Cela fait longtemps que je n’avais pas évoqué un anime, et encore moins une production récente, mais j’ai récemment eu un petit coup de cœur sur Saenai Heroine no Sodatekata (ou Saekano pour les intimes) et j’avais envie d’en parler plus en détails.

(Pas de son disponible pour l'opening, désolée)

Saekano est adapté d’une série de light novel en cours écrit par Fumiaki Maruto, un scénariste relativement connu pour son travail dans le monde des visual novel. C’est par exemple lui qui s’est occupé du dernier blockbuster de Leaf/Aquaplus, White Album 2, ainsi que plusieurs titres plus obscurs (dont Sekai de Ichiban Dame na Koi). Autant dire qu’il maîtrise donc son sujet et que la liberté dont il dispose ici lui autorise quelques piques ça et là sur le « déclin de l’industrie ». Aux illustrations du light novel, on retrouve également quelqu’un de familier avec l’univers du visual novel, Misaki Kurehito, qui a par exemple œuvré au character-design de Ushinawareta Mirai wo Motomete – A la recherche du futur perdu et qui possède une patte colorée assez impressionnante. L’origine relativement atypique explique probablement l’originalité dé Saekano : c’est en effet une série qui réussit le tour de force, non pas de subvertir la comédie harem en profondeur, mais de rafraîchir une formule pourtant désuète et horripilante. C’est un genre qui me sort particulièrement par les trous de nez à cause de son manque flagrant de personnalité : non seulement il en sort des barquettes tous les ans, avec un schéma relativement similaire et des personnages très codifiés, mais en plus les mêmes gags s’y retrouvent à l’identique et il y a souvent un abus de fanservice assez irritant (et vas-y que je te re-sers un gros plan sur les nichons qui gigotent d’une héroïne jusqu’à l’écœurement). Bref, c’était mal parti à la base ! Et pourtant…

\!/ Attention légers spoilers un peu partout, passez directement à la partie réalisation si vous voulez tout découvrir \!/

Le cast : un héros pas si ordinaire, un triangle bancal et des exceptions

Tout bon harem qui se respecte, Saekano se devait d’inclure un cast à base de héros ordinaires et de charmantes demoiselles se battant pour ses faveurs.

Le héros en question, Aki Tomoya, est doublé par Yoshitsugu Matsuoka (Kirito de Sword Art Online, Sora de No Game No Life). Malgré un design de binoclard assez typé, il réussit à faire preuve de personnalité ! Tomoya est notamment caractérisé par ses grands discours enflammés sur la culture otaku, un des éléments comiques de la série, et sa passion est la source de bien des situations. S’il ignore effectivement les avances des femmes autour de lui, comme n’importe quel héros de harem, Saekano arrive à dessiner une double justification : en effet Tomoya éprouve un désintérêt sincère pour le fait d’obtenir une petite amie (il préfère la 2D) et les relations qui le lient aux haremettes sont en fait dysfonctionnelles dès le départ (mais j’y reviendrais).

Eriri la blonde et Utaha la brune : le feu et la glace

Les haremettes en question sont finalement en nombre réduit puisqu’il s’agit majoritairement d’un triangle amoureux voué à l’échec. La première demoiselle qui nous est introduite est Eriri Spencer Sawamura (doublée par Saori Oonishi), l’amie d’enfance du héros. Ses origines étrangères (son père est anglais), son petit air d’ojou-sama et ses couettes blondes en font une des coqueluches de l’école. Or Eriri est en fait une « Switch Girl » : elle porte un masque en public pour se faire paraître parfaite, mais cela ne correspond pas à sa personnalité réelle. En mode Off, elle remet ses lunettes, un vieux jogging et dessine des doujin pornographiques très populaires dans le milieu (sous le pseudonyme de Kashiwagi Eri), car c’est en réalité une otaku chevronnée. Elle est également assez caractérielle et hautaine, ce qui en fait une parfaite tsundere devant ceux qui connaissent son côté obscur. Sa relation avec le héros est assez instable puisqu’ils ne se reparlent en fait que depuis très peu de temps ; ils étaient brouillés pendant des années. Eriri est visiblement désireuse de retrouver un semblant de relation avec Tomoya mais peine à y arriver à la fois à cause de ses propres contradictions et des nouvelles personnes dans sa vie qui éclipsent l’avantage qu’elle pouvait avoir autrefois. Elle est en constante rivalité avec l’autre coqueluche de l’école…

Kasumigaoka Utaha, doublée par Ai Kayano (Meiko de Ano Hana, Inori de Guilty Crown, Shiro de No Game No Life), est l’opposée exacte de la flamboyante Eriri. Cheveux longs d’un noir de jais, poitrine généreuse, tempérament de glace, inutile de dire que leurs échanges sont souvent assez animés. Avec son naturel assez désinvolte et sarcastique, Utaha reproche souvent à Eriri d’être dans les apparences et de ne pas être honnête avec elle-même. Or, étant littéralement parfaite dans tout ce qu’elle entreprend, son talent énerve. Etudiante le jour, elle écrit des light novel romantiques à succès (sous le pseudonyme de Kasumi Utako). Sa relation avec Tomoya est tout aussi instable puisque c’est en réalité un de ses fans et qu’ils se sont également brouillés à cause de ce sujet, ce pourquoi elle le surnomme désormais « Monsieur Ethique » (Rinri-kun). Malgré cela, c’est de loin la personne que le héros respecte le plus et il la couvre régulièrement d’éloges, ce qui ne lasse pas d’attiser la jalousie d’Eriri.

On dirait un personnage doublé par Kana Hanazawa comme ça...

C’est sur ce triangle amoureux somme toute classique que vient se greffer la plus invraisemblable des haremettes : Katou Megumi (doublée par Kiyono Yasuno)…une fille ordinaire. Il est difficile de décrire le concept tant elle est insaisissable. Là où Eriri et Utaha représentent des personnages très typés (bien que pas dénués d’intérêt), aux personnalités extrêmes, Megumi est tout en subtilités, en paradoxes. Elle manque cruellement de présence mais écrase lourdement ses concurrentes d’un revers de la main. J’essayerai d’approfondir tout ça au fil de l’article mais en gros essayez d’imaginer Nami de Sayonara Zetsubou Sensei en héroïne principale…

Dans l'ordre, du plus loin au plus près

Aux côtés de ces protagonistes principaux assez restreints, gravite une petite poignée de personnages plus secondaires :

• Hyodo Michiru, doublée par Sayuri Yahagi (Haruna de To Love-Ru, Rima de Shugo Chara), la cousine de Tomoya qui possède un arc important mais n’apparait qu’à la toute fin de la série.
• Hashima Izumi, doublée par Chinatsu Akasaki (Nibutani de Chuunibyou), une collégienne et autre amie d’enfance de Tomoya qui sera le déclencheur de plusieurs évènements clefs.
• Hashima Iori, doublée par Tetsuya Kakihira (Sakutaro Morishige de Corpse Party, Natsu de Fairy Tail, Mercutio de Romeo X Juliet, Simon de Gurren Lagan). Il était autrefois le meilleur ami de Tomoya avant de devenir son rival et c’est le grand frère d’Izumi.

Les relations (dysfonctionnelles) au cœur de l’intrigue

Une des particularités intéressantes de Saekano est de nous présenter des héroïnes typées mais relativement complexes et de mettre à l’honneur leur incapacité à se frayer un chemin vers le cœur du héros pour des raisons réalistes. Eriri comme Utaha ont ostensiblement des sentiments pour Tomoya mais un mur infranchissable les empêche d’être dans une relation saine et égalitaire.

Dans le cas d’Utaha, c’est le gouffre entre le fan et le créateur qui est mis en avant. Tomoya semble idéaliser son talent et la place sur une sorte de piédestal dont elle n’arrive jamais à redescendre, malgré ses efforts acharnés. Par exemple, il arrive régulièrement qu’Utaha et Eriri disent la même chose mais que ce soit son avis uniquement que le héros retienne. C’est notamment visible dans son arc où le spectateur apprend qu’elle avait proposé au héros de lire son manuscrit en avance mais que celui-ci avait refusé pour des raisons d’éthique (d’où son surnom). Or maintenant que Tomoya souhaite fonder son propre studio de visual novel, il se sent prêt à devenir un créateur lui-même, et donc à franchir le gouffre pour se rapprocher de son idole. Malgré cela, Utaha reste « Kasumi Utako » dans son esprit, la « sempai » (au propre comme au figuré) intouchable. Le décalage est d’autant plus frappant lorsque l’on comprend que le succès des romans de la jeune fille est en grande partie dû aux articles élogieux que Tomoya a rédigés sur son blog (on en déduit qu’il est un blogueur influent), ce qu’il refuse de comprendre.

Dans le cas d’Eriri, c’est encore plus complexe. C’est elle qui a initié le héros à la culture otaku lorsqu’ils étaient enfants mais elle l’a lâchement abandonné à cause des brimades de leurs camarades de classe. C’est donc pour cette raison qu’elle cache désespérément sa passion et on comprend assez vite qu’elle regrette d’avoir agi ainsi et qu’elle surveille Tomoya de loin depuis des années sans vraiment oser l’avouer. Mais le malaise s’est bien évidemment installé entre eux et plus rien n’est comme avant. Le protagoniste semble relativement froid vis-à-vis d’Eriri justement parce qu’il lui en veut toujours et la fierté de la jeune fille l’empêche d’être honnête. C’est donc un chassé-croisé perpétuel qui s’installe entre eux : d’un côté Eriri recherche l’attention de Tomoya et s’effondre assez vite dès qu’elle pense être surpassée par une autre fille dans son cœur (notamment les autres amies d’enfance du héros), mais de l’autre elle prétendra toujours ne pas être intéressée par quelqu’un d’aussi insignifiant. On peut donc dire que ce comportement sonne faux (comme Michiru de Grisaia dont la grande aspiration dans la vie est de devenir tsundere) : Eriri fait semblant d’être une tsundere pour sauver les apparences et s’enfonce chaque fois un peu plus dans un grand bourbier qui l’éloigne de Tomoya.

