Je n’ai encore jamais eu l’occasion de le dire sur le blog (même si je compte toujours en faire une critique un jour) mais j’adore The Stanley Parable. C’est une oeuvre très intelligente qui explore à merveille le média du jeu-vidéo tout en délivrant tour à tour des passages désopilants et angoissants. Bref, c’est un jeu qui fait réfléchir et j’aime bien réfléchir. Aussi la sortie de The Beginner's Guide, réalisé par Davey Wreden qui représente la moitié de l’équipe derrière l’écriture et la conception de The Stanley Parable, avait de quoi aiguiser la curiosité. Et ce, d’autant plus que la majorité des critiques trouvables sur le net vous urgent toutes de vous procurer le jeu sans daigner dévoiler le moindre élément. Il est temps de changer ça.

Un vrai-faux guide du développeur débutant ?

The Beginner's Guide se présente originellement comme une discussion autour de la création. A peine lancé, un narrateur se présentant sous le nom de Davey Wreden vous propose tout bonnement une espèce de visite touristique ludique des prototypes d’un ami développeur qu’il appellera « Coda ». Chaque prototype représente un environnement assez limité que vous pouvez visiter tout en écoutant les commentaires de Wreden qui vous donne à la fois son ressenti, ses interprétations sur le design et les moyens de contourner les quelques bugs laissés. Les habitués de The Stanley Parable pourraient croire que l’humour serait de nouveau omniprésent et qu’il est possible de découvrir des secrets en désobéissant au narrateur mais ce n’est pas le cas : The Beginner's Guide reste très sérieux et très direct. En gros, c’est une espèce de croisement improbable entre le musée et la visite des « mondes parallèles » qu’il y avait dans The Stanley Parable.

Le problème de cette partie (qui dure les ¾ du jeu, soit dit en passant) c’est qu’elle ne touchera pas forcément tout le monde. La création de jeu-vidéo étant au fond un prétexte à une analyse psychologique de Coda, il ne faut pas s’attendre à de véritables anecdotes ou à un terrain de jeu vaste. Comme la description du jeu le précise, il n’y a rien de particulier à faire dans ces quelques environnements sommaires. A partir de là, soit vous entrez dans le trip et vous vous laissez mener par le narrateur, soit vous passez à côté et ça sera un poil monotone. Dommage pour moi, The Beginner's Guide vise à peu près tous les angles morts de ma personnalité : ayant moi-même des projets inachevés ou des tests personnels sur mon ordinateur, j’ai juste haussé les épaules devant les prototypes de Coda. Et, bien que j’adore formuler toutes sortes de théories farfelues, j’ai tout de même besoin d’avoir matière à réflexion. Ici les petits éléments symboliques devant lesquels s’émerveillent le narrateur (et les joueurs avec lui), tels que le puzzle de la porte ou la signification du lampadaire, m’ont juste paru communs et insignifiants. Peut-être justement parce que j’aime avoir un contexte, une idée globale, et que ces éléments épars pouvaient à mes yeux signifier tout et n’importe quoi. Je n’étais pas supposée penser par moi-même avant la toute fin, uniquement me laisser gentiment mener par le narrateur, mais c’est quelque chose dont je suis fondamentalement incapable (le fait de débrancher mon cerveau).

La réalisation artistique ne possède aucun réel défaut : les graphismes sont beaux, la musique colle bien, c’est juste…vide de sens pour moi. Je sais que de nombreux joueurs semblent sincèrement aussi intrigués que le narrateur par le mystère que représente Coda mais je ne suis pas arrivée à m’y intéresser sincèrement. Heureusement l’expérience est suffisamment courte pour que ça ne soit pas laborieux mais ça reste une partie décevante.

Et puis il y a les dernières minutes du jeu, les derniers environnements. Si vous n’avez pas testé The Beginner's Guide, je vous conseille sincèrement de finir par vous-mêmes avant de lire mon analyse car il est difficile d’en dire plus sans spoiler.

\!/Spoilers\!/

Pour faire court : le narrateur ne vous dit pas toute la vérité. La fin du jeu révèle donc plusieurs niveaux de lecture possible.

Simulation d’un crime

Pour commencer, on découvre que la pseudo visite touristique cache en fait une histoire intime, houleuse : le narrateur qui semblait bienveillant, s’avère en fait instable. Sa relation avec Coda était tout simplement toxique dans la mesure où celui-ci n’a jamais voulu montré ses jeux à personne, n’était pas dépressif et a tout simplement été démotivé par l’empressement du narrateur à utiliser ses jeux comme défouloir. Le véritable objectif du Davey qui guidait le joueur était de plus ou moins le manipuler dans l’espoir d’atteindre Coda qui refuse de lui parler parce qu’il en a assez que ses jeux soient exhibés dans son dos et contre son grès. C’est à ce moment que The Beginner's Guide utilise pleinement sa réalisation pour plonger le joueur dans un tourbillon d’émotions contradictoires. Le narrateur semble incroyablement sincèrement, les environnements précédents étaient oppressants à souhait, la présentation des paroles de Coda (jusque à rapportées ou fantasmées) est brillante ; bref, on est frappé de plein fouet. En ressort une profonde sensation de dégoût parfaitement recherchée par le jeu: le joueur comprend qu’il viole l’intimité de quelqu’un depuis le début et qu’il a été pris à parti dans un conflit qui ne le regarde pas et dont il n’aurait jamais dû avoir connaissance. C’est une révélation assez dure qui prend aux tripes mais qui pose également de nombreux problèmes éthiques.

Beaucoup de critiques et de joueurs semblent s’être arrêté à ce niveau de lecture, pensant que The Beginner's Guide est une forme de lettre intime à un ami perdu et débattant de la réalité ou non de ce fameux Coda. C’est aussi ce que j’ai ressenti à chaud en finissant l’épilogue. En effet, si jusque là on pouvait être dubitatif devant son existence, le niveau de détails personnel semble si abondant qu’il ne peut qu’il y avoir du vrai là-dedans, n’est-ce pas ? Coda est forcément réel, l’histoire est forcément réelle. Ou, justement, le fait que le jeu soit vendu et annoncé si clairement comme tel est suspect et Coda ne peut être réel sinon quoi Davey Wreden serait un criminel !

Le genre épistolaire moderne

En se concentrant, on découvre qu’il existe pourtant une autre manière de comprendre le jeu, un niveau supplémentaire de lecture. Le Davey qui sert de narrateur n’est en réalité pas tout à fait Davey Wreden. Le développeur utilise ici un procédé qui était très courant dans le cadre de l’épistolaire du XVIIe et XVIIIe siècle. A l’époque le roman était mal perçu car il décrivait des évènements qui n’étaient pas réels, des affabulations, et les puritains n’hésitaient pas à dire que cela corrompait la jeunesse. De plus la censure faisait rage et il n’était pas possible de critiquer l’Eglise ou l’Etat impunément. Pour contourner ce problème, de nombreux auteurs ont alors eu recours au roman épistolaire. On pense, par exemple, aux Lettres portugaises, attribuées à une religieuse, puis à Guilleragues, qui ont servi de modèle au genre. Selon la convention, ces oeuvres contenaient une espèce de préface assurant que « l’auteur » avait en fait miraculeuse trouvé une correspondance qu’il estimait digne d’être publiée. C’était évidemment faux : les lettres en question étaient inventées pour les besoins du récit, mais cette préface servait à maintenir l’illusion. C’est exactement ce que fait ici Davey Wreden en endossant le rôle du narrateur. En prenant le micro, en annonçant son rôle réel et en mettant en place le contexte de sa présumée rencontre avec Coda avec des dates concrètes, il nous fait croire que l’expérience est réelle. Ce qui n’aurait jamais fonctionné autrement : si cela avait été un autre narrateur, un autre nom, si les dates n’avaient pas été ancrées dans le temps, la supercherie aurait tout de suite été évidente et on aurait crié à la fiction.

Se tromper de conversation

Pourtant, il est bien évident que si quelques éléments sont probablement inspirés d’une relation qui a vraiment eu lieu avec un autre développeur, The Beginner's Guide est une expérience soigneusement construite. Les prototypes présentés sont donc bien là pour nous véhiculer quelque chose, pour nous faire ressentir quelque chose de spécifique. Tous ces environnements ne sont là que pour construire la révélation finale. Dans un extrait de The Rise of the Indies, un film produit sur Kickstarter, on peut entendre le développeur prononcer ces mots pas si innocents : « Je veux commencer la conversation et ce sera à vous de la finir ». Et, en effet, The Beginner's Guide se présente bel et bien comme une conversation. Mais au lieu d’évoquer la création en elle-même, il s’agit ici du rapport que le joueur entretient avec le créateur.

Coda fonctionne comme une métaphore, il représente n’importe quel développeur de jeux-vidéo. Le personnage de Davey représente un fan qui va interpréter le travail de Coda à la fois par admiration et par besoin de validation, cependant il le fait au détriment même de ce qu’il admire. Il harcèle Coda sur le sens caché de ses jeux, va ouvrir le code pour les modifier, les présente à d’autres comme s’ils venaient de lui pour se sentir important. Cette expérience fait écho à ce que Davey Wreden a pu ressentir à la sortie de The Stanley Parable puisque son succès soudain lui a valu de crouler sous les mails de fans qui demandaient sans arrêt à lui parler, à avoir son avis sur quelque chose, au point qu’il en déprimait. En essayant d’imaginer si Coda est réel, en lisant entre les lignes, les joueurs de Beginner's Guide font exactement la même chose que le personnage de Davey sans s’en rendre compte, sans analyser que c’est exactement le malaise qui est mis en avant. Le trailer est d’ailleurs assez subtil à ce sujet mais fait parfaitement écho à la problématique globale : il peut être malsain d’essayer d’interpréter qui est un auteur personnellement à partir de son œuvre. C’est à chacun de se demander s’il tombe ou non dans ce travers, si fouiller dans la vie privée pour faire correspondre un personnage avec son interprète n’est pas aller trop loin. C’est la discussion engagée.

Est-ce que votre œuvre est auto-biographique ?

The Beginner's Guide a le très grand mérite de poser cette question qui existe déjà depuis très longtemps dans la littérature mais qui n’avait pas encore réellement été soulevée dans le cadre du jeu vidéo. En effet, il est courant que des critiques littéraires ou des lecteurs avides posent sans arrêt cette même question à un écrivain : est-ce que votre œuvre est auto-biographique ? Ce qui ne manque pas d’agacer dans la mesure où, si on met forcément de soi dans son travail, le résultat ne se limite pas à ça. Davey Wreden prend finalement les devants en faisant mine de raconter une histoire personnelle (ici une relation entre deux développeurs) pour en raconter une autre, complètement différente mais tout aussi personnelle (la relation entre un développeur et son public), ce qui explique pourquoi il qualifie son œuvre de successeur à The Stanley Parable : avec son nouveau projet, il répond aux réponses reçues à cette époque.

