantes mais à partir de 0:22 le saxophone se superpose à cette boucle, les violons commencent à apparaître et à 0:52 c’est le tour du piano qui donne un petit côté jazz à l’ensemble. Mais réellement le passage que je préfère c’est à 1:07 où le saxophone lance une série de cris particulièrement envoûtants, un passage aussi beau qu’éphémère puisqu’il ne dure que quelques secondes. Dommage.

L’un des derniers titres que j’aime beaucoup dans cet OST est le très rythmé BT ''ultimate'' (18) qui tient du génie. Tout d’abord on peut entendre un crescendo inquiétant et à 0:24  la musique explose enfin à grands coups de batterie et de synthétique pour ensuite s’ouvrir vers 0:35 au soupir d’une trompette qui se lamente, on croirait entendre le désespoir d’un condamné à mort qui lutte contre le destin. Un peu plus loin vers 1:17 petit crescendo de violons qui s’unissent à 1:46 à la trompette pour monter de plus en plus haut jusqu’à une sorte de pause dans le morceau, de havre de paix de 2:12 à 2 :45 fait de piano, de violons et de divers sons pour mieux reprendre le rythme initial encore plus fort et basculer dans le néant lentement amenant la fin de ce morceau audacieux.

Last Ranker Original Soundtrack

Cette découverte là je la dois, encore, à Role Playing Game Magazine qui a su m’appâter en me proposant une Yoko Shimomura en forme composant pour la première fois depuis Kingdom Hearts II entièrement une bande-son, qui plus est d’un univers totalement différent. Il n’en fallait pas plus pour que je saute dessus.

Beaucoup de pistes sont bonnes mais j’en retiens surtout quelques unes comme Born to Survive (1-09) une mélodie rythmée formée d’une boucle de violons et de cuivres qui s’intensifie par la suite vers 0 :34 pour se révéler enfin. S’en suit une succession de pauses (avec du piano notamment) puis la musique repart doucement, encore plus fort, s’arrête de nouveau, avant de repartir dans un dernier élan effréné. C’est aussi une chanson, et en anglais s’il vous plaît. On remarque que Shimomura ne sort pas de son style habituel mais arrive à le magnifier de façon certaine dans un feu d’artifices auditif.

The Evinos (1-13) a retenu mon attention par son originalité. Si le début s’apparente très fortement à la partie sauvage de Another Side dans Kingdom Hearts Final Mix, il part très vite en crescendo en s’alliant à des chœurs masculins discrets et des violons jusqu’à 1:12  et là c’est l’extase. On ne comprend pas très bien ce qui se passe mais c’est beau, très beau, une mélodie synthétique prend le dessus et monte tel un tourbillon vers les hauteurs, avant de céder la place au côté rythme pur pour mieux refaire surface vers 2:50. Je suis bluffée.

Retour à du connu avec Infinite Spiral (2-15) qui ressemble beaucoup au thème entrainant de la Contrée du Départ (le tutorial) dans Kingdom Hearts Birth by Sleep mais sans la flûte et avec la voix sublime d’une cantatrice et des violons déchainés. Que du bon.

Sound Horizon - Ido e Itaru Mori e Itaru Ido

Oui je sais je triche, mais ce cas-ci est un peu particulier car dans le tout dernier single du très particulier groupe Sound Horizon (j’en ai déjà parlé donc vous ne pouvez pas ne pas connaître è__é) où se troupe notamment le titre phare Hikari to Yami no Douwa - je mets le clip en lien- (oui c’est normal qu’Hatsune Miku chante aussi 0_o), il y a une petite piste, du nom de Bonus Track qui mérite attention.

Petite piste qui clôture une histoire fort énigmatique et incomplète de la même manière. Il n’y a pas de chant, juste une triste mélodie au violoncelle bientôt rejointe par des violons, le tout accompagné de bruitages divers. Le but étant d’imaginer le morceau manquant de l’histoire avec la Bonus Track. Ce qui serait intéressant comme exercice c’est de faire un jeu où chacun écouterait le single (avec la traduction des paroles) et essayerait de compléter avec sa propre vision de cette eau qui coule, du galop de cheval, du bruit des vagues, de la forêt, de pas.

Final Fantasy VII Crisis Core OST

Je ne sélectionnerai pas énormément de pistes pour cette OST, composé par le talentueux Takeharu Ishimoto, étant donné que pas mal sont des reprises des musiques de FFVII de Nobuo Uematsu (de très belles reprises par ailleurs) et que je n’ai vraiment que deux préférées dans les autres.