A partir de là, on comprend que le triangle amoureux est en réalité voué à l’échec : malgré leur passif intéressant, aucune des deux héroïnes ne peut vraiment prétendre au cœur du héros puisque leur relation est complètement bancale ! C’est à cause de qualités purement techniques que Tomoya leur demande de rejoindre son studio, mais c’est par opportunisme tout bête qu’elles acceptent : leur désir de se réconcilier et de se rapprocher de lui. Et c’est bizarrement grâce à cela qu’Utaha et Eriri développe finalement leur propre relation toute aussi intéressante. Si le cœur comique repose bien sûr sur leurs altercations, on remarque petit à petit que les deux femmes se respectent mutuellement. C’est particulièrement vrai pour Utaha qui répond systématiquement à l’appel pour épauler Eriri : elle repère le malaise quand Tomoya retrouve Izumi, scénarise la réconciliation entre Tomoya et la blondinette (réconciliation qui sera ratée) et va même jusqu’à lui dire directement à quelques reprises qu’elle apprécie de travailler à ses côtés. Eriri est plus subtile mais elle fait tout de même régulièrement savoir qu’elle est du même avis que sa comparse et n’hésitera pas à la défendre lorsque sa proposition de scénario ne sera pas validée. Leur rapprochement tout en subtilité est particulièrement fascinant dans le sens où les héroïnes du genre harem ont généralement peu d’alchimie entre elles puisque leur vie tourne uniquement autour du mâle à conquérir. Ce n’est pas vrai ici puisque chacune possède une vie à côté (écrire des romans pour Utaha et dessiner des doujins pour de nombreux évènements pour Eriri), une vie assez exceptionnelle de surcroît, mais qu’en plus elles ont régulièrement un avis similaire du fait de leurs expériences respectives et finissent par se compléter sur le plan professionnel. Ce qui n’est pas moins source de gags : on pense par exemple à la bataille de deadline où chacune essaye de gagner du temps sur le calendrier de production, empiétant du même coup sur la deadline de l’autre.

La véritable héroïne était une fille ordinaire

Face à ces deux fortes têtes se dresse une rivale des plus inattendues : la fille ordinaire. Tout le pitch de Saekano tient sur la « fausse » rencontre entre Tomoya et Megumi : le héros est séduit non pas par la personne, mais par l’image pittoresque qui se dégageait de leur confrontation. Cette image embellie par son imagination (une fille en robe blanche en haut d’une colline un beau jour de printemps au milieu des cerisiers en fleurs) lui rappelle les visual novel dont il est fan et lui donne envie de créer une histoire d’amour à l’eau de rose où cette fille serait l’héroïne moe absolue. C’est bien évidemment une vision bourrée de clichés et tout le cast ne manquera pas de le lui faire remarquer mais Tomoya n’en démordra pas…jusqu’à ce qu’il se rende compte que l’inconnue en question fait partie de son entourage depuis près d’un an et qu’il ne l’avait juste jamais remarqué.

La particularité de Megumi est qu’elle est développée par petites touches tout le long de la série, et non par un arc spécifique comme les autres héroïnes (même si les trois premiers épisodes dédiés à l’introduction la mettent particulièrement en avant). Il est donc difficile de vraiment mettre des mots sur ce qui la rend si spéciale. De manière générale, elle est tout simplement « réelle » : jolie mais sans atout spécifique, sociable mais avec un cercle restreint d’amies, nonchalante sans être particulièrement cynique, passive et active à la fois, peu expressive mais pas dénuée d’émotions. En somme, elle ne possède pas de trait moe exacerbé et pourrait assez vraisemblablement exister.

Les premiers épisodes (qui expliquent le titre de la série) sont assez trompeurs car ils laissent croire que Tomoya va essayer de transformer Megumi pour la modeler sur ses fantasmes et la rendre plus moe, mais ce n’est pas du tout ce qui arrive. Une fois l’initiation aux visual novel passée, elle va faire semblant d’être l’héroïne moe de son jeu pour lui remonter le moral le temps d’une scène et restera fidèle à elle-même le reste de la série. Au contraire, le héros va tout simplement commencer à apprécier sa compagnie et les deux jeunes gens vont développer une relation de confiance, la plus naturelle et la plus réelle que j’aie jamais vu dans un anime à ce jour. Il se dégage entre eux une alchimie que les plus grand couples de la japanimation peinent à attendre (Nagisa et Tomoya de Clannad font pâle figure à côté, désolée). On peut notamment décerner cette alchimie à travers leurs conversations téléphoniques : à chaque fois que le héros doute ou se décourage, c’est vers Megumi qu’il se tourne. De manière paradoxale, le personnage est pensé pour se fondre dans le décor lorsqu’elle est présente, elle semble donc inoffensive, inutile, et son absence fait soudain apparaître un manque qui la présente comme essentielle. D’où un gag récurrent : personne ne sait à quoi elle sert au sein du studio mais les personnages ne cessent de répéter son importance et elle est finalement partout (c’est l’héroïne du jeu, le nom du studio, etc). Contrairement à Haruhi de Ouran High School Host Club qui reste ambigüe sur ce qu’elle pense du club, Megumi fait savoir finalement assez vite qu’elle apprécie de rester au sein du studio otaku tout en continuant de voir ses amies. Elle finit même par prendre des initiatives pour trouver un rôle à sa mesure et donc aider ses camarades.

Vous ne verrez jamais Megumi comme ça, par exemple

Vers une nouvelle représentation de la culture otaku

Un autre pan primordial de Saekano consiste en sa représentation de la culture otaku, encore une fois très intéressante ! On peut aborder ce thème via différents points.

Un héros pas si lambda

Premier point : le traitement du héros. Comme beaucoup de productions avant et après lui, Saekano met en scène un protagoniste principal otaku à lunettes. Le premier épisode essaye de nous convaincre que Tomoya est un otaku lambda : il passe son temps sur Internet, est peu populaire, incompris, absorbé par la 2D, etc. Or une révélation surprenante va complètement ébranler ce cliché. Dans l’épisode 2, alors que le protagoniste engage la discussion avec Megumi pour la première fois, celle-ci nous révèle que Tomoya est une des idoles du lycée justement grâce à son implication à partager sa passion : il organise en effet de nombreux évènements pour son école tels que la diffusion d’animes ou l’achat de light novel pour la bibliothèque. Megumi admet donc être flattée qu’il lui adresse enfin la parole, ce qui décontenance le héros, sincèrement persuadé d’être un ringard/incompris. Autre détail troublant et assez rare pour être souligné : Tomoya est définit par les différentes héroïnes comme physiquement attirant. Ce qui est confirmé par le fait qu’on voit régulièrement ses yeux à travers ses lunettes et ce malgré ses grands discours enflammés et grandiloquents sur la supériorité de la 2D sur la 3D qui ont évidemment une visée comique.

Des références otakus se glissent partout dans la série, ici sur les visual novel

Cela semble anodin de prime abord, mais ces petits détails viennent lacérer le stéréotype de l’otaku moche et graveleux qui est présent de manière assez récurrente dans la japanimation et qui est à mon sens complètement archaïque. Je pense que le consommateur cible ne devrait pas être représenté par un stéréotype pareil : il faudrait vraiment avoir une estime de soi très basse pour se dire « Oh, un otaku moche et graveleux, c’est tout moi ça, ce produit est fait pour moi, vraiment je me reconnais là-dedans ». C’est donc réellement rafraîchissant de nous présenter un héros otaku au physique ordinaire, avec ce qu’il faut de personnalité, populaire grâce à son engagement pour faire connaître la culture otaku auprès du grand public et qui semble réellement se soucier des personnages féminins autour de lui, même s’il ignore constamment leurs avances (pour les raisons explicités plus haut). Rien qu’avec ça, Saekano tord le cou à pas mal d’idées reçues et c’est loin d’être fini !

L’ouverture à un public plus large: les différents visages de l'otaku

L’élément qui m’a le plus agréablement surprise lors de mon visionnage est le point d’honneur qu’a mis le scénariste pour dépasser le stéréotype traditionnel. Cela se voit dans le choix des personnages otaku dont Utaha et Eriri au premier plan, présentées comme les égales de Tomoya en la matière (Utaha ira même jusqu’à défendre leur passion commune devant Michiru) mais aussi Izumi et Iori.

L’apparition de la petite Izumi est source de nombreuses surprises : c’est en effet en nous apprenant que Tomoya l’a initié à la culture otaku via un otome game qu’elle ramène sur le tapis les souvenirs liés à ce jeu. On découvre alors que c’est en réalité Eriri qui a déclenché la passion du héros en lui prêtant l’otome game en question. Là où c’est intéressant c’est que Tomoya ne nie pas ou ne semble pas embarrassé, il lance même considérer ce jeu comme un véritable chef d’œuvre et que c’est pour cette raison qu’il l’a fait découvrir à Izumi à son tour. Celle-ci baigne donc naturellement dans l’univers doujin et demande à son « mentor » de venir l’encourager lors du Comiket. Et Tomoya est conquis par son travail au point d’en faire la promotion de manière éhontée. Ce qui est surprenant ici c’est que le visual novel est habituellement scindé en deux marchés distincts : « pour hommes » (bishoujo game) et « pour femmes » (otome game). Ces deux marchés ne se parlent jamais et les fans de bishoujo game ont même la fâcheuse tendance à cracher sur les otome game. Il est donc assez incroyablement progressiste de voir un héros fan de bishoujo game nous dire qu’il apprécie les otome game et encourager leur promotion. C’est d’autant plus visible dans la scène où Tomoya arrive à attirer du monde autour du stand d’Izumi : un jeune homme se présente et demande à feuilleter son doujin otome. Embarrassée, elle balbutie que c’est à destination d’un public féminin et semble sous-entendre que ça ne va pas lui plaire. Or le client achète son travail, ce qui est hautement symbolique !