\!/Spoilers\!/

Conclusion

On peut difficilement trouver The Beginner's Guide amusant mais ce qu’il essaye de faire est résolument ambitieux, peut-être même un peu trop. L’intérêt du titre dépend au fond uniquement de votre expérience avec vos créateurs préférés. Je pense que le titre est puissant pour ceux qui ont déjà idolâtré quelqu’un et qu’il génèrera chez ces personnes de nombreuses réflexions. Malheureusement, l’expérience risque de tomber un peu à plat chez d’autres.

Personnellement, je n’ai jamais réussi à idolâtrer quoi que ce soit. Je suis bien sûr passionnée par de nombreux travaux mais je n’essaye jamais de projeter ce que je ressens sur les auteurs, ce qui fait que je n’étais pas vraiment concernée par le discours du jeu. Au contraire, ayant déjà été mise sur un piédestal (pas forcément en tant que créateur mais en tant que personne) par des individus bien intentionnés mais espérant visiblement de moi quelque chose que je ne pouvais leur donner, la fin de The Beginner's Guide a généré en moi un profond malaise dont je me serais bien passé. A vous de juger si cet OVNI a des chances ou non de vous séduire.

En tant que contributeur du Projet Saya, j’ai eu le droit à une copie gratuite d’un jeu qui m’intéressait en échange d’une critique, une occasion qui ne se refuse pas mais qui fait que je poste mon article là-bas plutôt que sur mon blog perso. Si vous voulez commenter ou poser des questions, vous pouvez, j’y répondrai avec plaisir  =).

EDIT juin 2015: Vu la disparition du Projet Saya, j'en profite pour reprendre mon ancien article et le poster ici.

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Cela fait quelques semaines déjà que sont sortis les trois premiers épisodes d’un jeu épisodique assez original et personne ne semble vouloir aborder le sujet, alors je me lance.

Une vaste galerie de personnages dont une partie n’a même pas encore été dévoilée !

Le monde de Leviathan, à mi-chemin entre le cyberpunk et la dark fantasy, est un monde dystopique où les nobles dirigent tout. Pendant qu’ils se noient dans la débauche, les conflits de pouvoir et le cynisme, le peuple est à la merci d’une maladie mystérieuse qui se déclenche lorsqu’un brouillard épais recouvre la ville. Une fois apparu, le brouillard dure dix ans, d’où le nom de décade. Oliver Vertran est un jeune noble qui voit sa vie bouleversée à jamais le premier jour du décade où sa mère est brutalement assassinée. Mais il n’est pas au bout de son calvaire puisque le meurtrier décide de l’adopter !
Environ dix ans plus tard, alors que le « décade » amorce son déclin, Oliver reçoit un appel de son meilleur ami d’enfance, Kael, qui est persuadé d’avoir trouvé un indice sur ce qu’il s’est passé cette fameuse nuit. Sans réfléchir, le héros se lance alors à la poursuite de la vérité sans se douter de la noirceur des secrets qu’il finira par déterrer…

The First Day

Le premier épisode se pose comme une sorte de prologue assez court qui sert avant tout à introduire l’univers, ses enjeux et ses mécaniques, ainsi que quelques personnages-clefs. Le héros, Oliver, n’est alors qu’un petit garçon qui ne comprend pas bien les histoires d’adultes, sa préoccupation principale est de savoir pourquoi sa maman se comporte si bizarrement depuis quelques temps et pourquoi son papa ne rentre plus à la maison. Et aussi d’invoquer un démon. Car oui, la première tâche confiée par le jeu est de retrouver des items dérobés à un professeur de magie inattentif  pour démarrer un rituel d’invocation à l’aide de la tête décapitée d’une vieille femme. C’est un jour comme les autres dans l’univers brutal de Leviathan…ou presque.

C’est fou les jouets qu’on peut trouver dans les coffres des enfants de nos jours…

Leviathan a la particularité d’être un hybride qui mélange des éléments de visual novel et de point and click. En effet, si la progression reste fortement encadrée par le scénario, le héros possède tout de même un inventaire et peut interagir assez librement avec ce qui l’entoure (le décor via des actions, les autres protagonistes via des choix). Le système est bien pensé puisqu’il permet à la fois le développement d’une trame scénaristique cohérente, donc assez linéaire, et un bon nombre d’écarts, sans que les deux aspects ne rentrent en collision. En outre le gameplay facilite l’immersion : au joueur pressé ne seront données que les lignes principales du scénario, tandis que le joueur curieux pourra faire le tour des différents lieux pour glaner le maximum de détails. Ou spammer ses contacts d’appels téléphoniques, pour les plus stalkers d’entre vous. 

Edna ne ferait pas une meido très raccoleuse, désolée…

Clues from the Past

En réalité Leviathan ne dévoile son véritable potentiel que petit à petit, une fois le deuxième épisode lancé : en effet l’histoire est extrêmement bien écrite et parfaitement adaptée au format interactif. Que ce soit au travers de la ligne principale ou de l’exploration, chaque ligne de dialogue est bourrée d’informations servant, soit à approfondir l’univers et les personnages, soit, encore plus fourbe, à donner des indices qui ne seront importants qu’un ou deux épisodes plus tard. Les innombrables variantes prennent alors tout leur sens et des choix en apparence anodins peuvent se révéler très pointus.

Ainsi, le livre que votre mère vous force à lire à la fin de l’épisode 1 vous sert deux des quatre réponses au devoir que le professeur Kreys vous fait passer lors de l’épisode 3 sur un plateau, le reste s’apprenant dans le long cours faussement inutile de l’épisode 2. Seulement si vous choisissez d’écouter les papotages d’une camarade de classe à la place, vous pouvez bien découvrir un élément important (il ne le sera seulement que bien plus tard). C’est à vous de choisir votre stratégie : vous pouvez acheter une potion d’intelligence afin que les réponses vous viennent quasiment instantanément, vous pouvez y aller manuellement, etc.

De même, lorsque l’Arbre, une entité magique, vous demande de choisir un de vos proches pour ausculter ses pensées, vous pouvez glaner des informations…surprenantes.

En plus de présenter des choix intéressants, Leviathan met vraiment l’accent sur le monde impitoyable des nobles, notamment par le biais des personnages évoluant autour du héros. Kael, l’ami d’enfance, vit une situation difficile avec son père et n’a plus le luxe de prendre des cours à l’Académie, Ruth est une sale bourgeoise prétentieuse et coquette, pur produit de l’aristocratie en cours, mais elle se montre parfois sarcastique et réfléchie, Mitchell est un goujat d’une famille extrêmement influente et se croit le droit de gâcher la vie des autres à cause de sa supériorité, même les autres élèves, dont on peut écouter la conversation au détour d’un couloir, vous apprennent des choses (par exemple le dialogue entre deux filles de bonne famille à propos de l’incompatibilité d’une union entre plébéien et noble). Bien sûr, le héros lui-même est façonné par le monde qui l’a vu naître et le commente constamment, sans pour autant être en décalage. Les choix peuvent alors complètement changer son comportement : il peut rester neutre quand ses camarades répètent qu’un pauvre n’est pas vraiment humain et qu’il n’a pas de sentiments et respecter les plébéiens de la cité quand il leur parle, ou il peut devenir un aristocrate hautain en insultant les pauvres et en courant après Ruth pour bien montrer qu’il en a après ses sous. Dans tous les cas, il restera embrigadé par ce système autoritaire qu’il ne remet pas en question sans que ça endorme l’esprit critique du lecteur et sans que cela perde en logique.

Ruth a une tronche d’Angela Anaconda…

Being a Killer

Reste que l’écriture est d’excellente facture : toutes les scènes, même les plus banales, apportent du grain à moudre sur ce que c’est de vivre dans une cité oligarchique où seule l’élite de l’élite compte. Et si cela se perçoit, c’est que la traduction anglaise elle-même est loin d’être mauvaise et qu’elle met bien en valeur l’intention originale. L’ambiance oscille entre des scènes comiques (surtout avec Edna, le démon invoqué par Oliver quand il était enfant, puisqu’elle propose à tout bout de champ de tuer des tas de gens dans d’atroces souffrances comme si c’était le cours naturel des choses) et des moments oppressants. Et là encore, il faudra être très attentif puisque le jeu se découpe régulièrement en phases d’interrogation où la moindre mauvaise réponse peut déclencher une bad end. Ainsi, la menace de suicide d’un protagoniste dans l’épisode 3 est à prendre au sérieux et il faudra le calmer avec de bons arguments pour éviter qu’il ne se jette dans le vide. Personnellement, il m’est très régulièrement arrivé de perdre dans ces phases justement parce que les choix ne sont pas évidents et demandent de la réflexion. Heureusement, si vous décrochez la bad end, le jeu vous renverra au début de la phase pour recommencer, ce qui évite donc pas mal de frustrations. L’autre grande réussite du jeu est d’arriver à impliquer le joueur dans l’investigation du meurtre à grandes doses d’adrénaline : pour des raisons particulières, le temps joue contre Oliver et il a intérêt à se presser dans sa quête s’il veut bel et bien découvrir la vérité. Chaque découverte est gratifiante parce qu’elle apporte de nouveaux éléments et que le puzzle prend forme, ce qui fait que l’on a réellement envie de trouver la réponse.

Ma copine de classe a un père ouvertement proxénète ! Mais c’est super joyeux, dites-moi…

Pour appuyer l’enquête, qui mélange des éléments réalistes et des éléments fantastiques subtilement imbriqués (et d’autant plus intéressants qu’ils font partie du quotidien, les autres personnages les prennent donc en compte), Leviathan n’y va pas avec le dos de la cuillère niveau direction artistique : le jeu contient un grand nombre de décors sublimes, toujours plongés dans les brouillards du « décade », l’utilisation des bruitages est intelligente (par exemple, plus on s’approche de la fenêtre ouverte d’une chambre, plus on entend les échos de la ville), et le tout est rendu vivant par des petites animations (la foudre sur les toits de l’Académie, les ombres des passants dans une ruelle). Et ce, sans parler des grosses animations, franchement jolies, que l’on peut admirer à certains moments (l’invocation du démon et le fonctionnement du métro, par exemple). Les sprites eux-mêmes sont tous dynamiques et bougent légèrement en plus de cligner des yeux. D’ailleurs le style graphique s’éloigne grandement des standards « manga/anime » et fait pas mal penser à ce qu’avait essayé de faire MoaCube avec Cinders l’année dernière.