Wandering in a Sunny Afternoon (1-11) est un excellent thème d’exploration plutôt rock qui part d’une mélodie jouée à la guitare classique avec des petits coups de guitares électriques pour ponctuer le tout. De 1:02 à 1:31 puis de 2:34 à 3:04 il y a un passage que je n’arrive pas à définir mais qui est de toute beauté. Le tout est enjoué, ensoleillé, rock, ça ne ressemble que très peu à une musique de jeu vidéo d’ailleurs.

[Il existe une reprise de cette piste par Yoko Shimomura dans Kindgom Hearts Birth by Sleep (voir plus bas) et elle n'est pas mal non plus]

Those Who Accept the Protection of the stars (2-19) est encore plus rythmée et encore plus rock. Guitare électrique en furie au programme. Par moments la musique bascule dans une transition déchaînée, on a l’impression qu’elle va toujours plus loin, toujours plus fort. Un grand moment d’intensité.

Kingdom Hearts - Birth by Sleep “OST”

Oui, encore du Yoko Shimomura, à croire que j’en écoute beaucoup ces temps-ci. Si le jeu Kingdom Hearts Birth by Sleep est bel et bien sorti, aucune OST n’a encore été annoncée (pour 358/2 Days non plus d’ailleurs), ce qui fait qu’il faut pour l’instant se contenter des bouts sans véritable nom que certains joueurs ont extraits. Ce serait quand même bien cruel qu’après autant de bandes originales sorties sur la série des Kingdom Hearts, les deux derniers opus soient en rade quand même, surtout que les nouvelles pistes sont plus qu’écoutables (enfin un peu moins pour le jeu sur DS, la qualité sonore étant moins bonne).

Unforgettable, qui apparait donc lors de certains grands combats, est un petit bijou où se mêlent la plainte des violons et un rythme effréné, et lorsque le violon pleure (littéralement) il n’y a plus qu’à s’incliner. C’est un vrai délice que de massacrer du monstre sur une telle musique. Dans la même veine, en plus électronique il y a le thème de combat de Espace Profond (Makaukau) qui est pas mal du tout.

Le thème de combat du « Palais des Rêves » (Castle Escapade) a un petit quelque chose que je ne saurais définir et que je trouve charmant, pas tant dans la musique globale qui est assez sympathique mais quelconque, non c’est ce petit motif musical (à la flûte ?) qui est répété tout du long et qui m’obsède. Comme toute la boucle le soutient, c’est dur d’y échapper. De même avec le thème de combat de la Forêt des Nains (Risky Romp) en un peu moins prononcé. Un petit coup de xylophone sur un ensemble agréable mais pas transcendantal et ça fait pourtant presque tout.

[Digression : Je trouve que le nouveau thème du Pays Imaginaire colle beaucoup mieux que dans Kingdom Hearts 358/2 Days mais je suis déçue de ne plus retrouver l’ancienne musique (Secret of Neverland), elle était drôlement bien…Oh et si j'étais sadique je vous mettrais la reprise de la très connue chanson It's a Small World (mais si, vous savez, quand vous allez dans l'attraction des poupées à Disneyland Paris et qu'elles se mettent toutes à chanter ça) par ce qu'elle rentre dans la tête mais d'une force  ! ]

Et pour conclure en beauté : Enter the darkness est un savant mélange très classique et efficace à la Shimomura, mais ce qui le différencie d’un autre Battle Theme c’est qu’il reprend le motif mélancolique au violon de Ven (qui est une adaptation du thème de Roxas de Kingdom Hearts II) en plein milieu de 1:07 à 1:19, un passage juste sublime et bien pensé. Je note que c’est souvent un motif particulier placé au bon moment dans une piste qui fait sa magie dans cet OST, ce qui est une technique particulièrement redoutable.

Edit : l'OST de Kingdom Hearts Birth by Sleep & 3582 Days étant sorti, j'ai modifié le paragraphe afin de coller aux titres officiels et j'ajoute à la liste des pistes incontournables le thème de Terra, The Tumbling, Dismiss ou encore On the Debug court morceau issu de Re:Coded, Hunter of the dark et Forze dell'Oscurita.

Lord of Vermilion II Original Soundtrack

Histoire de garder, sinon le meilleur, du moins un gros morceau pour la fin, je tenais à mettre Lord of Vermilion II un peu à part pour en faire la critique quasi-complète. Comme pour Last Ranker, j’ai surtout bondi sur cet OST à cause de son compositeur, Hitoshi Sakimoto. Ceux qui connaissent le sieur, au moins pour la superbe bande-son de Final Fantasy XII, savent qu’il a un style bien particulier, qui peut parfois tendre à se répéter, mais qu’on repère toujours assez facilement. Eh bien là, changement brusque d’univers. Tout en instaurant cette petite touche qui est la sienne, Sakimoto se renouvelle de façon radicale est surprenante. Il n’y a juste rien à balancer, tout est incroyablement bon !