Petite aparté mais cet engouement causera des tensions entre Tomoya et Eriri puisque cette dernière va lui demander de complimenter son propre doujin en retour. Et c’est d’un air évasif que le héros lui répondra que son travail est « consistant ». Cette absence d’éloge peut s’expliquer par une dichotomie entre sexe et scénario : en effet c’est le scénario d’Izumi que Tomoya vante et Eriri fait des dessins pornographiques. En filigrane se trouve peut-être un repproche inavoué, celui de privilégier ce que le public masculin est censé aimer et pas ce qui est vraiment important. Une ambiguïté que l’on retrouve dans la volonté du héros de faire un visual novel tout public, un spécimen quasiment éteint au Japon et qui contraste avec l’expérience de l’auteur dans l’industrie. Est-ce parce que son roman et l’anime visent une audience plus large ? Mystère…

Autre source de surprise : Iori, le rival de Tomoya. Ce qui est intéressant avec ce personnage c’est qu’il est devenu ami avec le héros dans des circonstances assez inhabituelles. En effet Iori était à la fois le garçon le plus populaire de sa classe au collège et un otaku convaincu. Leur passion les a donc rapprochés, puis éloignés : Tomoya n’aimait pas les méthodes d’Iori car ce dernier cherchait à s’élever au sein de la communauté otaku et cette ambition lui semblait mal placée. Or, comme le personnage nous le rappelle, le héros fait preuve d’une ambition assez similaire en débauchant les plus grandes stars de l’industrie pour réaliser son jeu. Leur rivalité semble donc tenir à peu de choses et Iori se révèle très vite incapable d’être menaçant. On le voit surveiller Tomoya de loin à la fin de l’arc d’Eriri et c’est de bonne grâce qu’il va l’aider à la reconquérir alors même que cela dessert ses intérêts !

Dernier élément : les filles du groupe Icy Tail sont toutes définies par leur passion pour un élément particulier de la culture (les doubleurs, Vocaloïd et la dernière est considérée comme étant casual).

Cette diversité dans les personnages otaku de la série est particulièrement intéressante car elle permet de s’éloigner encore un peu plus des stéréotypes habituels. Ainsi la passion de chaque personnage est un élément de sa vie sans le définir complètement : point de fujoshi hystérique et point de gros pervers graveleux prêt à photographier des culottes.

L’ouverture à un public plus large : le regard des non-otaku

La représentation du milieu ne serait pas complète s’il n’y avait pas des non-initiés pour offrir une perspective différente. Saekano compte au fond assez peu de personnages non-otaku mais leur intérêt est primordial.

La première est bien sûr Megumi qui va chambouler les attentes de Tomoya en faisant preuve d’une grande tolérance. Elle dira notamment dans les épisodes d’introduction ne rien avoir de particulier contre la culture otaku et fera preuve d’une curiosité renouvelée tout au long de la série. Au début c’est Tomoya qui essayera de l’initier manu militari en lui faisant jouer à des visual novel toute la nuit (avec un succès mitigé : elle balancera ne pas être en mesure d’apprécier pleinement une œuvre avec quelqu’un qui spoile tout à côté d’elle), puis elle prendra des initiatives, par exemple, en essayant l’otome game évoqué par Izumi ou en accompagnant le héros au Comiket. Le pivot reste le dernier arc de l’anime puisque Megumi va s’emparer des livres de Tomoya pour apprendre à scripter le jeu par elle-même, avec le soutien des autres héroïnes. La voir devenir la programmeuse officielle du studio est logique, puisque c’est le seul poste qui restait à pourvoir, mais pas moins surprenant. Là où les autres personnages féminins sont sans cesse définies par leur incroyable talent, la très ordinaire Megumi nous montre qu’elle peut apprendre à coder avec un peu de patiente et de ténacité. Cette tolérance dont elle fait preuve, en parallèle des révélations sur la popularité du héros, contribue à normaliser la passion des protagonistes et à ranger les brimades (vues dans la route d’Eriri) dans le passé, ce qui est réellement rafraîchissant.

On pourrait dire de même des parents d’Eriri, brièvement entraperçus, qui vendent les doujins pornographiques de leur fille à sa place (vu qu’elle est mineure) sans battre un seul cil. J’aurais aimé en savoir plus à leur sujet, j’espère donc que la suite leur apportera leur moment de gloire !

Dernier cas, et non des moindres : Michiru, la cousine de Tomoya. C’est de loin le personnage développé le plus hostile au monde otaku. Suite à une dispute familiale, elle vient squatter chez le héros et prend vite ses aises en balançant toutes ses figurines dans un sac poubelle. Elle sera en confrontation ouverte avec Tomoya tout le long de son arc car elle considère que son rêve à lui n’est pas sérieux et voudrait qu’il abandonne la création de visual novel pour venir l’assister elle. A travers ces dialogues, on comprend qu’elle veut le bien de son cousin mais qu’elle baigne dans les préjugés (être un otaku reviendrait à refuser de grandir et affronter la réalité en face). Cette attitude énerve bien sûr Utaha et Eriri qui la voient comme une rivale gênante et n’apprécient pas plus que ça de voir leur passion méprisée. Or Tomoya tient à la faire entrer dans le groupe à cause de son talent pour la musique. Malgré son antipathie à l’égard d’un monde qu’elle ne comprend pas, Michiru reste étrangement lucide puisqu’elle comprend tout de suite que les autres héroïnes sont là pour courtiser son cousin. On peut remarquer que malgré cette hostilité apparente, la demoiselle demeure mesurée dans le sens où elle avoue ne rien avoir contre les otaku mais pense que leurs mondes sont incompatibles. C’est là-dessus qu’intervient la résolution du dernier épisode (qui se mue pour l’occasion en épisode musical) qui règle le problème de manière intéressante.

Tomoya accepte d’aider Michiru à se produire sur scène et lui dégotte une place dans un des hauts lieux de la culture otak où la jeune fille découvre par la même occasion que toutes ses amies sont également des otaku mais n’ont jamais osé le lui avouer. Au pied du mur, Michiru est obligée de remettre ses préjugés en question. Et sa réaction est étonnante : elle pardonne évidemment à ses amies, mais surtout elle s’inquiète de décevoir son audience justement parce qu’elle est une non-initiée. Une fois rassurée par Tomoya, force est de constater qu’elle va s’éclater sur scène (petit moment de fanservice pour les spectateurs avec la cover d’un générique d’anime célèbre) et une fois de retour dans les vestiaires, elle tient un tout autre discours. Alors que le héros fait une pique sur le public en le décrivant comme passionné mais un peu effrayant/louche, c’est Michiru qui va le corriger d’un radical « Ne dis pas de mal de mes fans ! ». On peut donc dire que Michiru, tout comme Megumi, finit par rejoindre les rangs du monde otaku tout en gardant sa personnalité. Il y a en somme une coexistence paisible.

La réalisation

L’adaption animée de Saekano est d’assez bonne facture. Les graphismes sont agréables, l’animation n’est pas forcément survoltée mais le matériau de base n’ayant pas d’exigence, il n’y a pas besoin de faire des folies. Certains plans derpent un peu mais l’effet s’intègre assez bien dans le registre comique. On notera que Saekano abuse d’un effet « artistique » similaire à celui de l’opening de Cure Girl (un eroge de Noesis que peu d’entre vous doivent connaître) qui est de colorer les contours des personnages. Très honnêtement, je trouve qu’on s’y habitue assez vite même si ça n’ajoute rien de particulier.

Petite mention sur l’intégration de Megumi qui est parfaitement exécutée et dont le rendu colle vraiment bien au format de l’anime. Par exemple, une bonne partie de l’épisode 2 se déroule dans un café où Tomoya est censé parler à Megumi et le cadrage fait tout pour éviter de nous montrer la jeune fille, quitte à se concentrer sur la serveuse qui est derrière ou sur les autres clients. Cela contribue vraiment à construire ce fameux manque de présence du personnage de manière ingénieuse. Dénicher Megumi dans le décor pour voir ce qu’elle fait pendant que les autres personnages parlent est souvent très amusant. Les plus attentifs d’entre vous peuvent d’ailleurs essayer : on la voit apparaître dans un plan de l’épisode 1 bien avant son introduction, saurez-vous trouver lequel ?

Rien de spécifique à mentionner côté son. La bande-son est agréable sans être particulièrement remarquable, les génériques sont assez quelconques et le doublage est de bonne facture (d’autant que la majorité du cast est composé de nouveaux au bataillon).

Seul point noir de l'animation : les mains qui tapent sur le clavier sont en 3D...et c'est moche

Un point qu’il me tient à cœur de mentionner toutefois : le fanservice. Saekano arrive à être intéressant même dans sa manière de le représenter ! Déjà parce qu’il est bien dosé et un peu plus raffiné que d’habitude : on ne verra quasiment pas de seins qui gigotent ou de plan sur une culotte, la seule exception étant une scène dédiée dans la conclusion de l’arc de chaque héroïne (une scène étrangement érotique à chaque fois, on sent où est parti le budget (mais je ne me plains pas)). Le reste du temps, Saekano se concentrera exclusivement sur les jambes ou les pieds, un fétiche déjà annoncé par l’opening qui se concentre longuement sur les corps des héroïnes sans montrer leur visage. Mais vraiment, tout ceci reste très, très modéré…jusqu’à l’arrivée de Michiru. C’est dans le dernier quart de la série que des gens ont dû se réveiller et se dire que l’audience chutait ou que la cousine n’avait vraiment pas assez de personnalité pour concurrencer Utaha, Eriri ou même Megumi. De manière inexplicable Saekano se transforme soudain en harem ecchi lambda et nous offre des épisodes massacrés par le fanservice : la caméra passe son temps à nous montrer ses seins et son cul (quand ce n’est pas son entrejambe). Et c’est vraiment dommage parce que la série était irréprochable jusque là et que ça fait tâche. Inutile et de mauvais goût. En parlant de fanservice…

Ai to Seishun no Service Kai : Haruhi Episode Zéro à la plage

Si certains d’entre vous ont zappé Saekano, ce sera sûrement à cause de son Episode 0 sorti avant tout le reste, ce qui partait d’une intention assez couillue à la base et ce pari risqué était à mon sens très compliqué à remplir. En effet, l’adaption animée de Saekano a décidé de placer son passage plage/piscine/onsen bourré de fanservice d’emblée, de manière assez cash. La subvertion aurait pu marcher si ce n’avait pas été l’épisode le moins intéressant de toute la série… Certes, les personnages brisent joyeusement le quatrième mur, Katou fait son ninja, le match de ping pong entre Utaha et Eriri est un beau foutoir absurde. Mais tout cela ne peut fonctionner que lorsqu’on connaît déjà un peu les personnages, qu’on s’y est attaché, qu’on sait qu’il y a plus une fois la surface grattée. Si le bonus contient bien ce qui fait le charme de la série, on peut aussi dire que l’attrait est émoussé. Les scènes dans la forêt sont inintéressantes, voire même caricaturales (dégage de cette série Michiru, merci) et la scène de pseudo-viol du héros par les filles bourrées dans l’auberge est franchement pas drôle en plus d’être d’un cliché absolu. Et puis la scène de comparaison des tailles de seins, ahah, on l’avait vraiment jamais entendu ailleurs, tiens. Autrement dit, commencer par Ai to Seishun no Service Kai ne rend vraiment pas justice à la série : on a plus l’impression de regarder un harem lambda avec un vague gimmick que l’intrigue subtile que j’ai eu l’impression de regarder au fil des semaines. Le comble c’est que le bonus se place à la fin de la série chronologiquement, quand le visual novel du studio naissant est presque terminé ! Bref, autant regarder ça après comme un OAV bonus que comme une véritable introduction à Saekano. Surtout que l’épisode 1 est vraiment parfait pour placer les enjeux et introduire les personnages !