Mais bien sûr, la direction artistique passe aussi par la musique et de ce côté-là aussi, c’est une réussite : il n’y a pas énormément de pistes, à vrai dire, mais leur utilisation et leur qualité compensent le nombre. Difficile d’en décrire le style, je vous laisse vous faire votre avis en écoutant quelques extraits. Et l’opening claque par-dessus le marché !

Is it possible to get out ?

Jusque là, j’ai essayé de ne pas trop décrire l’intrigue mais certaines informations, notamment tout ce que l’on peut apprendre dans l’épisode 3, appellent à commentaires car les relations entre personnages sont particulièrement développées et les apparences sont souvent malmenées. !/ Attention, spoilers partiels !/

Le patriarche moustachu bienveillant ?

Le postulat de Leviathan est qu’Oliver veut venger sa mère, assassinée la nuit du prologue, et mettre derrière les barreaux le noble qui l’a fait en toute impunité. Classique ? Pas tout à fait. Non seulement on découvre que la loi est du côté du criminel (sa famille est une des plus prestigieuses de la cité, gloups) mais qu’il fait un méchant très ambigu. En effet Kristian Orwood a élevé Oliver après l’avoir adopté, et de l’aveu de ce dernier…c’est un bon père, un noble affirmé et un sacré modèle. Tout le jeu s’échine à faire monter la tension autour de ce personnage et quand on le rencontre enfin, il semble regretter sincèrement les évènements et s’inquiéter pour sa progéniture. Non seulement il félicite Oliver de s’affirmer par le biais de ses recherches, mais il joue sur le sentimental en lui rappelant tous les bons moments qu’ils ont passés et la tristesse qu’il aurait de découvrir que son fils adoptif le hait. Oliver en est sincèrement troublé et il hésite régulièrement mais la vérité est la plus forte. Cette relation atypique entre le « méchant » (mentor par la même occasion) et le héros apporte beaucoup de complexité et de mystère à l’enquête. Le doute est d’autant plus permis qu’un élément important sous-tend le meurtre : l’ombre. Est-ce Kristian qui contrôle son ombre, ce qui en fait un tueur froid et manipulateur, ou est-il contrôlé par elle, ce qui en fait une sorte de victime, un possédé qui se bat contre lui-même ? La réponse n’est pas simple et j’attends à vrai dire beaucoup de la suite du jeu pour expliquer les implications de l’ombre et son rôle.

Un simple ami d’enfance ?

Une autre relation particulière est celle qu’Oliver entretient avec Kael, le premier personnage introduit. Dans l’épisode 1, ils font les quatre cent coups ensemble, alors que par la suite la vie les a éloignés et ils regrettent de ne pas pouvoir se voir autant qu’avant. La découverte de l’anneau va changer ce schéma puisque Kael va refaire irruption dans la vie de son ami et reprendre une place prépondérante (il est son unique confident). Au fil des épisodes, ce dernier va même prendre de plus en plus de risques au point où on pourrait se demander pourquoi il fait cela. Or l’Arbre peut éclaircir ce point en dévoilant que Kael est tout simplement gay pour Oliver et qu’il craint d’être rejeté. Le personnage prend d’un coup une profondeur supplémentaire puisqu’on peut se dire qu’il agit à la fois par égoïsme, en essayant de profiter de sa découverte pour se faire une place dans le cœur de son ami, et par altruisme, puisqu’il est capable de se mettre en danger pour lui. La présence des nouveaux élèves de l’épisode 3 va même rajouter à son dilemme puisqu’il est évident qu’il sait quelque chose à propos de Julia et qu’il hésite à le dire à Oliver (probablement parce qu’il n’a pas le droit). Kael est un protagoniste particulièrement torturé que le héros peut choisir de soutenir (malheureusement pas d’option romantique en vue) ou d’enfoncer (en profitant de sa soif d’affection). J’apprécie tout particulièrement le fait qu’il ne soit pas cantonné au rôle de sidekick marrant et qu’il ait lui-même un background détaillé, ce qui en fait probablement le personnage le plus attachant du jeu pour le moment.

La bimbo écervelée ?

Julia Blackstone est introduite dans le troisième épisode en tant que nouvelle élève et autant dire qu’elle ne fait pas bonne impression. Elle passe son temps à piailler, à se disputer avec Ruth (du crêpages de chignon sur le look et les garçons, le plus souvent), à ponctuer ses phrases de « C’est trop cool ! » enthousiastes, à coller les gens et à être lourde. Cependant, le jeu arrive l’exploit de développer différentes facettes de sa personnalité en très peu de temps : on découvre assez qu’elle n’est peut-être pas ce qu’elle parait être et que derrière cette façade de bimbo se cache peut-être quelqu’un de bien moins stéréotypé. Et en effet, à la fin du chapitre 3, on se rend compte qu’elle joue les idiotes pour induire le héros en erreur et qu’elle le surveille de très près : elle travaille pour le Bureau en tant qu’enquêtrice et dissimule ses grandes capacités intellectuelles par un air faussement naïf. Sa véritable apparence ferait presque peur et Oliver apprend progressivement à la craindre. Pour déjouer les plans de Julia, il doit constamment rentrer dans son petit jeu sans jamais rien dévoiler, autant dire que leurs joutes verbales sont particulièrement dangereuses même si la raison pour laquelle l’enquêtrice soupçonne le héros me paraît un peu faible (on sait tous dès l’épisode 2 qu’il est coupable mais on ignore encore ce qui l’a trahi). Le fait que le joueur soit obligé de demander son aide dans la quête de vérité d’Oliver demeure toutefois assez étrange…!/ Fin spoilers !/

Cette réplique était franchement déplacée : genre le héros hésite à la violer pour la faire taire 0__o.

No room, no room, the fridge is full !

Leviathan se présente comme un jeu 18+ mais il faut savoir que cela n’a rien avoir avec un quelconque contenu pornographique ou à des images extrêmement gores : en effet, Lostwood Games est une compagnie indie russe et ils craignent tout simplement d’être accusés de propagande à cause d’un de leur personnage qui est homosexuel, leur gouvernement étant visiblement plus que strict sur le sujet… Ceci dit, le jeu aborde des thèmes assez noirs et délicats : entre la description d’un régime politique plus que contestable, la régularité des meurtres, les démons assoiffés de sang, la prose parfois sympathique de certains personnages et la mention d’alcool, de drogue et de prostitution, le public visé est décidément plutôt un public adulte/mature. Quant à la nudité, elle se concentre sur une seule scène. Il m’apparaît d’ailleurs un poil paradoxal qu’un jeu aussi intelligent se base sur le trope Women in refrigirator et décide d’exposer la mère du héros à poil. J’ose espérer que ce détail sera présent lors de la résolution de l’intrigue (je suis naïve, c’était probablement juste pour rameuter le chaland ; si c’est nécessaire pour vendre c’est que le monde est bien triste) et que l’explication ne sera pas le viol parce que ce serait vraiment prendre la solution de facilité.

A bien y penser, la mère du héros est totalement une MILF…

Life is hard…

Présenté ainsi, Leviathan semble exempt de défaut, ce qui n’est pas tout à fait vrai : le gros souci du jeu réside dans son système. Certes, n’avoir qu’une poignée de sauvegardes oblige à être stratégique, mais en avoir seulement DEUX rend la découverte des différentes variantes du scénario pénible. Surtout que la fonction Skip ne se débloque qu’une fois l’épisode fini, autant dire qu’on ne peut pas opérer comme dans un visual novel classique en sauvegardant à chaque choix et en relançant la sauvegarde à volonté. Une fonction Skip peu efficace à cause du grand nombre de choix et d’actions à opérer, ce qui est embêtant car un épisode dure en moyenne 2h. Mais cela pourrait passer pour anecdotique si le troisième opus n’était pas bourré de petits bugs. En effet, le jeu peut très bien planter au bout d’un moment, les sauvegardes sont parfois indisponibles dans le menu principal (il faut donc redémarrer l’épisode pour accéder au Load) et par-dessus le marché il y a un endroit qui fait entrer le texte dans une boucle et corrompt les sauvegardes existantes. Pour éviter ce désagrément, je vous conseille fortement de ne PAS balancer le corps du haut du toit (les joueurs sauront de quoi je parle).

Ne comptez pas trop sur l’auto-save si le jeu plante.

Verdict

Leviathan est un projet atypique pour quelque chose qui se présente comme un hybride de visual novel (que l’on accepte ou non cette définition) : thèmes matures, ambiance sombre et relations complexes forment le nœud de cette dystopie intrigante. Si le système de sauvegardes un peu limité gêne l’exploration, on ne regrette pas les moments passés à fureter dans la cité aussi belle que dangereuse à la recherche d’indices, seul contre le reste du monde… A noter que le jeu est disponible à la fois sur PC et sur l’appstore iOS et que les contrôles sont adaptés à une utilisation portative. La saga (toujours en cours de production pour le moment) s’obtient en intégralité pour moins d’une dizaine d’euros et chaque épisode coûte 2€31 si le cœur vous dit de plonger dans  les profondeurs de Leviathan.

Parce qu’il fallait absolument conclure sur un mec torse nu pour équilibrer 8).

Il y a quelques temps déjà je mentionnais Yume Nikki, un jeu découvert par hasard (mais tout n’est-il pas découvert par hasard ?) et à la beauté obsédante. L’expérience finie, je n’y avais pas réellement retouché mais je gardais ça sur un coin de mon bureau, au cas où, si un jour j’avais envie de m’y replonger (ce qui n’est pas anodin quand on sait que j’ai tendance à désinstaller systématiquement un VN une fois l’histoire achevée). Et puis je suis tombée sur des vidéos où des petits gars testaient l’expérience en live et presque sans préparation. C’était très drôle de les regarder buter devant le moindre obstacle (se faire chopper par la moindre Toriningen qui passe, tourner en rond parce qu’ils n’ont pas immédiatement réalisé que le décor était une boucle) en tant que « celle qui sait » mais surtout très intéressant d’analyser leurs réactions à chaud, leurs cris, leurs exclamations (généralement des « WTF ??? » en série), à tel point que je me suis rendue compte que Yume Nikki me manquait un peu. J’ai voulu relancer une partie mais la magie n’était pas la même, c’était un univers connu, l’effet de surprise initial était un peu passé et je me suis dis que j’avais peut-être besoin de trouver un jeu similaire mais possédant encore le charme de l’inconnu. C’est donc tout naturellement que je me suis tournée vers les fangames issus de l’univers de Yume Nikki. Si la production de suites spirituelles directes et indirectes est énorme, tous ces jeux sont malheureusement restés en japonais et n’ont guère percé jusqu’à nous. Les deux plus connus restant Yume 2kki (un jeu de mot, 2 se prononçant « ni » en japonais) encore à l’état de développement et .flow le seul à être clairement trouvable en anglais (en gros le seul qu’on ne galère pas à installer et à faire fonctionner). Et ça tombe bien parce que si ce dernier a bénéficié d’une traduction c’est probablement parce qu’il s’agit du plus intéressant du lot...