Dawn of Vermilion2 -Opening Theme- (01) est une reprise du thème principal du premier Lord of Vermilion qui avait été compose par Nobuo Uematsu, ça se sent un peu, notamment avec ce faux air d’Advent Children qui traine dans l’air, mais c’est bel et bien cette version là que je préfère : moins bourrine, la piste s’ouvre sur un petit riff de guitare électrique divin avant de monter dans les hauteurs à coup de violons, de cuivres et de percussions.  Lorsque la guitare se refait entendre avec vigueur c’est pour mieux nous achever et nous éblouir. Autant dire que l’OST commence de manière on ne peut plus fracassante.

Et on n’a pas le temps de se poser avec le superbe Name Entry (02), tellement entrainant qu’il est difficile de se contenir de bouger sur cette boucle de synthétiseur accompagné de batterie et de guitare électrique qui se déchainent en harmonie, puis échangent à 0:41 contre un petit air jazzy au piano pour mieux revenir nous combler vers 1:10. On m’aurait dit, il y a trois semaines « Tiens écoute ça », j’aurais jamais deviné qu’il s’agissait de Sakimoto tant ça tranche de son style habituel.

Combat Preparation (03) a des petits airs de Final Fantasy XII quand même, cette tension angoissante, lourde, ses percussions, le côté orchestral, oui ça nous dit quelque chose, mais le fragment de 0:40 à 0:55 avec ses cœurs lointains est suffisamment convainquant pour qu’on se laisse séduire. The Royal Capital Avalan (04) débute de manière un peu semblable jusqu’à ce qu’un piano survolté s’installe à 0:21, bientôt rejoint par de la guitare électrique furieuse, à partir de là la musique se met à s’élever progressivement en crescendo avec un petit passage de violons et de cuivres qui s’installe vers le milieu de la piste. Et puis tout se calme peu à peu.

J’aime un peu moins Aguirre Atoll (05) qui abuse un peu trop de la guitare électrique et de sons synthétiques divers à mon goût mais ça demeure une piste de bonne facture. De même avec Arcania Ruin (06) qui troque un peu trop vite son introduction orchestrale grandiloquente avec le duo très bourrin batterie/guitare électrique que j’apprécie assez peu, heureusement le motif initial revient à la toute fin mais quand même.

Petit dépaysement avec Nord Street (07) qui débute par ce qui ressemble à du tam-tam et se poursuite sur de l’orchestral efficace, mêlé de batterie et de trompette avec des occurrences de flûte pas désagréables du tout à l’écoute. Puis s’ajoutent les violons et soudain…c’est le drame. Bon Dieu, quel passage magnifique, de 1:46 à 2:00, où sur le rythme frénétique des percussions se met soudain à crier un violon. On ne s’y attend pas et l’éphémère fragment n’en est que plus beau. Dracovantel (08) est bien plus classique, je ne m’arrêterai pas dessus. Arcania (09) en revanche a du peps et démarre sur ce qui ressemble à du trombone pour continuer dans des influences arabes, le passage de guitare électrique de 0:50 à 1:21 est proprement épique. Un morceau définitivement très original.

Non ce n’est pas Masashi Hamauzu qui a fait Hell Court (10) et pourtant l’introduction aurait presque failli nous le faire penser. Pour Ark (11) par contre, il n’y a aucun doute, et ce morceau là est bien plus intéressant de par sa composition : de 0:31 à 0:58 on croirait entendre un orgue jouer une sorte de requiem par-dessus le tempo orchestral des violons, et puis à 1:58 c’est au tour d’une guitare électrique de se manifester un court instant et pendant une poignée de secondes autour de 2:27 instant aussi étrange que joli en compagnie des violons.

Si vous connaissez la musique des éons de Final Fantasy XII, Veteran Gallant (12) devrait vous plaire avec son rythme survolté et ses chœurs. Quand ceux-ci se taisent c’est une voix féminine claire qui s’élève dans la mêlée au dessus des cuivres et des percussions. Pas grand-chose de spécial à signaler sur The One at the Summit (13) et Ragnarok (14) mis à part pour ce dernier le passage bien sympathique et assez étrange qui se répète autour de 1:24 et ensuite de 1:57.