Conclusion

Saekano se place donc comme une œuvre rafraîchissante possédant de multiples couches. Au-delà du premier niveau de lecture qui est celle de la comédie en milieu otaku (avec une emphase sur le milieu de la publication et le Comiket), les personnages ont des relations complexes qui sortent des sentiers battus, l’héroïne principale tranche avec ce qui existe actuellement et l’approche du sujet est étonnamment progressiste. Quand on voit le climat actuel du milieu du jeu-vidéo (incroyablement toxique) entre les « vrais » joueurs et les « faux » joueurs, difficile de ne pas voir dans la série de Fumiaki Maruto (qui a l’air d’avoir trouvé son format idéal avec le roman) un bol d’air frais, certes involontaire, mais nécessaire.

Un visual novel Saekano est sorti à la fin du mois d'avril. VISUALNOVELCEPTION!

Seul véritable bémol : l’adaptation s’arrête en plein milieu des tomes en cours (4 sur 7), ce qui fait de la 1e saison une introduction de 12 épisodes. Autant dire que j’ai hâte de découvrir la seconde saison, surtout que le septième volume du light novel conclut le premier arc narratif de l’intrigue. Conclusion que je me suis spoilée et qui s’annonce palpitante. A part ça, je crois que la seule chose que je pourrais à la série est de ne pas assez parler de visual novel. C’est pour ça que j’étais intéressée à la base après tout !

Saekano est donc une ode à la culture otaku qui se présente sous la forme d’un harem pas si classique que ça. A conseiller à tous ceux qui aiment les relations compliquées et à ceux qui veulent se réconcilier avec le genre.

Le monde est mort. On ne sait ni pourquoi ni comment. Une poignée d’êtres humains désespérés tentent de le sauvegarder, en vain. Ne reste de leurs proches qu’un souvenir, un souvenir éphémère qui se fissure. La bulle va éclater, le désespoir monte. Qui osera braver la vérité ? Qui osera déchirer le rideau et affronter le regard accusateur du public ? La jeune fille se tient debout devant l’audience. Existe-t-elle vraiment ? N’est-elle qu’une allégorie ? Peu importe. Elle s’apprête à rentrer en scène. Elle s’apprête à déchirer le rideau qui dissimule ce qui reste de son monde. Ce sera son interlude.

Un interlude est une petite pause située entre deux grands moments, une page de publicité entre deux émissions de télévision. Dans le cas qui nous intéresse, Interlude est aussi une série de 3 OAVs sortis en 2004 par la Toei Animation et dont le chara-designer est Hidero Horibe (décédé en 2006). Une série fondamentalement obscure et aux critiques très contrastées. On y découvre un jeune homme ordinaire ne possédant même pas de nom vivant son existence paisible et stéréotypée de lycéen japonais en compagnie de sa copine d’enfance ultra chiante, Tama (doublée par Tamura Yukari), et d’autres filles de sa classe. Enfin, c’est ce qu’il aimerait bien croire. La vérité c’est qu’il ne cesse de faire des cauchemars déboussolants et qui paraissent si réels qu’il finit par ne plus bien savoir où finit le rêve et où commence la réalité. Ce n’est qu’en croisant la mystérieuse Watsuji Aya (doublée par Houko Kuwashima) en pleine hallucination que ses doutes seront partiellement levés : il doit à tout prix la retrouver. Le synopsis paraît commun, et pourtant, Interlude tient véritablement de l’OVNI.

Un décor en carton

Le premier épisode annonce la donne dès les premières secondes puisque la série démarre sur un plan incongru : celui d’une scène de théâtre totalement vide, plongée dans le noir. Une silhouette s’avance et entame un monologue étrange, comme quoi le monde se meurt et désire renaître. Un coup de projecteur nous révélera son visage : oui, c’est bien Watsuji Aya, le personnage qui apparaît sur toutes les illustrations publicitaires de l’anime, et pourtant on ne l’entendra pas parler de tout l’OAV où elle est quasi-inexistante. Curieux paradoxe. Chaque épisode démarre par le soliloque d’une des trois héroïnes et se termine par celui, plus bref et moins allégorique, d’une fillette. Prenez bien garde à ces soliloques car c’est à travers eux que l’on en apprendra le plus sur l’histoire. L’influence des derniers épisodes de Neon Genesis Evangelion se fait clairement sentir dans ces petites scènes mais là où Interlude va plus loin c’est qu’il joue allègrement avec le quatrième mur. Les personnages semblent regarder le spectateur droit dans les yeux et la mention d’un « public » y faire référence, mais ce discours étant également une sorte de méta-commentaire sur la série elle-même, le mot peut très bien avoir plusieurs sens. Emerge alors un sentiment confus, on se sent presque manipulé par ces acteurs censés jouer leur rôle de marionnette, au point de se demander qui contrôle qui.

Je te vois

Le quatrième mur sera d’ailleurs plusieurs fois brisé tout au long de la série mais presque naturellement, sans avoir l’air d’y toucher. Ainsi au cours d’une scène purement gratuite de déshabillage où on se croit en position de voyeurisme, Tama (la copine d’enfance du héros) stoppe net au moment de retirer sa blouse et se tourne délibérément vers l’écran pour crier « Pervers » alors même qu’elle est seule dans sa chambre. L’espace d’une seconde on pense qu’elle s’adresse à nous, spectateur indiscret...pour mieux retourner à son rôle de marionnette avec un léger twist humoristique (elle s’adressait en réalité à une photographie). Mais alors qu’elle retourne à son déshabillage, on est gratifié d’un gros plan sur un objet quelconque, comme pour nous faire tourner en bourrique, faire croire à du fanservice pour mieux l’ôter sous notre nez. Ces quelques passages apportaient déjà leur lot de remises en questions, mais le plus étourdissant c’est de se dire qu’il existe sans doute d’autres occurrences qu’on aurait laissé passer et que peut-être une partie de l’intrigue nous est implicitement dédiée. Le tout premier monologue est même ambigu à plusieurs titres : le public est impatient que le rideau cachant la vérité se lève mais il s’insurge tout à la fois que celle-ci lui soit dévoilée. A travers cette drôle de réplique, on pourrait sentir le thème de la création affluer de manière sous-jacente. Soulever le voile c’est révéler l’intrigue, révéler l’intrigue c’est en exposer les rouages, exposer les rouages c’est détruire le mystère, la magie. A partir de là, ne vaut-il pas mieux ne jamais expliquer l’essence d’Interlude pour que le mystère demeure toujours complet ? En somme, la série nous annonce d’emblée qu’elle ne nous donnera jamais toutes les réponses attendues pour se préserver de l’autodestruction.

Pour mieux enfoncer le clou, Watsuji Aya déclare l’arrivée des comiques pour distraire le spectateur durant l’entracte. Comiques qui se révèlent être les personnages eux-mêmes. Alors que le récit se met doucement en marche, Tama fait le pitre et les aventures des jeunes lycéens sont là pour nous égayer. Une sorte de pause dans la pause. Difficile encore de croire que le visionnage de cette série laissera intact.

Le costume cachait l’acteur ?

Cet aspect pour le moins peu conventionnels mis à part, Interlude dispose d’un grand soin technique. Globalement le chara-design est très agréable, l’animation plus que correcte et la bande-son, de bonne qualité, possède quelques morceaux sympathiques. L’ending lui-même, Ookina Koe De, massacré par des enfants à la voix criarde qui ne savent pas chanter, est une espèce de comptine triste et entrainante, un leitmotiv dont les différentes versions, interprétées par plusieurs personnages, seront bien plus belles que sa forme originale. Mais c’est surtout l’expressivité des visages à certains moments qui m’aura marqué. La gamme d’émotions dont dispose chaque personnage est proprement hallucinante. L’intrigue est assez clairement découpée en trois temps : le premier OAV est consacré au quotidien du héros et à sa déformation progressive vers le cauchemar, il oscille donc entre légèreté, blagues salaces et ambiance mystérieuse, tandis que le second est pratiquement uniquement centré sur le personnage d’Aya Watsuji et se fait plus psychologique, et le troisième est surtout l’occasion de découvrir révélations et scènes allégoriques qui nous font presque douter davantage tant il est parfois délicat de comprendre ce qui tient du rêve ou non.