  De gauche à droite : Urotsuki (Yume 2kki), Madotsuki (Yume Nikki) et Sabitsuki (.flow) avec leurs armes respectives

How come I must know where obsession needs to go ?

Contrairement à Yume Nikki, vous ne commencez pas directement dans votre chambre avec de sommaires instructions, non, vous êtes d’abord plongés dans la confusion en voyant le personnage sur un fond noir tressautant et parcouru de bruits blancs. Une fois que vous avez compris qu’il fallait appuyer sur espace pour terminer cette entrée en matière inquiétante, on reprend en terrain connu (sauf que les instructions il faut aller les chercher dans l’inventaire, le développeur avait probablement estimé que le joueur connaissait déjà les mécanismes du jeu). Cependant si vous avez prêté un œil attentif à cette séquence, vous aurez remarqué que la nouvelle héroïne, Sabitsuki (« recouvert par la rouille » en japonais) se mue en Madotsuki l’espace de quelques secondes. Le sens de cette scène demeure obscur.

Au début .flow semble bien avoir beaucoup emprunté à Yume Nikki dans le principe -l’héroïne doit s’endormir pour parcourir le monde des rêves, se pincer pour se réveiller, explore un Nexus pour découvrir des effets (certains ont été remaniés, ainsi le balai vous transforme en une version chibi de Kiki la sorcière et vous permet de vous déplacer plus rapidement en lieu et place de la bicyclette qui a probablement été jugée moins classe) et est parfois pourchassée par des créatures qui veulent l’enfermer, ici les Kaibutsu, des sortes de zombies blancs dégoulinant de sang au rire machiavélique- comme dans l’esthétique (la salle néon, la neige, le monde Famicon, les quais), c’est pour mieux le pervertir dans tous les sens possibles et imaginables...Mais pour le moment commençons par le commencement, parce qu’il va y en avoir des choses à dire !

Frozen Synapse

Il y a une chose que .flow fait très bien par rapport à d’autres fangames c’est s’émanciper du jeu original à travers une foule de petits détails, le plus insignifiant étant du point de vue technique le transfert lit-bureau (cette fois on sauve dans son lit et on va dans le monde des rêves via l’ordinateur, ce qui est un choix assez particulier et un chouilla superficiel à mon goût).

Par exemple, le Nexus. Pour donner vie à ce lieu-clé, .flow évite le copy-pasta pur et simple des portes disposées en rond et les représentations classiques d’objets qui représentent le contenu de leurs mondes respectifs (dans Yume 2kki le Nexus est à la fois moche et artificiel, ce qui est franchement dommage) pour montrer un endroit totalement vide, à l’exception de la porte de sortie (l’ordinateur a donc une porte ?) et parcouru par des sortes de synapses qui changent parfois de couleur. L’effet est flippant, on a vraiment l’impression d’entrer dans la tête de l’héroïne et ça colle bien avec le thème. A partir de là il y a quatre directions possibles : nord, est, sud et ouest. Contrairement à Yume 2kki (c’est un peu mon modèle de référence) qui a tendance à prolonger artificiellement l’espace des différents mondes afin qu’on se sente perdu (copier-coller le même couloir 3 fois de suite pour le rendre plus long est une très bonne idée pour agacer le joueur), .flow reste relativement modeste sur l’étendue de sa surface mais la soigne et la parsème du même genre d’idées qui ont fait le charme de Yume Nikki, de PNJs marquants comme la petite Oreko, une fillette munie d’un scaphandre orange pétante qui passe son temps à bricoler, ou encore le très bien nommé Smile aussi terrifiant qu’intriguant. Il n’y en a pas autant, l’espace est même un peu plus petit, mais ça tient parfaitement la route. En un sens l’expérience est moins frustrante parce qu’il n’est pas trop difficile de se frayer un chemin à travers les différents labyrinthes, toute somme assez simplistes en comparaison du Teleport Maze de Yume Nikki par exemple.

.flow a bien compris qu’il fallait surtout s’appuyer en priorité, non pas sur l’immensité mais plutôt sur l’ambiance sonore. La musique du jeu est quasiment un sans fautes : tous les thèmes mélodiques sont très courts mais ne prennent jamais le crâne (contrairement à la musique d’intro du menu de Yume Nikki par exemple). La palette oscille surtout entre l’horreur et le mélancolique, mais toujours en gardant ce côté épuré et minimaliste, majoritairement des tintements mécaniques. Des pistes comme celle du domaine des cendres qui est une boucle au piano sonnant un peu comme un requiem ou celle du jardin fantomatique procurent un sentiment de relaxation alors mêmes qu’elles sont un peu tristes. Même la piste qui se joue lors de l’excursion à « Parade » a toujours un peu ce double aspect. Plus généralement ce sont les bruitages qui sont parfaitement réalisés (le rire des Kaibutsu, le son des clochettes quand on touche une fleur « magique ») et adéquats avec l’univers, ce qui aide énormément à l’immersion.

Serial Experiments Lain rencontre Alien Nine

Toujours contrairement à Yume 2kki (qui n’est pas forcément un mauvais jeu pour autant), .flow a l’avantage de rester cohérent. C'est-à-dire qu’on ne visite pas des mondes complètement déconnectés les uns des autres sans aucun rapport. Comme dans le jeu original il y a des motifs récurrents : les fleurs blanches (du muguet ?), le thème du corps, de la pourriture/rouille, la déformation, la fascination du sang, reviennent avec autant d’insistance que les figures Mayas de Madotsuki. Avec plus de force peut-être dans le sens où .flow laisse transparaître énormément d’indices sur l’histoire de Sabitsuki. On peut ainsi visiter un hôpital traversé par des câbles où se dandinent des crochets, comme pour faire le rapprochement avec l’abattoir, où se meuvent des enfants malades en très très mauvais état parfois rongés par des plantes, ailleurs un simple chemin composé de bleu et de rouge clignotants figurent le schéma cardiaque, encore plus loin dans le monde de chair, les murs sanguinolents s’agitent frénétiquement dans des pulsations violentes et les couloirs ressemblent à des intestins baignés d’acide. A noter que Sabitsuki peut se rencontrer elle-même dans le passé puisqu’une petite fille aux cheveux de neige se trouve justement dans un des lits de l’hôpital et que son état de santé oscille selon vos actions (ça va de « santé passable » à « cadavre sur pattes » en passant par « absolument en train de se décomposer », ben oui ce serait tellement moins drôle que vous arriviez à améliorer sa condition physique). N’oublions pas non plus ces fameuses Kaibutsu, des adolescentes en uniforme atrocement défigurées. Je pense qu’il n’est pas exagéré de les redouter plus que les Toriningens dans le sens où leur rire donne des frissons et qu’elles ressemblent toutes étrangement à l’héroïne, ce qui donne le désagréable effet de se retrouver face à une version démente de soi-même.  Et il y a Rust mais ça c’est la cerise sur le gâteau. Ce que je voulais surtout démonter c’est que .flow arrivait à acquérir sa propre personnalité et à se détacher du statut de « clone de Yume Nikki ». En outre c’est un jeu bien plus tourné vers l’horreur...

Flowbeet

Ce serait difficile de vous décrire .flow davantage sans gâcher le plaisir de la découverte alors je suis un peu obligée d’effleurer le sujet mais sachez que le jeu s’amuse à littéralement violer certains principes de Yume Nikki qu’on croyait définitivement acquis (au point où on peut se demander si les allusions constantes telles que la scène de vol sur un balai et l’effet Bras ne sont pas juste des leurres pour nous piéger). Ne vous laissez pas berner par les premières minutes si elles sont gentillettes (personnellement durant ces dites premières minutes j’étais dans un monde d’étoiles tout calme et tout mignon avec un inoffensif bonhomme qui pêchait, j’ai voulu me pencher vers lui et je suis tombée en enfer au milieu des cadavres).

Oups, je savais bien que j'aurais pas dû toucher à cette guillotine...

Par exemple, si vous pensez que la frontière entre réalité et rêve est imperméable, vous vous plongez gravement le doigt dans l’œil car ce que le jeu ne vous dit pas c’est que certaines de vos actions ont des conséquences sur la Sabitsuki du monde réel. S’engage donc un manège totalement pervers qui fait que pour en savoir plus sur l’univers de .flow vous êtes obligés d’explorer certains endroits et de débloquer certains évènements (un peu comme Uboa dans Yume Nikki mais en moins casse-pied à enclencher) mais que plus vous vous aventurez dans les méandres de l’histoire, plus le taux d’érosion monte et plus le taux d’érosion monte plus Sabitsuki se trouve dans un état critique. Qu’il soit physique ou mental c’est à chacun de se faire son opinion mais ce qui est sûr c’est que le jeu vous force en quelques sorts à condamner l’héroïne là où Yume Nikki vous laissait dans une position plus neutre. En clair ce n’était pas de votre faute s’il arrivait malheur à Madotsuki alors que si Sabitsuki va mal c’est clairement parce que vous avez insisté. Pour connaître son taux d’érosion c’est assez simple, il suffit de regarder la chambre de l’héroïne, si elle change la fin est proche...

La chambre de Sabitsuki vers la fin du jeu, Valérie Damidot est passée par là !

L’autre perversion réside dans les différentes fins. Car oui, .flow a trois fins. En réalité c’est un stratagème puisque la première, déblocable dès les 24 effets obtenus, joue clairement sur la clôture de Yume Nikki en restant sur des sous-entendus et que la deuxième, déblocable après avoir supprimé tous les effets, vient la contredire en apportant un élément bizarre. Ce sont des versions incomplètes car contrairement à ce qu’on pourrait croire le jeu est loin d’être fini après avoir rassemblé les effets (un bon conseil n’écrasez pas votre partie lorsque vous les avez abandonnés, vous pourriez en avoir besoin) : il y a encore le chapitre de Rust. Ce n’est qu’après avoir complété une certaine mission que vous pourrez admirer ce qui arrive véritablement à Sabitsuki et savourer tout le WTF qui dégouline de la scène. .flow se conclue alors sur une musique juste mémorable, une boucle rythmée et obsédante où se croisent quelques rires malsains qui traduit à merveille la noirceur de l’expérience.