Heureusement après cela on a un Dragon’s Tomb (15) un peu plus étincelant à se mettre sous la dent avec son atmosphère très pesante mais surtout le très particulier Toy Box (16) composé de dissonances, de rythmes juxtaposés dans un chaos apparent total. Plus qu’une boite de jouets, on croirait avoir ouvert la boite de Pandore menant à l’apocalypse, mais ce n’est encore qu’une mise en bouche de ce que peut être l’enfer. L’enfer il est là, dans le sublime Eternal Garden (17), dans ce tourbillon très rock joins à des chœurs déroutants et inquiétants. Ce jardin éternel serait-il le pandémonium pour cracher auditivement du feu ainsi ? On croit en avoir fini mais non, Eden (18) reprend de plus belle, de manière un peu moins grandiose cependant.

Je sèche un peu pour Faux Supreme God (19) bien agréable avec ses effets de choeur, The Temple at the End of World (20) –mention spéciale au passage de 1:30 à 1:48 avec ces voix féminines qui s‘emballent-  The Tower of Black Abyss (21) et son rythme indéfinissable qui me charme, et The Tower of White Flame (22) dont le début ressemble beaucoup au thème du phare de Ridorana dans Final Fantasy XII mais qui part vite dans le crescendo grandiloquent.

Heureusement, pour souffler un peu, Sakimoto nous a tout de même concocté une balade Lord of Vermilion 2 (23) qui rappelle beaucoup le style qu’il avait employé dans une des pistes de l’OST de Roméo X Juliet mais en bien plus poussé. La chanteuse fait un travail admirable en nous portant sur ses ailes sur cet air tranquille de violons qui se fait plus doux à mesure qu’avance la piste. On se sent transporté par cette voix aérienne et cette mélodie céleste. Mais déjà le havre de paix se dissipe et il est temps de conclure…par le meilleur bien sûr.

La dernière piste, Coin (24), est un réalité un grand mix de tous les grands thèmes de l’OST réalisé par aRCaNa et autant vous dire qu’on retrouve les meilleurs morceaux sur un rythme électronique encore plus endiablé. C’est bien simple, s’il n’y a qu’une piste à garder pour découvrir l’OST c’est celle-là, qui offre un aperçu loin d’être négligeable de l’étendue du travail du compositeur.

J'espère que ce tour d'horizon vous aura permis de découvrir de la bonne musique et ose penser qu'avec tout ce que je viens de déballer il doit y en avoir pour tous les goûts

Depuis que j’ai dû changer d’internat en cours d’années, pour cause de travaux, c’est un peu le bordel, du coup, pour éviter de me farcir d’interminables allers-retours en bus entre le self et le nouveau lieu, j’aime bien trouver des excuses pour filer au centre ville et me prendre des sandwichs. La meilleure des excuses restant « Han y a le nouveau Role Playing Game qui va sortir, vais aller jeter un coup d’œil, voir si je l’achète ce mois-ci :3 ». Y a pas mal de trucs assez cools dans ce magazine : de beaux posters, des OSTs en promotion (le deuxième volume de la bande-son des 12 Royaumes équivalent à 2 cds pour 5 euros de plus c’était vraiment une bonne affaire) et la rubrique Soundtrack. Parce que jusqu’à maintenant je ne connais aucun magazine japanime/jeux vidéos qui puisse se vanter de proposer de petites critiques musicales tous les mois alors que les OSTs occupent une grande place dans l’imaginaire qu’on a d’un anime ou d’un jeu. De plus c’est souvent l’occasion de découvrir de nouveaux trucs (surtout que le mec qui fait la chronique a l’air d’avoir les mêmes goûts que moi =D). Et ce mois-ci, une petite critique attire mon attention avec une jolie illustration et un titre fort plaisant. Belle découverte en prévision.

Music for Art est un petit album que Square Enix Music a sorti sur iTunes au concept original puisque tous les compositeurs actuels de la firme (vétérans comme nouveaux venus) disposent d’une liberté presque totale pour créer environ une piste chacun. C’est l’occasion pour certains de faire un peu ce qui leur plait, quitte à ne pas vraiment sortir de leur style habituel et pour d’autres de se lâcher complètement et de surprendre.

Comme c’est impossible de trouver l’album en écoute libre et qu’on ne fait pas une critique musicale sans musique, j’ai dû l’uploader moi-même, j’espère que je n’aurais pas de problèmes avec ça…

01 - Glitz           5/5

Junya Nakano

Oeuvres : Another Mind OST, participation à l’OST de Final Fantasy X

02 – Pen         3,5/5

Masashi Hamauzu

Oeuvres : Dirge of Cerberus -Final Fantasy VII OST,  participation à l’OST de Final Fantasy X et il y a peu, Final Fantasy XIII OST

Vu son travail sur la bande-son de FFXIII on aurait pu s’attendre à une piste plus ou moins dans ce goût là ou qui éclipserait les autres mais pas du tout, Hamauzu choisit ici un air de piano simple et aérien...un peu trop plat à mon goût cependant.