De gauche à droite : "camarade de classe blasée potable", "amie d'enfance chiante" et "camarade de classe inutile et mièvre"

Les doublages sont de bonnes qualités, surtout Houko Kuwashima (mais vous savez que, comme avec Aya Hisakawa, je suis une vraie fangirl) et Ootani Ikue (plus connue pour son rôle de...Pikachu) qui interprète la petite fille. Je trouve que son ton légèrement aigre correspond très bien à ce genre de personnages et que ça change un peu des seiyuus ultra kawaii qui en font des tonnes. En revanche, on peut malheureusement compter deux grosses erreurs de casting équivalentes avec Nishihara Kumiko qui tient le très anecdotique rôle d’une meilleure amie mais dont la voix nasillarde est proprement insupportable. Et que dire de Tamura Yukari qui ne livre clairement pas une de ses plus belles performances ? Elle donne à Tama une voix trainante et ultra-kawaii de manière surjouée. Les premières minutes à la supporter relèvent presque de l’épreuve de force et, si le personnage déjà bien chiant à l’origine, finit par se révéler touchant sur la fin, c’est probablement parce qu’on l’entendra moins parler...

Cachez ce sein que je ne saurais voir

Malgré toutes les bonnes idées qui sous-tendent Interlude, il faut avouer que la série souffre d’un sérieux problème, c’est qu’elle se veut un théâtre d’expérimentations et de réflexions profondes, mais qu’en même temps elle n’hésite pas à verser dans des clichés absolument grossiers, vus et revus des milliers de fois. Concrètement, ça se traduit par une dichotomie assez déstabilisante.

Comme dirait Ridge : "Les femmes mentent mais elles ont des seins, j'aime les seins"

Ainsi, notre héros et sa copine Tama vont secourir une employée de mairie, nommée Marufuji, d’un pervers dans un train et sa généreuse poitrine sera la source d’un nombre incalculable de blagues pas drôles et bien dégoulinantes. Comme si le spectateur n’était pas déjà assez lassé comme ça de voir Tama heurter les gros lolos de Marufuji avec un bruitage cartoonesque en fond sonore pour mieux la traiter de nympho (c’est bien connu, elle le fait exprès d’exhiber ses seins, si elle se fait violer ce sera de sa faute, ahahah...non, attendez, c’est carrément malsain comme raisonnement), on hérite par la suite de ses deux collègues de boulot...dont une fan de cosplay qui se complaît à porter des tenues bondage sous son imperméable et suscite l’admiration des autres personnages féminins (c’est bien connu que toutes les filles rêvent de s’habiller comme des putes et que c’est une tenue parfaitement naturelle pour se balader dans des ruelles le soir, ahahah...non attendez, mais, que...quoi ?). On a donc parfois cette désagréable impression d’être en train d’assister à un cours de philosophie mais tenu par la prof barjo de Dears (pour ceux qui ne connaissent pas cette bouse, il s’agit d’une charmante dame qui n’hésite pas à se déshabiller devant ses élèves, à se caresser les seins dans un grand élan d’amour en poussant des petits bruits pas du tout explicites et à leur faire lire des nouvelles érotiques de son cru). On voudrait se laisser entraîner par le côté mystérieux d’Interlude, réfléchir sur ses problématiques philosophiques, et la présence de ces grosses paires de seins sur l’écran ont tendance à très légèrement déconcentrer, tant et si bien que certains risqueront assez vite de décrocher de l’ambiance générale.

Cette image est TOTALEMENT en adéquation avec la substance d'un anime à tendance métaphysique

Même dans une scène censée se vouloir terrifiante où le personnage de la lugubre conseillère d’orientation, Saegusa Miyako, pratique une sorte de séance d’exorcisme sur une jeune élève, il faut qu’on ait le droit à des plans graveleux sur sa poitrine qui s’élève et se soulève ainsi que sur ses cuisses entrouvertes qui se dandinent dans une sorte de coït muet dont on se serait bien passé. En plus, comme elle gémit en même temps, rapport à la douleur d’avoir une main enfoncée à l’intérieur de son épaule, ça devient limite tendancieux, tu t’attendrais presque à ce qu’une scène de H déboule de nulle part.

Mais qu’était-il allé faire dans cette galère ?

Les OAVs se révèlent également un peu chiches en termes de réponses. En effet, à la base, Interlude était un visual novel sans contenu sexuel sorti par Longshot en 2003. Le peu d’images que j’ai pu en voir trahit un budget que j’estime considérable et je ne pense pas me tromper en affirmant que ce jeu doit être raisonnablement long et posséder plusieurs routes (une par héroïne, sans doute). Là où le bât-blesse c’est qu’adapter un visual novel n’a jamais été très facile et que cela suppose des aménagements.

Le personnage de Marufuji qui, j’en suis persuadée, tient sans doute un grand rôle dans le visual novel, apparaît ici totalement inutile et hors sujet. Et sa présence est d’autant plus frustrante que les OAVs manquent de temps pour exprimer une histoire déjà très simplifiée. Il manque des personnages de l’original, dont une espèce d’infirmière à gros seins et peu vêtue qu’on ne regrettera pas, par exemple. D’ailleurs un bref passage du 1^e épisode semble y faire référence puisque le héros en découvrant sa nouvelle conseillère d’orientation fait l’innocente remarque « On ne nous en avait pas présenté une autre beaucoup plus vieille ? ». Or il se trouve que Miyako avait un rôle  légèrement différent dans le jeu et qu’elle remplace donc ici la vraie conseillère. Mais je m’égare. En 3 fois 40 minutes, concentrer le scénario d’un jeu vraisemblablement assez fourni tient de l’exploit, voire du suicide, et si le résultat n’est pas mauvais du tout, il est même assez épatant, il manque cependant des éléments de réponses par-ci, par-là. Et ces éléments de réponses manquant ont de quoi frustrer énormément.

Contrairement à d’autres animes comme Avenger qui se finit sur un gros doigt d’honneur balancé au spectateur (je rappelle que l’héroïne principale d’Avenger se barre de sa propre série en envoyant chier tout le monde sur le dernier épisode tellement elle en a marre) ou à un massacre en règle du type de RahXephon, Interlude prend la peine de vraiment expliquer son intrigue, juste pas suffisamment pour offrir au spectateur une vision claire de l’ensemble. En outre la structure en rêves est source de beaucoup de confusions et il faudra plusieurs visionnages attentifs pour relier certains éléments entre eux (je vous conseille même de prendre des notes). Difficile de ne pas penser qu’un peu moins de fanservice et de scènes inutiles en compagnie des filles de la mairie aurait pu permettre à l’intrigue de se développer davantage. Mais là encore, j’ai un doute. Et si c’était volontaire ? Et si la série se contentait de promouvoir le visual novel en laissant délibérément quelques points dans le noir pour obliger les consommateurs à tester le jeu eux-mêmes ? Ce serait diabolique, et en l’occurrence immensément rageant pour nous autres occidentaux qui n’auront sans doute jamais le droit à une traduction. C’est sans doute ce point qui rebutera la majorité des spectateurs puisqu’il faut véritablement s’accrocher pour suivre le scénario et qu’il est loin d’offrir tous ses secrets. Secrets qui sont en grand nombre.

A ce sujet, je me permets d’inclure un assez long développement sur tous les points qui m’ont marqué et je m'excuse si ces quelques impressions peuvent paraitre brouillonnes, il m'est impossible de faire plus structuré. Je sais que peu de personnes auront visionné ces OAVs mais je serais curieuse d’avoir un autre avis sur cette œuvre décidément pas banale donc si vous n'avez pas encore vu Interlude, je vous recommande vivement de ne pas lire tout de suite mes hypothèses afin de ne pas influencer votre vision de l'oeuvre.

\!/ Attention, spoilers \!/

The case of Tamaki Maiko : Dream in a dream

On peut supposer que la première scène d’Interlude où apparaît Tama compose le début du rêve du héros construit parce qu’il voulait la revoir, en atteste la brève apparition d’Aya qui semble renvoyer au dernier épisode. Ce nouveau monde semble au fond presque tourner autour de Tama plus qu’autour du héros. Là où l’anime induit en erreur c’est qu’il nous présente uniquement le prisme déformant du protagoniste principal : tout en se persuadant lui-même qu’il est parfaitement normal, il essaye en fait de nous en convaincre. Or certains indices viennent dors et déjà troubler cette « réalité parfaite ». Par exemple, on ne voit jamais le héros prendre de repas avec sa famille, on ne nous la montre jamais, pas plus qu’on ne nous montre sa maison en dehors des scènes de réveil (toujours accompagnées de cette sonnerie lancinante). Certaines expressions faciales peuvent aussi être source de multiples interprétations : ainsi le héros fait la grimace en contemplant Tama faire son show. On peut penser que c’est parce qu’il est préoccupé par ses fameux cauchemars, mais cela peut être parce qu’il éprouve un malaise en la revoyant. Comme il le dira plus tard à Aya, avec qui il partage un certain nombre de points communs, il est au fond terrifié à l’idée que son précieux quotidien soit détruit mais, en même temps, il ne peut se défaire d’une certaine sensation désagréable, un peu comme un doute cartésien qui l’entraînerait du côté de la recherche de la vérité.

A cet égard la scène dans la bibliothèque est plus que révélatrice de son état de pensée. Le rêve de Tama tourne à vide comme un magnétoscope enrayé, il s’effiloche, et deux réalités semblent coexister parallèlement. Il choisit délibérément de prendre un gros risque en sautant par la fenêtre pour vérifier ce qui est réel de ce qui ne l’est pas, ce qui prouve que le malaise était bien le plus fort. Mais cette scène nous présente aussi la « ville de la lune » comme une sorte de carrefour, un entre monde qui relierait tous les rêves entre eux. La preuve, lorsqu’il suit Aya, il débarque dans un quotidien sans monstre qui tourne exclusivement autour d’elle (en attestent la présence de nourriture et d’argent à l’infini, le fait que les attractions du parc soient fonctionnelles ou même le train), c’est vraisemblablement qu’il pénètre dans le rêve d’Aya. Et si le rêve du protagoniste et celui d’Aya sont directement attachés à la ville de la lune, que dire de la présence des filles de la mairie dans la seconde version de la scène de poursuite ? De quel rêve proviennent-elles à ce moment ? Je pencherais pour dire qu’elles débarquent toutes du rêve de Marufuji puisque, dans quelques rapides flashbacks et surtout la scène d’adieux finale, on la voit vêtue d’une blouse dans un laboratoire, il est donc fort possible qu’elle ait été scientifique pour le projet Pandore et fasse partie des 12 survivants.