\!/ Maintenant que la présentation est finie, je pense que je peux me livrer à une analyse approfondie. Attention, spoilers en approche \!/

Reminiscences

A flow = un flux, un écoulement. To flow = jaillir, s’écouler, se répandre. Je ne sais pas exactement pourquoi ce titre a été choisi ni si « lol », le concepteur du jeu, avait un but particulier en tête mais pour moi c’est le verbe « se répandre » qui traduirait le mieux l’esprit de cette aventure car tout tourne autour de la notion de contamination. Comme dans Yume Nikki on a bien affaire à une jeune fille qui se cloître dans sa chambre, refusant vigoureusement d’avoir le moindre contact avec le monde extérieur, et s’évade dans ses rêves, sauf qu’au lieu de s’arrêter à ce motif déjà universel et imposant, .flow nous montre que quoi que puisse faire l’héroïne, la réalité la rattrapera toujours. J'ignore si Sabitsuki était censé vouloir oublier en se connectant via son ordinateur à ce drôle de monde parallèle mais en tout cas c’est impossible. Même en pleine mélancolie, en déambulant dans ces paysages déserts (certains ont dis qu'ils étaient les reflets d’une enfance heureuse) souvent vêtue de ce déguisement de sorcière enfantin, il finit par y avoir du sang quelque part. Comme dans Yume Nikki abandonner les effets représente un peu une sorte d’adieu à l’imaginaire, on fait une croix sur tous ces pouvoirs magiques rigolos (ou pas) pour retourner enfin dans la réalité. Madotsuki se jette par-dessus le balcon peut-être pour s’assurer que le rêve dure toujours, mais pour Sabitsuki c’est moins simple.

Durant tout le déroulement de .flow, Sabitsuki était parfois attaquée par une Kaibutsu et se retrouvait dans une impasse, mais cela n’allait jamais plus loin sinon dans lors d’events comme celui du bar, le Sugar Hole, où son agressivité se retourne contre elle, et trois autres, trois lieux en particuliers à l’importance capitale : l’école où se trouve Smile, surtout en version corrompue, où des Kaibutsu identiques à Sabitsuki en uniforme l’attaquent, le monde de chair où des silhouettes en robe bleue explosent avec violence (des personnes ont compris ces filles étranges comme une allégorie du cancer, on pourrait aussi les penser comme les défenses immunitaires de l’héroïne ou bien autre chose) et l’hôpital qui est liée à cette fameuse salle blanche couverte de sang. Comme par hasard ces trois lieux sont directement ou indirectement en rapport avec un event et on y trouve les deux premières boîtes vides du chapitre de Rust (l’hôpital et la chair se recoupent, ce qui fait sens au fond), la dernière étant dans le laboratoire secret d’Oreko (on peut se dire que c’est assez logique : le mécanique est le pendant de l’organique). A la fin de ces trois events, Sabitsuki finit irrémédiablement par être tuée et se réveille soit dans son lit, soit autre part dans le monde des rêves. C’est la principale cause de l’augmentation du taux d’érosion qui asperge la chambre réelle de sang, cette dernière se fait alors le miroir de l’héroïne et dévoile au joueur tout ce que le corps de Sabitsuki cachait jusqu’à présent, c’est-à-dire le fait que sa condition empire. Le chapitre de Rust a ceci d’atroce que désormais la jeune fille se retrouve totalement impuissante, plus d’effet pour l’aider à parcourir un monde où la plupart des PNJs sont morts brusquement, et elle ne peut même pas prétendre ne pas être affectée puisque désormais les parasites rouges qui remplacent la plupart des Kaibutsu sont partout, et elle ne peut pratiquement pas leur échapper. Dès qu’un de ces démon la touche, elle se retrouve contaminée, et son visage se macule lentement de sang (on comprend alors pourquoi le design est composé de cheveux blancs, c’était probablement le moyen le plus pratique de faire ressortir le rouge). Si elle se fait trop toucher, elle est tellement défigurée qu’on ne peut plus la reconnaître (elle ressemble à une Kaibutsu) et sa tête finit littéralement par exploser, ce qui la force à se réveiller !

Scarface

C’est d’ailleurs très exactement le niveau final du jeu : « Rust » la malade se rend dans le lieu « Rust », la maladie, des couloirs de plus en plus glauques où des parasites l’attendent (l'état dans lequel elle se retrouve devant la dernière porte est pas joli à voir) et l’ennemi à vaincre n’est autre qu’elle-même (toujours défigurée). Ce qui prête à confusion c’est qu’on ne sait jamais trop ce que désigne le terme de Rust. On peut donc se demander qui assassine qui. Est-ce la maladie qui vient tuer Sabitsuki ou l’inverse ? Personnellement je suis partie du principe que la malade avait massacré la malade. En d’autres termes que Sabitsuki avait, dans le prolongement de l’abandon des effets, tout simplement décidé qu’elle n’avait plus la force de résister face à la contagion de plus en plus hideuse et que ce dernier niveau était avant tout le moyen de mettre un terme à celle qui voulait vivre. En somme qu’elle tuait son alter ego en signe d’abdication. Rust est la rouillée, celle qui est foutue, Sabitsuki celle qui était encore vivante. Cette étape était nécessaire au bouquet final (qui complexifie davantage les choses en révélant qu'il y a sans doute plusieurs niveaux de rêve ?). Sur le toit de son immeuble, la jeune fille regarde le ciel, elle ne saute pas dans le vide mais c’est tout comme puisqu’apparaît une des maid munie d ‘un masque à gaz qu’on retrouve tout au long du jeu, cette dernière sort une tronçonneuse et Sabitsuki/Rust, de toute façon dans une impasse, ne cherche même pas à s’enfuir. A la place, elle esquisse un rictus maléfique et se précipite sur l’arme. On la voit alors nager dans son sang. Certains pensent que la maid lui a coupé les jambes, ce que je vois c’est surtout qu’elle ne ressemble plus à grand-chose et qu’elle meurt d’hémorragie...

Sabitsuki en mode badass

Je perçois plusieurs idées d’explication à cette fin aussi brutale qu’étrange. Des maids on en trouve trois dans .flow, toutes amicales, elles ne font que faire des courbettes poliment, mais elles ont un point commun. Situées dans le bar, le Sugar Hole, une derrière le comptoir sert des rafraichissements, une autre reste immobile dans une salle où se trouve un tableau, la dernière porte une tronçonneuse (tiens, tiens) et garde un des effets. Donc, si on prête bien attention aux détails, les maids sont toutes en rapport avec la mort puisque le comptoir du Sugar Hole est là où se trouve l’event de la Kaibutsu (et il est très récurrent), le tableau mène à un monde effrayant rempli de Kabutsu et que l’effet donné par la dernière n’est autre que la « Tumbling doll », qui permet à Sabitsuki d’avoir des moignons à la place des bras et de se casser la figure. On ne peut pas la relever et elle reste pitoyablement au sol, à ramper. La « Tumbling doll » annonce très clairement la fin du jeu et on peut presque se dire que les maids mènent l’une à l’autre, comme un jeu de piste, jusqu’à celle qui a la tronçonneuse. En fait ces PNJs masqués ressemblent beaucoup à des bourreaux (il existe une guillotine dans le monde la prison, ce n’est certainement pas innocent). Peut-être que la maid est une représentation de la faucheuse ou du stade terminal de la maladie et que Sabitsuki se livre simplement à la tronçonneuse comme une condamnée qui va à l’échafaud. Que le monde des rêves n’était pour elle que l’occasion de dire adieu à ce qu’elle était avant d’accepter sa sentence. Ou alors elle ne le voulait pas mais y a été obligée (si on considère que Rust/la maladie l’a tuée) par les circonstances. Qui sait...

Je me demande s'il n'y aurait pas quelque chose à déceler à travers le fait que l'arme sur laquelle s'appuie Sabitsuki est un tuyau en fer qui rappelle un peu l'effet machine (remplaçant les membres par des prothèses mécaniques)

On ne peut pas émettre d’idée claire et les jeux comme .flow seront toujours l’occasion d’esquisser beaucoup de théories farfelues mais ce qui demeure relativement évident c’est qu’il y a une histoire de maladie là-dessous, trop de flèches pointent dans cette direction. Le reste n’a au fond pas grande importance (tout comme de savoir si Madotsuki a couché avec Masada, on s’en balance le tube cathodique). J'ai pensé à transvaser « mal physique » et « mal mental » pour voir si la signification est différente. Dans le cas présent, pas tant que ça ; Sabitsuki pourrait très bien plonger dans la folie (le motif de l’océan est intéressant parce qu’il renvoie à l’idée qu’on est à des lieux de la surface, prisonnier dans une solitude, et le fait que l’enfer soit tout près pourrait renvoyer à l’idée d’une chute psychologique), ça ne ferait que changer les nominations : la maladie serait la folie. Mais ce serait écarter pas mal d’autres éléments donc ça ne rendrait pas la totalité de cet univers. Comme quoi toute explication est vouée à demeurer incomplète, ce qui est très bien comme ça. De même que je le disais pour Yume Nikki, je ne pense pas qu’il faille interpréter le jeu de A à Z, mais plutôt en profiter pour ce qu’il est, c'est-à-dire un inquiétant voyage dans la psyché d’un personnage qui nous renvoie à nos propres obsessions.

\!/Fin de la partie dédiée au spoil \!/

P.S : Je l'avais bien prédis un peu plus tôt mais mes études me bouffent réellement tout mon temps (ces horaires de folie aussi, je commence à 8h 3 jours sur 5 et finis souvent vers 18h-20h) donc je suis actuellement aux abonnés absents : j'ai laissé traîner mes mails, je commente même plus les articles des autres et niveau animes/JVs c'est l'encéphalogramme plat. La cadence va donc clairement pas être folichonne, désolée .

La dernière fois je présentais Yume Nikki, un jeu plus qu’atypique, en m’arrêtant pas trop loin de la surface par manque d’envie de noyer le lecteur (que je présumais néophyte) dans d’interminables théories sur ce sujet, ma foi passionnant. Mais au final je me rends compte que beaucoup plus de gens que je ne le pensais ont testé ce petit bijoux et s’en est suivi des discussions qu’il aurait été dommage de garder dans un coin. Du coup je vais synthétiser ce que j’ai dis à plusieurs personnes individuellement pour interpréter un peu Yume Nikki.

Attention, je spoile la fin du jeu donc si vous ne l’avez pas encore essayé, je vous renvoie à l’article de présentation :p.

De nombreuses hypothèses circulent sur la vie un peu mystérieuse de Madotsuki, certaines pertinentes et d’autres très, très décevantes. La plupart de ces explications s’appuient sur les personnages secondaires que l’on peut rencontrer dans le monde des rêves.