03 - Red Lights          4/5

Tsuyoshi Sekito :  Metal Gear 2: Solid Snake OST, The Last Remnant OST, guitare dans Final Fantasy VII Advent Children

Yasuhiro Yamanaka : Front Mission 5 Scars of the War OST et Code Age Commanders OST

Tsuyoshi Sekito étant membre des Black Mages, la sonorité dynamique et sombre de la piste fait facilement penser à Advent Children. Les effets de chœur sont plutôt réussis mais je trouve que la piste a tendance à s’étirer un peu trop…

04 - Take a Breeze          4,5/5

Kumi Tanioka

Oeuvres : Final Fantasy Crystal Chronicles OST, participation à l’OST de Final Fantasy XI

La plus courte piste de l’album est constituée d’un petit air de piano frais et enjoué qui sert un peu d’interlude, de pause, dans la dynamique de l’album.

05 - Max Contrast 2009           5/5

Naoshi Mizuta

Oeuvres : Parasite Eve II OST, participation à l’OST de Final Fantasy XI

Une de mes préférées ! Max Contrast 2009 réussit à mettre la bonne humeur avec un piano endiablé et des sons plus électroniques donnant un ensemble assez surprenant qui fait un peu penser au style des OSTs de Persona 4 (en moins répétitif ).

06 - Translucent Louise          4/5

Masayoshi Soken

Oeuvres : participation à Front Mission 5 Scars of the War OST

Translucent Louise est une piste aux accents jazzy qui nous plonge dans une profonde mélancolie.

07 – 2099          4/5

Keiji Kawamori

Oeuvres : basse dans Final Fantasy VII Advent Children et dans pas mal de jeux Final Fantasy

Autre membre des Black Mages, Keiji Kawamori joue sur la même corde que Tsuyoshi Sekito tout en alternant avec quelques passages plus calmes.

08 – L&L III          4/5

Hidenori Iwasaki

Oeuvres : série des Front Mission

Démarrant de manière un peu énigmatique à coup de guitare et de batterie, la piste trouve par la suite une envolée beaucoup plus jazzy et chaleureuse.

09 – Flow           5/5

Ryo Yamazaki

Oeuvres : Front Mission 4 OST, participation à Dirge of Cerberus -Final Fantasy VII OST

Encore une de mes préférées ! Si le début ne laisse rien présager de particulier, la suite laisse dévoiler un chant en anglais aussi doux que touchant avec quelques notes électroniques ci et là. Un vrai bonheur pour les oreilles…et le moral.

10 - The Razzle-Dazzle          4,5/5

Takeharu Ishimoto

Oeuvres :  Before Crisis -Final Fantasy VII OST, Dissidia Final Fantasy OST

Probablement le mélange le plus incongru du lot : ça commence comme du gospel, ça finit comme du reggae et entre temps on passe par toutes les couleurs de l’arc-en-ciel. On ne peut pas dire que le compositeur n’aura pas innové… A noter qu’il s’agit de la deuxième piste avec voix de l’album.

11 - OMNI         3,5/5

Hirosato Noda

Oeuvres : participation à Hanjuku Hero 4 ~The 7 Heroes

Plus électro que les précédentes compositions, OMNI porte bien son nom (Objet Musical Non Identifié ?) avec ses faux airs de Serial Experiments Lain, un peu creux cependant.

12 - Essential Singularity          4/5

Tsuyoshi Sekito :  Metal Gear 2: Solid Snake OST, The Last Remnant OST, guitare dans Final Fantasy VII Advent Children

Yasuhiro Yamanaka : Front Mission 5 Scars of the War OST et Code Age Commanders OST

Les deux compères de Red Lights sont de retour avec Essential Singularity, assez semblable à OMNI sur le début, avant de repartir vers des terrains plus habituels à base de chœurs, de guitare électrique et de batterie.

13 - Flying Universe          5/5

Mitsuto Suzuki

Oeuvres :  participation à Final Fantasy Fables: Chocobo Dungeon et Dissidia: Final Fantasy

Flying Universe, la plus longue piste de l’album, a la lourde tâche de le conclure. En parallèle de Glitz, cette musique se veut tout aussi calme, fraîche et rassurante. Idéale pour s’endormir.

Voilà, j’espère que ce petit intermède musical vous aura fait plaisir en attendant mon prochain article (qui aurait dû arriver aujourd'hui mais j'ai été touché par un mal mystérieux appellé flemme, ce sera donc pour un peu plus tard :p).