Ce qui est intéressant c’est de faire le parallèle avec le rêve du héros et son véritable quotidien avant l’apocalypse car Tama y fait office de pivot. On comprend mieux son désarroi face à sa mort brutale : en la perdant, il a surtout perdu ses repères. Mort qu’on devine être la cause de son départ. La scène du lac le montre sur le point d’abandonner son amie d’enfance. Or le thème du départ étant raccroché à la promesse qu’il fait constamment à Aya, on peut deviner qu’il l’a sans doute rencontré dans cette réalité et désire s’enfuir avec elle, privant du même coup Tama de toute volonté de continuer puisque son propre monde tournait autour du héros. D’où de puissants remords. Le protagoniste s’excuse principalement d’avoir négligé les sentiments de son amie en ne pensant qu’à lui et d’avoir considéré son existence comme quelque chose de définitivement acquis. Lorsqu’il rencontre Tama pour la dernière fois sur cette plage déserte et qu’il l’embrasse, il est difficile de déterminer s’il l’a vraiment aimé à un moment (une sorte de premier amour) ou s’il cherche juste à lui faire plaisir une dernière fois en lui donnant ce qu’elle attendait de lui de son vivant.

Le « S’il t’était possible de retrouver ce que tu as perdu » de Fuyuki agit comme une tentation auquel le héros cède. Rêver de la jeune fille c’est en somme manifester sa peur du changement, le refus de tourner la page, et donc l’impossibilité d’évoluer. Du moins au début puisqu’il retourne à Aya pour sortir de ce cocon trop protecteur, trop étouffant. Leur but étant de quitter leur rêve pour, ils l’espèrent, se retrouver dans la réalité. On voit alors les capsules, notamment celle de Mutsuki, de ceux enfermés pour l’éternité tandis que lui part à l’aventure. Sauf que, lorsque le héros se réveille, il nous est nettement montré à l’intérieur de sa capsule, le crâne rasé et couvert de câbles alors qu’à la scène suivante c’est de nouveau un fringuant lycéen. Ses cheveux n’ayant pas pu repousser si vite en quelques heures, on peut se demander si c’est vraiment la réalité, et dans ce cas il pourrait s’agir d’une erreur de raccord (mais j’en doute) ou simplement d’une manière plus romantique de conclure l’histoire (un protagoniste qui s’éloigne dans le désert avec un look de cancéreux en phase terminal ça fait peut-être trop pessimiste), ou alors, s’il ne s’agit pas d’un autre rêve...

The case of Saegusa Mutsuki : From love to hate

Mutsuki et Tama ont beaucoup de points communs, en réalité. Elles sont toutes les deux très « pures » dans le sens où elles ne vivent que pour voir ceux qu’elles aiment heureux. Cette pureté peut être symbolisée par Hedgehog, le chiot de la fillette, qui devient dans le rêve une sorte de bête surnaturelle qui semble très puissante mais en fait qui est relativement faible (scène où elle pleure quand on fait mal à son chien). Mais là où Tama est une idiote écervelée, la petite Mutsuki se révèle plus réfléchie et plus mature. Elle est prête à se sacrifier pour le bonheur de ses proches, surtout sa grande sœur et son nouveau frère qu’elle affectionne beaucoup d’un amour platonique et innocent. Son sacrifice étant de devenir une sorte de matrice, le cœur du projet Pandore.

Le projet Pandore mis sur pied par Fuyuki et sa femme, Miyako, est relativement simple. Pour une obscure raison ils savent que l’apocalypse approche et désirent sauvegarder ce qu’ils peuvent de l’humanité sous forme de souvenirs à l’intérieur des survivants. En somme il s’agit de protéger une douzaine d’élus des aléas du temps et de les plonger dans un quotidien rassurant, celui de leur monde intérieur, et ce à défaut de ne pouvoir sauver la Terre de sa destruction. Une idée purement égoïste donc mais perçue comme moins amère que la réalité. Comme c’est Fuyuki qui est à la tête du projet, les douze places sont probablement réservées pour ses proches et les autres scientifiques. Mutsuki sera sa pièce maîtresse. Dans chacun des survivants, cloîtré dans une capsule, doit émerger un monde de souvenirs, un monde où les êtres chers perdurent.  Face à ces sortes de « modérateurs » virtuels maîtres de leur propre espace, Mutsuki doit faire office d’administrateur et les contrôler, vérifier qu’aucun d’entre eux ne se réveille. Cloîtrée dans un gigantesque hub à la croisée de tous ces mondes, elle y scelle les pensées mauvaises et les souvenirs parasites sous formes de monstres. Les fameux esprits noirs qui se baladent.

On en voit d’ailleurs un dans la scène où la conseillère exorcise une élève qui se plaint d’entendre une voix toujours plus forte. En ôtant de sa poitrine les sentiments négatifs, elle espère l’empêcher de se souvenir. Cette élève est peut-être une autre survivante. Ce qui explique le discours de Fuyuki quand il indique qu’il a sous-estimé le contrôle qu’il a sur "eux", le "eux" désignant aussi bien Aya et le héros que les 12 survivants dans leur globalité.

Bref, si on réveille Mutsuki, tout disparaitra...et la seule raison qui la fait accepter ce sort et qu’elle veut vivre avec ceux qu’elle aime pour toujours (dont son « frère » et sa sœur). Mais cet amour se mue en haine parce qu’elle souffre de sa solitude. Elle a été sacrifiée pour le bonheur des survivants et n’y trouve plus la contrepartie espérée puisque son frère se détourne d’elle, ce qu’elle perçoit comme une véritable trahison. Trahison qu’on peut analyser comme suit : le héros ne correspond plus aux souvenirs que Mutsuki avait de lui. La comptine qu’elle fredonne va en tout cas dans ce sens. Et ce qui fait que le héros change est probablement le fait qu’il soit tombé amoureux d’Aya. On peut le constater à travers la photographie que tient Miyako où une Aya, barrée au feutre noir, vêtue de l’uniforme de l’école du héros côtoie une Mutsuki souriante. Photographie qui semble indiquer que le héros l’a rencontré dans la réalité (c’était une élève transférée ?) et que les deux filles se sont fréquentées un moment. Mutsuki passe donc de l’amour à la haine quand elle réalise que ses efforts pour rendre les gens heureux ne sont pas retournés. Mais la nature même de sa rivale est floue...

The case of Watsuji Aya : Despair

Fuyuki la décrit comme étant un fléau et la responsable de la destruction de plusieurs mondes mais on ne comprend pas bien comment l’héroïne pourrait correspondre à ce constat. Le tout premier monologue d’Interlude nous fournit de précieux indices quant à la véritable nature du personnage de Aya qui reste très nébuleux : elle serait prête à sacrifier l’univers pour se sauver elle-même. Mais on peut considérer que le monologue de Marufuji s’applique aussi bien à elle qu’à Aya quand elle parle de son envie de découvrir la vérité, de son dégoût face à cette comédie grotesque et dans la mention du cri capable de détruire le monde.

Aya pourrait être un fléau dans plusieurs sens, quand on analyse son passé. Il se peut que, contrairement à son entourage, elle n’ait pas cru au brusque retour de sa mère, tout juste décédée car son éveil à la vérité était le plus fort. Et dans ce cas les gens peuplant sa ville ne disparaissent pas, comme elle le prétend, car ils n’ont jamais été que des souvenirs errant dans son rêve, ce serait elle qui commencerait à ne plus croire en leur présence. Ce qui fait d’elle une des 12 survivantes. Mais, en même temps, la jeune fille refuse fermement de quitter son rêve, comme mue par une puissante contradiction. Sa détermination faiblit alors quand elle cohabite avec le héros car il lui apporte la conscience de ce qui est réel et de ce qui ne l’est pas, elle commence à hésiter (doute symbolisé par la scène de tir à l’arc : alors que dans son flashback elle vise à la perfection, en la présence du protagoniste principal, elle manque sa cible). En le suivant, elle abandonne ce qui maintenait son rêve, d’où sa dangerosité : elle n’a plus rien à perdre, plus d’attache.

Une autre possibilité est qu’Aya soit en proie à une folie dévorante. Ainsi lorsqu’elle raconte que sa mère est revenue d’entre les morts et que personne ne s’en est étonné, on entend simplement la voix de la défunte et le décor semble étrangement vide, comme si la jeune fille était la seule à voir le fantôme. De même, son père et son frère n’apparaissent pas dans cette scène alors qu’elle les dit présents. Etait-elle seule depuis le début ?

Une dernière possibilité est qu’Aya, décrite comme « le monde et ses contradictions personnifiés », ne soit en réalité qu’une allégorie, la personnification du désespoir (comment qualifier autrement son acharnement à répéter les mêmes gestes encore et encore dans un monde complètement vide ?).

Reboot

Une théorie que j’ai développée sur Interlude est que c’est une œuvre mettant en place une boucle temporelle. En effet certains évènements se répondent de façon étrange. Plusieurs indices tendent en tout cas vers un « reboot ».

Le premier élément révélateur étant le personnage de Sugiura. Il apparaît dans la 1^e scène de course-poursuite dans la ville de la lune, scène que le héros croit être un rêve. Or lorsque les deux hommes se croisent à nouveau, ils ont tout les deux le souvenir de s’être rencontrés. La scène aurait donc véritablement eu lieu...mais elle ne coïncide avec aucun moment de la chronologie ! Pire, Sugiura semble sous-entendre que ce n’est pas la première fois qu’il prévient le héros de ne pas se mêler du projet Pandore, alors que nous n’avons assisté à aucun de ses conseils. Il y aurait donc eu plusieurs rencontres ? Des renseignements à ne pas prendre à la légère puisque Sugiura se révèle un peu plus tard immortel. Il n’est alors pas impossible qu’il ait été jeté dans la ville de la lune parce qu’il gênait, comme le confirme le sourire de Fuyuki, visiblement peu ravi de le revoir. Et il gênait parce qu’il possède vraisemblablement tous ses souvenirs (en atteste sa régénération spectaculaire).