Monoko serait par exemple une fille renversée par une voiture (en ce que son apparence monstrueuse est dévoilée par le feu de signalisation) et une amie de Madotsuki. Monoe une autre amie ou la sœur de cette dernière, morte ou partie on ne sait où. L’homme silencieux trouvable dans le vaisseau spatial, Seccom Masada-sensei, est vu, à cause de son piano, comme le professeur de musique de l’héroïne et son amant. Les Toriningen seraient alors des filles ayant fais du mal à Madotsuki et l’auraient peut-être même maltraitée (cf un endroit où Madotsuki peut découvrir…Madotsuki dans un placard). De même Poniko serait une fille populaire qui la méprise (puisqu’on ne peut interagir avec elle) et que la jeune hikikomori aurait tué à coup de couteau parce que celle-ci aurait couché avec Masada. Uboa représenterait donc ce meurtre expliquant que Madotsuki ne veut pas sortir de chez elle : elle a peur de la police. Et enfin, Kyukyu-kun, l’espèce de serpent rouge flashy qui asticote une rampe d’escalier, serait la vision d’un pénis et indiquerait que la jeune fille s’est faite violée. Oh et certains monstres ont été perçus comme des fœtus morts prématurément qui laisseraient à penser que Madotsuki a subi un avortement.

Vous savez quoi ? Quand j’entends ça j’ai envie de chialer. Yume Nikki est un jeu infiniment complexe laissant la part belle aux théories de tout poil et tout ce que les joueurs trouvent à faire c’est de plaquer à l’héroïne une intrigue de soap-opera plus clichée qu’un épisode des feux de l’amour. Ce flagrant manque d’imagination me désole. Vous pouvez tout inventer, tout, et la première chose qui vous vient à l’esprit c’est ça ? Eh ben c’est triste, je ne vous envie pas. Je ne prétends sûrement pas détenir la sagesse absolue, puisqu’il n’y a de toute façon aucune réponse définitive possible, mais il me semble que les joueurs oublient un élément très important qui est au cœur même de Yume Nikki : la question de la représentation.

Ce que j’estime être une grosse erreur, à chacun d’en juger, c’est que toutes ces hypothèses se basent sur les personnages secondaires. Or nous sommes ici dans un rêve. Un rêve n’est pas exact, il ne montre pas forcément un protagoniste tel qu’il est dans la réalité, il peut même le déformer totalement. Ce n’est pas parce que l’on voit Poniko comme une fille blonde à queue de cheval que Madotsuki l’a forcément connue ainsi, si ça se trouve elle était brune à couettes ou rousse avec des cheveux ondulés. Autrement dit, ces personnages ne sont pas fiables du tout, ce ne sont que des reflets dont on ne sait ce qu’ils représentent. La seule chose dont on puisse être sûr c’est qu’une fille nommée/surnommée Madotsuki a un jour existé. Tout le reste est à prendre avec beaucoup de recul et de scepticisme. Ce qu’on voit peut très bien être totalement faux. Imaginons que Madotsuki est en fait déjà morte avant le début du jeu et que l’on accompagne son fantôme. Aucun indice ne nous le laisserait deviner (sauf peut-être la présence de son spectre errant dans le Red Maze) mais ce n’est pas non plus impossible. A partir de là, tout peut être envisagé. Donc oui, Madotsuki rêve de personnes qui ont probablement existé, mais pas forcément comme ils sont dans la réalité et cela ne nous indique que très peu de choses quant à leurs rapports.

Masada est perçue comme le professeur de musique de Madotsuki et son amant. Première question : si Madotsuki est amoureuse de cet homme, pourquoi est-il représenté comme un croque-mort, silencieux et triste ? Pourquoi est-il seul dans un vaisseau spatial ? Et si c’est SON prof de musique, pourquoi cette dernière est-elle aussi absente de ses rêves ?

De ces interrogations s’élèvent un certain nombre de problématiques. Masada est très certainement un musicien vu qu’il est accompagné d’un magnifique piano, mais on peut douter que ce soit le cas de Madotsuki. Dans sa chambre, tout au début du jeu ne se trouve aucun appareil d’écoute, que ce soit un ordinateur, un poste de radio ou même un walkman. Elle n’a rien pour mettre en marche des CDs. Comment une musicienne peut-elle être dépourvue à ce point ? Et ce n’est certainement pas une question de moyen et de cohérence : si Kikiyama l’avait voulu, il lui aurait suffit de rajouter un poste de radio cassé ou émettant un bruit blanc lorsque le joueur veut l’actionner. C’est donc une absence volontaire qui en dit long. Les rêves de Madotsuki sont de plus totalement dépourvus de musique, hormis à des endroits très particuliers (j’y reviendrai). Il y a des bruitages mais aucun morceau.

L’effet flûte parait contredire ma théorie mais je crois qu’au contraire elle l’accrédite. Il y a bien des cours d’éducation musicale à l’école donc il n’est pas impossible que, sans faire de solfège à un stade poussé, l’héroïne ait déjà joué de la flûte dans un contexte d’obligation.

Qui est donc Masada et que vient-il faire là ? S’il est musicien et pas Madotsuki, il est probable que ce soit quelqu’un qu’elle admire, tout simplement. Elle n’a pas forcément couché avec lui mais elle l’aime bien ou alors elle aime bien sa musique, se sentant incapable d’en faire autant.

Revenons sur l’absence de musique et sur le vaisseau spatial. Les seuls moments où l’on entend véritablement une piste musicale ce sont lorsque la jeune fille monte sur le toit d’un immeuble où se trouve un chat noir et lorsqu’elle utilise son effet sorcière pour en sauter et voler dans le ciel…pour ensuite tomber en chute libre et se réveiller directement. La musique est donc liée à une envie de s’envoler, de liberté même, qui se conclue par un échec : le triste renvoi à la réalité. Et justement Masada se trouve dans un vaisseau spatial, un vaisseau qui vole vers l’inconnu. Joli parallèle, non ? Certains ont dis que le crash du même bâtiment voulait dire que Masada est un drogué. J’ai envie de répondre : n’avez-vous donc jamais eu, en écoutant votre disque préféré, l’impression de planer ? Pourquoi donc en venir tout de suite à quelque chose de purement et abruptement concret comme de la cocaïne, de l’héroïne ou du LSD, quand on peut penser à quelque chose de plus onirique et de plus « compatible » avec le thème du jeu ? Le professeur de piano est probablement un mélancolique mais qui sait, grâce à son instrument, décoller loin de la Terre, atteindre les étoiles (ou juste une allégorie, c’est aussi possible). Et c’est un souhait que visiblement partage Madotsuki si on en croit le passage avec le balai de sorcière et surtout la fin. Le chat noir sur le toit de l’immeuble virtuel renvoie à la fois à la magie mais aussi à un mauvais présage, il prédit en quelque sorte le suicide de l’héroïne qui se jette du haut de son balcon.

Ce symbole de l’envol, de la liberté est tout de même très problématique puisque les Toriningen, ces femmes à bec d’oiseaux, sont justement des sortes de pénitenciers qui cloisonnent Madotsuki dans un espace étriqué, étouffant et fatal. Le contraire de la liberté donc. On peut voir là le signe d’une lutte intérieure entre le désir de s’envoler et l’incapacité de le faire. Mais cela n’explique pas le fait qu’il existe des Toriningen folles et d’autres saines. De ce point de vue là je rejoins les théories qui ont été formulées : ces drôles de créatures rappelant les sirènes de l’Odyssée (au départ les sirènes ne sont pas du tout des femmes-poisson) peuvent représenter des êtres humains ordinairement paisibles mais qui peuvent aussi se montrer cruels envers Madotsuki et l’enfermer, l’empêcher de voler.

Il y a beaucoup moins à dire concernant Monoko et Monoe et les explications qui circulent à leur sujet sont très acceptables. Je relèverai juste un détail que personne ne semble mentionner, toujours au niveau de la représentation. Monoko nous est présenté comme un personnage double : elle ressemble à une petite fille normale mais en réalité c’est un monstre hideux. Cela pourrait être le signe d’une duplicité mentale, d’une hypocrisie et d’un comportement malsain envers Madotsuki. S’il y avait un personnage à pointer du doigt comme méchant ce serait elle. Mais évidemment il est impossible de savoir si c’est bien une jeune fille morte sous les yeux de l’héroïne dans un terrible accident, ou au contraire quelqu’un de vivant mais ayant été particulièrement insupportable. La première explication se tient davantage je dirais.

On en arrive au cas de Poniko. Commençons par mettre les choses en contexte. C’est une blonde à queue de cheval qui vit dans une petite maison en plein cœur de la zone désertique des bains, accessible à partir du Snow World. On ne peut lui parler ou faire quoique ce soit d’autre avec elle sinon la tuer à l’aide du couteau. Comme pour le toit de l’immeuble, la présence de musique dans la pièce nous suggère qu’il y a un évènement à débloquer, et en effet, si le joueur éteint la lumière il y a parfois la possibilité de découvrir UBOA à la place de Poniko. Ce dernier l’entraine alors, tout comme les Toriningen, dans une impasse. Parce que Madotsuki ne peut que tuer Poniko, cela ne signifie pas qu’elle est une meurtrière dans la réalité. Ni que le manque d’interaction est immédiatement à prendre comme une marque de mépris.

Poniko est perçue comme la méchante de l’histoire. Or c’est l’unique personnage secondaire du jeu à être représenté de manière tout à fait ordinaire ! Etrange, non ? Si Poniko était une salope sans cœur, pourquoi ne pas l’imaginer sous forme de Toriningen et la mutiler d’un bec d’oiseau disgracieux ? Ou même en faire leur reine ? Pourquoi lui laisser une habitation ? Et si elle est vraiment une fille populaire dans la réalité, pourquoi se trouve-t-elle ici, à l’instar de Madotsuki dans sa chambre, enfermée dans un espace réduit dont elle refuse de sortir ? L’interprétation ne colle, selon moi, pas très bien. Ce parallélisme évident entre les deux demoiselles semble plutôt la présenter comme quelqu’un que Madotsuki a aimé.

Pourtant elle ne parle pas et ignore ostensiblement l’héroïne. Plus que du dédain, je prends cela comme de l’indifférence ou une erreur de jugement. En effet, personne ne s’est demandé : Est-il possible que Poniko ne voie pas Madotsuki ? C’est encore une fois une question épineuse mais plausible. Poniko ne peut sans doute pas percevoir la présence de l’héroïne ou peut-être est-elle muette. Dans tous les cas son histoire me parait plus complexe qu’une quelconque histoire de coucherie. Et UBOA me direz-vous ? Je ne sais pas vraiment à quoi correspond UBOA. On l’interprète souvent comme la manifestation de la culpabilité, du désespoir ou de la monstruosité. Personnellement j’aurais tendance à penser que Madotsuki vient en rêve faire ses adieux à Poniko (ce qui suppose que sa tentative finale est préméditée), qui ignore ce qu’elle s’apprête à faire, mais qu’elle est effrayée de ce qui pourrait advenir à cette dernière quand elle ne sera plus là. UBOA peut être cette possibilité, celle d’une catastrophe. Là encore c’est difficile à définir mais je trouve cette hypothèse plus douce que de présenter l’héroïne comme une cinglée sans retenue.