La notion de souvenir prend une toute autre ampleur quand on analyse les ordres de Mutsuki à son chien Hedgehog. Quand elle lui demande d’attaquer son frère ou Aya, le mot qu’elle prononce est très étrangement « Reboot ». Elle essayerait donc de les empêcher de se souvenir en réinitialisant leur mémoire. Or quand on sait que Fuyuki et Mutsuki font justement tout en leur pouvoir pour empêcher les deux adolescents de se rencontrer, c’est bien parce qu’ils se sont déjà rencontrés par le passé et ne s’en souviennent pas. On peut alors prendre Interlude comme le long combat du héros pour accéder à la réalité. Malgré la réinitialisation de sa mémoire et de celle d’Aya, les souvenirs sont finalement les plus forts et les attirent l’un vers l’autre. Leur coup de foudre serait donc une forme de réminiscence confirmée par un bref et curieux passage à la fin du 1^e OAV où Fuyuki apparait entouré de machines et d’employés, surveillant par l’intermédiaire d’un écran ce qui se passe dans le rêve du héros et fait la mention du destin. Comme si ce n’était pas la première fois qu’il tentait de les séparer. Une impression accentuée par son bref dialogue avec Miyako dans le 3^e épisode.

On pourrait alors interpréter la problématique de la non-mort des personnages de cette manière : Fuyuki entame un discours volontairement provoquant à l’encontre d’Aya pour la pousser à se servir de son arc dans une espèce de suicide qui prend son sens s’il s’attend à un reboot de sa mémoire (en tant que chef du projet Pandore, il est peut-être l’un des seuls à avoir gardé ses souvenirs et pourrait vouloir s’en débarrasser pour oublier son échec). Comme le héros est mortellement touché mais revient pratiquement intact, on peut supposer qu’à la manière de Sugiura le reboot ne lui fait plus rien car il regagne ses souvenirs de plus en plus vite à mesure que défilent les boucles. La scène suivante sur fond blanc serait alors le reboot suivant, cette fois Aya et le héros savent tous les deux ce qu’ils veulent et comptent partir derechef et Mutsuki tente alors le tout pour le tout pour les arrêter, ordonnant alors à Hedgehog de détruire le rêve. D’où la scène d’adieux où tous les survivants souhaitent bonne chance aux deux adolescents après avoir compris qu’on ne pourrait les forcer à rester.

Restent plusieurs questions : Le delete de Mutsuki signifie qu’elle veut supprimer les données du rêve...or le delete est envoyée contre Aya ; cela veut-il dire que cette dernière est une donnée comme une autre ou simplement que Mutsuki compte lui retirer son pouvoir de « modérateur », de rêver ? De même, si certains personnages ne sont généralement que des souvenirs des défunts à l’intérieur d’autres personnages, n’y aurait-il pas plusieurs versions en circulation, par exemple ?

\ !/ Fin spoilers \ !/

Conclusion

En fait, tous ceux que le côté « philosophical bullshit » énerve s’ennuieront ferme et trouveront Interlude tarabiscoté. Les plus courageux apprécieront cependant les débuts de réflexions qui émergent et prendront goût à l’élaboration d’hypothèses personnelles pour essayer de rassembler les pièces du puzzle.

Pour ma part, j’avoue avoir été franchement emballée par Interlude. Le premier visionnage m’aura tenu en haleine et même fait un peu pleuré à certains moments. Au second j’ai compris que beaucoup de dialogues et de scènes étaient à double tranchant et que l’œuvre formait un vaste et compliqué réseau de scènes pas toujours dans le bon ordre chronologique qu’il fallait remettre en place. Au troisième j’élaborais déjà des théories pour expliquer partiellement l’intrigue. Ce qui m’a énormément plu c’est surtout que c’est la première fois que mon discernement est mis à rude épreuve par une série. Les animes qui possèdent des failles béantes et se révèlent incompréhensibles ne m’ont jamais donné envie de me pencher dessus justement parce que leur structure était branlante et les animes réellement philosophiques et complexes comme Serial Experiments Lain et Boogiepop Phantom ne m’ont jamais torturé les méninges parce que j’avais l’impression de tout comprendre dès le premier visionnage ou presque. Interlude n’est pas impossible à analyser car un grand nombre d’indices sont là pour nous aiguiller mais en même temps il se dérobe suffisamment pour donner envie aux esprits les plus retors de découvrir la vérité cachée derrière ce rideau qui semble ne jamais vouloir se lever.

Malgré des défauts évidents, tel que cet abus de fanservice complètement hors-sujet et des choix de seiyuus pas toujours pertinents, et même s’il se contente d’effleurer des principes philosophiques potentiellement exploitables, Interlude propose un incroyable puzzle digne des plus grands masochistes du cerveau. Avec un petit côté à la Ever17 mais en animé, il donne surtout envie de vérifier si le jeu original est à la hauteur de cette réalisation. Une réponse toujours en suspens. Dommage...

P.S : Ceux qui me suivent sur Twitter le savent déjà mais j’ai décidé de me rendre à l’Epitanime cette année. Histoire d’observer des geeks dans leur habitat naturel et de prendre des notes. Donc voilà, vu que je sors pas souvent de mon trou, profitez-en, ça se reproduira ptet pas avant un moment.

Pour l’Eroge Mix de mars j’ai décidé de sortir mon meilleur atout avec l’OST d’Utatemeguri. Entre les pistes relaxantes mêlant flûte et harpe, les pistes à consonance rock, les pistes rythmées mélangeant rock et musique traditionnelle, les pistes épiques parsemées de chœurs grégoriens et les pistes dynamiques au chant lancinant, il y a largement de quoi trouver son bonheur. J’espère que vous apprécierez autant que moi.

Les OAVs ont à la fois l’avantage et l’inconvénient de servir de terrain d’expérimentation à tous les savants fous en herbe. Quelques fois on en sort de très belles choses, c’est ainsi que Makoto Shinkai a bâti sa réputation par exemple, quelques fois on sort un peu n’importe quoi, des immondices sans nom comme Mars of Destruction. Les OAVs sont le support privilégié des adaptations  incomplètes, telles Alien Nine, Petshop of Horrors ou encore Please save my earth. Aussi c’est tout naturellement qu’un jour, quelqu’un qui se demandait sans doute « Que se passerait-il si l’on adaptait une chanson en anime ? », décida de sortir un OAV d’une trentaine de minutes basé sur une piste de cinq minutes. Pas un clip à l’instar de ce qu’avait fait Mylène Farmer pour son single Peut-être toi et qui était vraiment joli graphiquement, non, un OAV. Logique.

Alors ça c'est du clip cool

Dans ma rubrique musicale, j’évoquais à un moment Zektbach, en réalité Tomosuke Funaki, et son premier album, The Epic of Zektbach ~Ristaccia, mélange de fantasy et de techno. La particularité de cet album est qu’un peu à la manière de Sound Horizon il raconte une histoire, sauf qu’elle est ici uniquement perceptible via le livret fourni, ce qui n’empêche pas d’avoir sa propre vision de la musique. L’intrigue se déroule dans un univers fantastique déchiré par les guerres où existent des fragments magiques très puissants nommés Ristaccia. On suit alors divers personnages dans leurs aventures.

Un drama CD, The Epic of Zektbach Novel CD Series : Blind Justice, était même sorti pour donner corps à cette intrigue et on y retrouvait des grands noms du doublage tels Aya Hisakawa, Otsuka Akio, Mamiko Noto, Chafurin, Yuu Asakawa ainsi que Akira Ishida et Kana Hanazawa dans les rôles principaux (respectivement Nox et Matin). Le drama CD s’orientait tout particulièrement autour de la piste Blind Justice qui mettait en scène deux jumeaux.

Depuis un second album, encore meilleur que le premier, The Epic of Zektbach ~Masinowa, est sorti. Ce style de musique était réellement intriguant et n’a pas dû plaire qu’à moi puisque des apprentis magiciens décidèrent d’en extraire une piste, une seule, sous forme d’OAV : Shamshir Dance.

Vous pouvez pas louper Shamshir, c'est la fille la plus sexy de la pochette...

Honnêtement, cette piste est à mes yeux l’une des moins convaincantes du lot. J’aurais nettement préféré une adaptation de Blind Justice (avec les mêmes seiyuus si possible), voire une adaptation de l’histoire de Malchut qui a quand même l’air plus intéressante...

Shamshir Dance retrace les péripéties de l’héroïne éponyme, Shamshir, la fille d’un général, elle-même guerrière de renom dans l’armée d’Azuelgatt, un petit pays en mauvaise posture qui doit faire face à l’invasion de son voisin, l’empire de Noigladdo. L’ennemi est largement en surnombre et tout espoir semble perdu lorsque la dernière bataille s’amorce. Or Shamshir possède une épée maudite qui lui accorde une force phénoménale et elle se lance dans une mission kamikaze pour anéantir le général de l’armée adverse avant qu’il ne soit trop tard. Bien évidemment elle triomphe et retourne à la capitale où les véritables ennuis commencent : des meurtres inexpliqués ont lieu dans les rues et pour ajouter à la confusion ils sont perpétrés dans le même style de combat habituellement utilisé par Shamshir...

J’avoue ne pas avoir grand-chose à dire sur cet OAV du fait même de sa brièveté.

La première chose que l’on remarque et ce dès la séquence d’introduction, c’est que l’OAV est alimentée par une imagerie visuelle  permanente. Que ce soit la lune rouge annonciatrice de malheurs relayée par des corbeaux, l’héroïne qui se dresse en solitaire dans la pénombre, la dance du diable, bon nombre de motifs récurrents et familiers des consommateurs réguliers d’animes sont présents. Et je pense que l’œuvre aurait dû se servir davantage de cette imagerie onirique afin de faire partager son histoire. En d’autre terme, privilégier l’aspect visuel et la musique, plutôt que d’essayer tant bien que mal de créer un anime cohérent avec si peu de moyens dès le départ. Car le souci de Shamshir Dance, comme on pourrait s’y attendre avec une OAV aussi courte, c’est que l’intrigue n’est pas entièrement expliquée. Il y a des blancs, des raccourcis, des passages légèrement confus dans lesquels il faut développer sa propre imagination sans chercher de réponse claire et précise (je pense surtout à tout ce qui concerne l’épée maléfique qui est à la fois le pivot de l’anime et ce qui est le plus laissé dans l’ombre). L’animation est correcte, sans plus. Disons que autant certains passages sont de toute beauté, autant la valse de Shamshir est très mal retranscrite ; c’est censé être un évènement splendide et dévastateur, un peu comme la cérémonie d’envol de Yuna dans Final Fantasy X et on n’a pas vraiment l’occasion de voir la guerrière tournoyer avec grâce (des mauvaises langues disent qu’elle se contente de faire des arcs de cercle de façon répétitive).