Passons à présent à ce qui m’agace le plus : Kyukyu-kun. Je ne le répéterai jamais assez mais gare aux excès de psychanalyse. Ne soyons pas plus freudien que Freud lui-même et tentons de prendre plus de recul que lui. Certes, Kyukyu-kun ressemble à un gode rouge fluo, l’affaire est entendue, mais de là à aller crier au viol il faudrait quand même relativiser. Ce n’est pas parce qu’un objet a une forme allongée que c’est naturellement une bite, nom de diou. C’est la définition la plus facile qui soit, donc la plus utilisée. Sauf qu’ici l’explication est vide de sens. La bonne approche serait de dire que pour accéder à cette créature il faut poignarder un mur en forme de fermeture éclair, permettant ainsi d’entrer dans un passage secret, et ensuite s’intéresser au fait qu’il caresse une rampe d’escalier. Mais même là rien ne prouve que Madotsuki se soit faite violée et qu’elle voit des pénis dans ses rêves ! Donc c’est une possibilité mais il me semble abusif de se focaliser là-dessus. Un marginal a par ailleurs prétendu que Kyukyu-kun représenterait des lasagnes. J’adore cette idée =).

J’en reviens donc à ce que je disais au tout début : les personnages secondaires sont peu fiables. On ne peut en tirer que des suppositions très vagues et par là il est plus que réducteur de penser qu’une image fictive est forcément la représentation relativement fidèle d’une situation réelle. On peut rêver de gens que l’on ne connaît pas ou peu, rêver de nos proches en déformant leur apparence ou leur personnalité, ou plaquer sur le visage de quelqu’un de réel tout un tas de valeurs qui ne sont pas les siennes et en font une allégorie involontaire. Un songe est infiniment plus complexe que l’idée qu’on a de lui, c'est-à-dire un pale reflet de la réalité.

Pour finir, je vais m’atteler un peu à la fin du jeu. Je ne sais pas pourquoi Madotsuki s’est jetée dans le vide. Peut-être a-t-elle vécu un drame digne d’un soap opéra, peut-être que non. Je ne peux pas savoir. Mais s’il y a bien une chose que je sais c’est que certains éléments ne s’expliquent pas. On peut par exemple avoir une vie tout à fait banale et sombrer dans la dépression sans aucun motif apparent. Madotsuki n’a pas besoin d’être l’héroïne d’un drame racinien pour justifier son geste. Si elle refuse de sortir de sa chambre ailleurs que par la porte des rêves c’est sans doute parce qu’il y a en elle un profond dégoût de la réalité, un dégoût qui la pousse à faire des rêves morbides mais dans lesquels elle peut enfin se déplacer à sa guise. Des rêves qui ne lui permettent malheureusement pas de s’envoler (l’effet sorcière lancé en haut de l’immeuble conduit à une chute, donc à un échec en quelque sorte), ou trop rarement. Alors elle a probablement eu envie de mettre fin à ce cycle sans fin en se suicidant, de faire en sorte de rêver pour l’éternité. Ce n’est qu’une interprétation bien sûr, mais je pense sincèrement que la vie de cette petite fille (si elle est une enfant, l’idée selon laquelle elle aurait couché avec Masada et assassiné Poniko devient obsolète et ridicule) n’avait rien de bon, et que c’est pour cela qu’on n’en saura jamais rien d’autre.

J’ignore totalement si Yume Nikki doit se targuer d’une signification particulière ou si Kikiyama avait une histoire très précise en tête quand il a réalisé ce jeu mais une chose est sûre : ce n’est pas rendre justice à une œuvre aussi terriblement onirique que de la démonter pièce par pièce pour en faire un fait divers sordide. Laissons Yume Nikki tel qu’il est, c'est-à-dire une fable moderne à la fois poétique et morbide, et ne détruisons pas le mystère avec des théories trop terre à terre, toute explication définitive tue le jeu. En tout cas, je préfère ne pas essayer de plaquer des causes et des conséquences sur ce que je vois et profiter de Yume Nikki tel qu’il est, sans me prendre la tête.

La prochaine fois les enfants nous parlerons de pornographie. Et ce sera un article entièrement SFW. Si, si, c'est possible.

Quelques fois, j’ai envie d’écrire plus sur les jeux vidéos. Le souci c’est que souvent un détail en particulier me saute à la tronche dans tel ou tel jeu et que j’ai tendance à disserter dessus pendant des heures sous la douche (je fais des brouillons d’article sous la douche si je veux d’abord !). Inutile de dire que le post potentiel s’en retrouve dramatiquement obèse puisque je passe plus de temps à appuyer sur une poignée de détails qu’à parler du gameplay ou de la réalisation. Et les articles jeux vidéos partent donc dans les canalisations en même temps que l’eau usagée. Ce qui explique l’étrange fossé qui sépare mon activité ludique (je crois que je n’ai jamais autant joué qu’en ce moment) du vide intersidéral que constitue la catégorie JV du blog.

Pour me libérer de ce « fardeau », je me dis qu’un petit post concentrant tous ces fameux détails me permettrait peut-être de faire de vrais beaux articles plus tard. Cela ne coûte pas grand-chose d’essayer.

Kingdom Hearts : Birth By Sleep

Small World, Big Troubles

Dans Birth by Sleep, les développeurs ont eu la chouette idée de faire d’un des mondes (Disneytown) un réseau de mini-jeux. Quand tu entres là pour la première fois tu es donc tout impatient en te disant « J’ai envie de faire pleins, pleins de mini-jeux rigolos ! ». Déception immédiate quand on comprend qu’il n’y en a en fait que trois mais bon, la qualité avant la quantité comme on dit. Sauf que la qualité est assez variable.

Le jeu du Fruitball est de loin le moins désagréable ; il s’agit d’une sorte de beach-volley avec des fruits géants et un but qui bouge tout seul (mesquin ça !), c’est mignon, un peu longuet mais ça se laisse jouer.

Les courses folles c’est déjà un peu plus délicat. Au premier abord, on dirait un énième clone de Mario Kart (le début de la piste est à s’y méprendre quand même), mais il n’en a pas l’étoffe pour la très bonne raison que la maniabilité est casse-bonbon. C’était une bonne idée de transformer la keyblade en vaisseau-moto classe, mais si quand on la conduit, on a l’impression de manier une brique ou une chape de plomb, autant prendre une bonne vieille voiture ou un vélo… Avec le vaisseau-keyblade, c’est bien simple, on se prend les murs, tout le temps et partout. Il est quasiment impossible de freiner et de tourner sans s’enfoncer dans le décor. Ou alors c’est tout une astuce technique. Et moi ça me pompe un peu de devoir préparer mes virages 15km en avance. Il y a d’autres options mais elles ne sont pas très utiles. Quand tu t’appliques à ne pas foirer tes virages, tu n’as pas le temps de transformer  ta moto en fusil pour tenter de tirer sur les vilains Unversed qui ont l’audace de te doubler, surtout que si tu lâches la croix, tu n’avances plus.

Mais le pire c’est tout de même le troisième jeu : Glace à gogo. Suite au monde relou d’Ariel dans Kingdom Hearts II où il fallait enchainer des jeux de rythmes à base de chansons Disney qui avaient le don de me transformer en pile électrique (une seule erreur au mauvais moment et t’es bon pour recommencer la même chanson en boucle, raaaah), on aurait pu penser que les développeurs abandonneraient peut-être l’idée. Mais non. Glace à gogo est un jeu de rythme. Riri, Fifi et Loulou se dandinent à l’écran sur la fameuse musique de l’attraction des poupées de Disneyland qui prend le chou, et le but est de les aider à faire de la glace. Première difficulté : j’ai mis au moins cinq essais avant de comprendre comment jouer et ce, même après avoir lu et relu les indications. Peut-être parce que j’étais trop habituée au système de KH2. Ou alors parce que je ne joue jamais aux jeux de rythme (normal, je peux pas piffrer ce genre d’exercices). Toujours est-il que je n’arrêtais pas de me vautrer. Lassée, j’ai donc décidé d’arrêter les frais.

Or, et c’est là que ça devient rigolo comme tout, saviez-vous que pour finir le monde de Disneytown, il faut obligatoirement terminer le mini-jeu correspondant au personnage incarné ? Terra doit arriver premier aux courses folles (ce qui n’est pas insurmontable, même en jouant comme un manche, j’ai réussi du premier coup : il suffit de toujours prendre le raccourci), Aqua doit battre deux vilains Unversed au Fruitball…et Ven doit obtenir un certain score à Glace à gogo. Score mauvais ? Tu recommences. Score bon ? Tu recommences. Score excellent ? Ah, là tu peux passer. Et je ne parle même pas du score parfait.

Tu peux finir tous les mondes à côté de Disneytown, buter des gros monstres à la pelle, tant que tu n’as pas eu le score excellent à Glace à gogo, tu ne peux pas accéder au monde du niveau suivant. BANDE DE SADIQUES. Si je joue à un action-RPG, c’est peut-être parce que j’ai envie de me défouler, pas de remuer le popotin en rythme avec Riri, Fifi et Loulou (qui peuvent crever d’indigestion de glaces, je m’en tamponne les oreilles). J’ai mis des heures avant de parvenir à la fin de It’s a small world. Et je crois que je n’ai jamais été aussi heureuse de sauvegarder de ma vie…

C’est la fête au village

Ce qui est cool dans KH BBS, c’est que tu peux combiner tout un tas d’attaques pour en former d’encore plus puissantes et rendre ton personnage bien badass comme il faut. Du coup quand tu débloques une attaque que tu ne connais pas, tu te fais plein de films dans ta petite tête en te demandant à quoi ça peut servir. Et c’est là que le jeu te fournit une récompense de folie : les attaques bonus complètement inutiles à visée purement esthétique. Le meilleur exemple c’est quand même Confettis et Feu d’artifice. Description : Cela vous mettra peut-être de bonne humeur. Euh, oui, tout à fait 0_o. Effet : lancer des confettis mignons ou un feu d’artifice tout joli. Evidemment aucune incidence sur les ennemis, ça ne sert strictement à rien. C’est gentil tout ça mais qu’est-ce que j’en fais moi de ces attaques là ? Je ne vais quand même pas me casser la tête à les faire monter de niveau pour les combiner avec des choses utiles…

Le clou est atteint lorsque, dans ma partie avec Aqua, et après avoir fini le jeu, je découvre, grâce à mes nouvelles compétences, un coffre auparavant impossible à atteindre. Dedans, une nouvelle attaque : Courte Pause. Je l’essaye donc immédiatement. Et là, surprise, Courte Pause est un…mini-jeu de rythme (même principe qu’avec Glace à Gogo en plus) ! Oui, vous avez bien entendu, grâce à cette « attaque » révolutionnaire, Aqua peut danser en plein milieu d’un champ de bataille ! Mais qu’elle réussisse ou non sa superbe chorégraphie, j’ai une mauvaise nouvelle pour vous : les Unversed ne restent pas regarder gentiment, ils vous sautent dessus. On a donc l’air complètement stupide à danser pendant que ça grouille de vilains monstres partout. Absolument magnifique…

Messieurs les développeurs, c’est gentil de faire partager votre passion pour les jeux de rythme, mais vous n’êtes pas obligés d’en foutre partout ; ça commence à devenir légèrement redondant !

Final Fantasy VII : Crisis Core

Le pouvoir du couloir

J’ai moins d’anecdotes pour Crisis Core mais il y a quand même un truc qui m’a marqué : la félonie des concepteurs à systématiquement mettre des coffres dans ton dos. En incarnant Zack, on va régulièrement en mission dans des endroits plus ou moins divers et variés. Généralement en consultant la carte on se rend compte que la surface de jeu disponible n’est pas des plus vastes.

Lors de mes premières missions j’explorais tout partout en me tapant tous les affrontements hasardeux assortis, et puis petit à petit, je me suis mise à délaisser certains coffres pour aller plutôt directement poutrer le monstre du jour. Sauf qu’en comparant ma liste de missions débloquées avec celle disponible sur le net, je me suis dis qu’il m’en manquait quelques unes (notamment pour obtenir les invocations Pampa et Tomberry). Et devinez quoi. Pour obtenir ces missions là, il fallait ouvrir un coffre bien défini dans telle mission. Et ce coffre est disposé, soit dans ton dos, soit dans la direction à l’opposé du monstre du jour, histoire que tu fasses un joli détour.

C’est vicieux ça ! Au lieu de jouer avec les angles morts, on ne pourrait pas rajouter un peu d’espace et de décor afin de cacher plus efficacement ces fameux coffres ? Non parce que c’est quand même plus gratifiant de découvrir par hasard un trésor habilement dissimulé que de se retourner en s’exclamant : « Oh bah ça alors, ils ont encore mis un coffre dans mon dos, les coquinous ».

Mère indigne

Sinon la dernière chose qui m’a choqué c’est la quête de la mère indigne. Dans un chapitre plus ou moins avancé, Zack croise en ville un petit garçon qui nous annonce que sa génitrice l’a abandonné et que ce serait cool de le prévenir si d’aventure elle se trouvait dans les parages. Déjà, tu fronces les sourcils en te demandant pourquoi elle s’est barrée sans donner de nouvelles. Mais surprise, tu peux la retrouver un peu plus loin sur le quai de la gare. Et en lui parlant tu te rends compte qu’elle essaye de se jeter sous le train (heureusement qu’il est en arrêt juste devant). Re-haussement de sourcils. Quelle terrible tragédie s’est abattue sur ce malheureux PNJ pour qu’il tente de se suicider ? En fait, son idole de toujours (un SOLDAT première classe dont je tairais le nom pour ne pas spoiler) a disparu depuis peu. Donc elle veut mourir. Mais quelle abrutie ! Bah, vas-y, saute sur les rails et bon vent. Laisse ton gosse crever de faim sur le pavé. Non mais ho, écervelée, tu vas aller t’excuser devant ton gamin ou j’appelle les services sociaux !

Etonnamment, Zack arrive à la raisonner en lui balançant à la gueule que son idole aurait honte d’elle. Même que le gosse, pas rancunier pour deux sous, lui a remonté le moral en fondant un nouveau fan-club. Soupir… J’espère qu’il n’y en aura pas d’autres comme ça parce que c’est quand même assez glauque au fond =<.

Disgaea Afternoon of Darkness

Because I'm bad, I'm bad 

J’avais acheté Disgaea un peu sur un coup de tête. La promesse d’incarner le nouveau roi des démons (ah ouais rien que ça) qui tente de se faire respecter de ses sujets avait tout pour me faire saliver. Sauf que, sauf que, la choupi-kawaii attitude reprend vite le dessus…pour mon plus grand dam. En fait tout va bien dans le premier chapitre. Laharl va dévaliser le premier manoir qui passe avec son vassal et l’escouade de prinny  offerte en bonus. Et puis second chapitre : Flonne entre en scène. Laharl la pourchasse là où elle s’est planquée et finalement elle rejoint l’équipe. Troisième chapitre : bon on manque de sous, on va aller voler le mec le plus riche du secteur. Et c’est là que le bât blesse.

Laharl affronte Hoggmeister, le vieux porc (au propre comme au figuré) qui a un peu chouré des trucs qui lui appartenaient. En plus il est riche, l’état des finances est à la baisse, hophophop, on en profite. Mais le fils du grigou, un cochonnet tout mignon tout plein apparaît au moment où on va l’achever. On voit qu’il pleure, oh que c’est attendrissant. Dubitatif, Laharl demande au cochonou pourquoi il s’interpose parce que bon, il est un peu jeune pour se suicider. Le fils ne pipe pas un seul mot de tout l’entretien (il se contente d’être choupi-kawaii) mais Flonne intervient avec un magnifique speech sur l’amuuuuuuuuuuuuur. Et Laharl épargne Hoggmeister. Et Hoggmeister se joint au groupe.

Et je dis STOP. C’est quoi ce foutage de gueule ? Notre personnage c’est le roi des démons. Son job c’est de se faire respecter des vilain pas beaux sur lesquels il est censé régner tout en essayant de rester juste pour éviter de se faire renverser par une foule en colère. Hoggmeister est un vieux porc : il a volé le roi des démons. En plus il lui manque de respect. La moindre des choses c’est de lui donner une bonne leçon. Si on laisse en vie un démon dissident comme ça après l’avoir dévaliser, il va vouloir se venger. Et trois épisodes plus tard Laharl va avoir un bon coup de poignard dans le dos. C’est un putain de démon, tu l’achèves et t’en profites pour l’ériger en exemple, que tous tes autres sujets comprennent qu’on plaisante pas avec le roi. T’as le meurtre d’une famille sur la conscience mais t’es un démon donc bon, ça doit être monnaie courante ce genre de choses quand même. MAIS NON. Il faut que tu laisses la vie sauve à Hoggmeister pour prouver au monde entier que t’es une lopette incapable de gérer un royaume tout seul. Ah bah bravo…Non mais sérieusement WTF ?

Je l’avais senti dès le deuxième chapitre quand, en voulant capturer Flonne, Laharl a une rapide remarque comme quoi « Han l’amour c’est de la merde parce que môman est morte à cause de ça ». Et au quatrième chapitre c’est l’apogée : l’ange kawai-choupi a perdu son pendentif magique. C’est con, sans lui, elle est obligée de rentrer à la maison ou elle mourra. Et bien tu rentres chez toi et tu nous fous la paix ma mignonne, moi j’ai un enfer à diriger, alors t’es gentille et tu retournes chez tes copains les anges kawai-choupis. Ou alors tu meurs de manière absurde, si ça te fait plaisir. Quoi ? Laharl va l’aider à retrouver son collier qu’un vil voleur a dérobé ? Mais mec, t’es le roi des démons ! Qu’est-ce que tu vas suivre les ordres d’un ange neuneu ? C’est bien, les idéalistes comme elle il en faut, mais en attendant t’as ton royaume à remettre sur pied, il y a peut-être plus urgent sur le feu…

Bizarrement mon plaisir de jeu a soudainement chuté. Parce que je sais que dans une des fins du jeu, il arrive un pépin à Flonne et que Laharl a la possibilité de se sacrifier pour ses beaux yeux. Et ça me bouffe parce que ça signifie que le sentimentalisme va reprendre le dessus. C’est ça que je ne supporte pas : on te fait miroiter l’idée que tu auras enfin le droit d’être le méchant dans un jeu vidéo, et au final on te rappelle à tout bout de champs que olalala, que c’est mal d’être vilain. Bon Dieu, mais laissez-moi me défouler en torturant de pauvres petits orphelins aveugles et infirmes ! Les détracteurs des jeux vidéos critiquent souvent cet aspect de défouloir en hurlant que ça va nous rendre psychopathe, mais à part GTA, il n’y a honnêtement pas des masses de jeux dans lesquels on puisse incarner un salaud en toute impunité. T’es toujours le gentil qui va sauver le monde, jamais l’enfoiré qui en a marre et qui préfère le mettre en pièces. Moi je veux un jeu à la Conker où, tu te ramasses une bad end réaliste, mais que tu assumes parfaitement parce que tu sais que tu la mérites =<.

Who’s bad ?

N’empêche que ce jeu est très fort : le seul qui te permette de te couillonner tout seul. La preuve, quand j’ai voulu battre Hoggmeister, j’ai cru que sa taille (massive) incitait à découvrir un truc. Alors je l’ai balancé sur les deux gardes balèzes à côté de lui. Mais étrangement il était sacrément dur à battre, et il avait une barre de vie démentielle. Ce n’est qu’après un passage de level up que j’ai soudainement réalisé, que de fracasser les ennemis entre eux les faisaient monter de niveau. Donc la guerrière devant moi était niveau 18. Le double de la plupart de mes personnages. Je crois que ça explique beaucoup de choses…

Le trou de la sécurité sociale !

L’autre truc qui est relou dans Disagea c’est les frais énormes d’hôpital. T’as beau revenir de bataille en pleine forme, si t’as dû utiliser tes meilleurs sorts et qu’il ne te reste presque plus de points de magie l’addition est salée. Et je ne parle même pas des personnages K.O qui coûtent une petite fortune à réanimer. L’infirmière se fait très clairement plaisir sur les tarifs, la bougre. Du coup t’es obligé d’attendre une fin de chapitre (ça guérit tes persos gratos) pour pouvoir utiliser ton fric dans l’achat d’objets plus performants. Le reste du temps tu économises pour l’hôpital =/. Je rêve de pouvoir, une fois un certain niveau acquis, provoquer l’infirmière en duel. Grâce à mon armée personnelle je lui latterais sa race et elle sera bien obligée de me faire un prix. Non seulement je suis son meilleur client mais en plus comme je vais buter tous les gars du secteur, je lui en ramène de nouveaux, ce serait un peu la moindre des choses…Et j’irais massacrer cet arnaqueur de marchand de musique. Déjà que l’OST est pas terrible mais si en plus il faut vendre sa maison pour acheter une piste écoutable, scandale !

Et le pire c’est que je pourrais continuer très longtemps comme ça. C’est fou tout ce qu’on peut dire en partant d’un détail minuscule…