Quand Shamshir dance, le soleil revient. M'est avis qu'elle devrait bosser dans le département métérologique

En dehors de cela les doubleurs du drama CD sont visiblement de retour (je ne fais confiance qu’à ma mémoire auditive pour livrer cette information, à prendre avec des pincettes donc) et ce sont des pros, rien à dire là-dessus, sinon que leur travail n’est franchement pas mis en valeur surtout pour Shamshir : en effet cette dernière est complètement dénuée d’expressions. Elle arbore le même air stoïque en permanence. En temps normal on peut tolérer mais quand, sous l’emprise de l’épée diabolique elle se met à massacrer un peu n’importe qui, dont des gens qui lui sont chers, on pourrait estimer une quelconque réaction de sa part quand elle reprend ses esprits. Je sais pas moi, un soupir, un sanglot, un cri, la macarena, n’importe quoi !

Règle n°1 : ne jamais emmerder Shamshir, jamais !

L’OAV comporte donc beaucoup de faiblesses (Lala, le moeblob qui s'est gouré d'anime, les chiffres façon Matrix à chaque fois que Shamshir a l'épée Colada en main) malgré un postulat de départ intéressant mais ce qui reste à mes yeux la plus grosse erreur demeure résolument la musique. On est quand même dans le cadre d’une adaptation d’un album de fantasy-techno assez chouette et c’est à peine si on a le droit au fameux thème de Shamshir (et encore, pas en entier ni à pleine puissance, on risquerait de faire plaisir aux fans tiens) et il faut attendre les crédits pour écouter une des pistes tirées de The Epic of Zektbach. Alors je suis bien consciente qu’il était délicat de rajouter de la musique dans la mesure où l’OAV adapte une seule chanson (les autres morceaux racontent donc d’autres histoires) mais c’est un sacré paradoxe tout de même ! A qui s’adresse l’anime ? Prioritairement aux fans, non ? La preuve : qui, cette année a mentionné la sortie de cette OAV (qui date du mois de mars mais je viens juste d’avoir connaissance de son existence) dans le calendrier des nouveautés ? Quasiment personne. Un soin supplémentaire accordé à la bande-son n'aurait pas été du luxe.

Un, deux, trois, running gag : CHAMCHIRU-CHAMAAA

En conclusion, ce que je retire de Shamshir Dance (en dehors du fait que l'héroïne est habillée super sexy pour partir au combat, ça doit clairement déstabiliser les soldats adverses, quelle stratégie géniale !) c’est que le studio AIC n’a guère tenté de faire des efforts pour s’en occuper. Certes, les attentes derrière le produit ne devaient pas être phénoménales non plus mais ça aurait pu être l’occasion de quelque chose de bien plus grand. Un anime complet sur l’univers foisonnant de Zektbach aurait pu être une solution (et on a un compositeur tout trouvé d’office), un film à l’instar de ce que les Daft Punk avaient choisi pour Discovery également. Ou alors un vrai beau clip, qui condenserait tout en quelques minutes. Il y avait vraiment matière à réaliser quelque chose de sympathique et au final on se retrouve avec un enfant bâtard qui ne sait pas trop ce qu’il veut être.

L’OAV aura au moins permis d’analyser les erreurs à ne pas perpétrer lorsqu’on s’attaque à un album. En capitalisant à fond sur la transmission d’émotions de la musique et sur une imagerie poétique, des symboles à foison, quitte à délayer les interludes entre deux morceaux par un peu de dialogue, Shamshir Dance aurait pu emprunter la route déjà suivie par l’OAV de Clover qui était magnifique (musique composée par Ichiko Hashimoto, c'est un plus) et bien moins rigide. Cela reste divertissant, sans plus, et bien meilleur que le vrai clip, mais à choisir rien ne remplace l’imagination et l’album originel.

Je tiens à signaler par ailleurs que The Epic of Zektbach ~Masinowa est une vraie perle. On y trouve des morceaux bien plus calmes, plus traditionnels que le premier, mais toujours avec cette petite touche électro charmante. C’est un peu la rencontre entre l’OST des Douze Royaumes, Akiko Shikata (elle répond toujours présente pour une poignée de pistes) et un DJ farceur. Il me paraît un peu plus instrumental aussi. Entre Masinowa, l’intro très orientale, la très éthérée Junaguni Ruins, l’OVNI un peu étrange qu’est Wenkamui, la très électrique Raison d’être, la merveilleuse berceuse qu’est Malchut (le passage à partir de 2 :30 est à arracher des larmes), la paisible The Sealer qui renvoie à l’image du jardin originel, la rythmée L’avide avec ses passages à sonorité presque celtique, il y a beaucoup de bonnes surprises. Et je n’ai pas encore évoqué les reprises orchestrales de certains titres précédents comme Zeta (toujours aussi sublime), Turii ~Panta rhei (mais si, vous savez, cette chanson), ainsi que Malchut (deux pistes du même nom sur le même album ça peut porter à confusion). A défaut de pouvoir y consacrer une rubrique complète je vous conseille fortement d’y prêter une oreille.

Non, l'OAV n'était pas du tout un prétexte pour parler de Masinowa, je proteste.

J’avais dis que Boogiepop Phantom était un sujet d’article difficile ? Je retire ces paroles frivoles, j’ai trouvé un obstacle encore plus ardu à gravir ! Mais que voulez-vous, je crois que j’aime bien les petits défis personnels au fond…

Le sujet du jour est Reign The Conqueror ou Alexander Senki qui, comme son nom l’indique, est une série retraçant la vie d’Alexandre le Grand telle qu’elle est dépeinte dans le roman d’un certain Hiroshi Aramata. Mais ne vous attendez pas à un cours d’Histoire Antique, loin de là, car Reign The Conqueror est en réalité…une œuvre de science-fiction très particulière.

Alexandre, fils de Philippe II, roi de Macédoine, va bientôt être en âge de succéder à son père et de prendre en charge des commandements importants. Aussi ce dernier le fait-il chercher partout pour le pousser à assister aux réunions de guerre et l’inciter à assumer davantage de responsabilités. Mais Alexandre est introuvable, têtu et obstiné. Pour lui, il n’y a que la vitesse qui compte et il est persuadé de n’avoir besoin d’aucun conseil pour gagner ses premières batailles. Son inconscience et son indépendance inquiètent beaucoup le roi. En effet, avant même que celui-ci ne vienne au monde, sa mère la reine Olympia prophétisa qu’il détruirait le monde un jour. La prophétie aura-t-elle raison ?

Science-fiction ça commence par un s…comme string

La première remarque à laquelle on ne peut échapper en jetant un coup d’œil à Reign The Conqueror est bien entendu la question des graphismes. Même pour une série datant de 1999, on ne peut franchement pas dire que cela ressemble à quelque chose. Les designs de Peter Chung font bien plus penser à de la bande dessinée occidentale qu’à du manga, les personnages héritent de traits anguleux, de visages féminins (alors que les héros sont tous des hommes, un comble), autant de détails qui sont très désagréables à mes yeux. Je suppose qu’il y aura toujours des amateurs mais pour moi c’est juste…terriblement moche.

Hunhun, on ne t'a pas vu venir toi alors ! Offrir une call-girl au roi c'est pas très fair-play ça.

Les graphismes sont un sérieux frein à l’appréciation d’une histoire déjà pas toujours facile à suivre. Car oui, cette drôle d’adaptation suit globalement la vie qui a été celle d’Alexandre le Grand mais de loin. Les machinations politiques et les bassesses du pouvoir sont concentrées au début de la série dans un petit arc concernant le roi Philippe II et une fois ce cap passé, tout cet aspect est complètement effacé au profit d’éléments fantastiques parfois déboussolant. Les Macédoniens possèdent donc, par exemple, un robot géant de combat (WTF), se battent en fonçant dans le tas (la stratégie c’est pour les nuls) contre des sortes de soldats-ninjas-scarabées, des éléphants cracheurs de feu ou des hélices géantes. Le prince lui-même se bat en montant un cheval surnaturel mangeur d’hommes. Souvent il ne gagne ses batailles qu’en se changeant soudainement en super-saiyan et en défonçant 500 000 adversaires d’un coup d’une décharge électrique digne de Pikachu (non, je n’invente pas ce chiffre).

Pff la stratégie c'est pour les taffioles. Tremblez devant ma puissance, j'ai un cache-sexe bitches !

Tout ceci est d’autant plus perturbant qu’AUCUN PUTAIN DE PERSONNAGE NE PORTE DE PANTALON. Car oui, chez les Macédoniens steampunk du futur, on a des masques, des vêtements en haut, mais en bas c’est string obligatoire ou cache-sexe, au choix. Genre le roi a une armure en or balèze sur toute la première moitié de son corps, après c’est slip assorti (doré donc). Quand tu le vois en gros plan, ça fait classe mais déjà que la « caméra » s’éloigne un peu, arg, au secours quoi. Je vous vois venir, bande de pervers, vous pensez que c’est pratique pour se rincer l’œil ? Sauf qu’avec un design pareil et le fait que 99% des protagonistes sont des hommes, il va falloir se lever de bonne heure pour faire plaisir à ses yeux. Sans compter qu’il est très délicat de s’y habituer : on a beau regarder les épisodes à la suite, c’est juste impossible de ne pas tilter au moins une fois sur ces merveilleux cache-sexes. Ce qui fait que même s’il se passe quelque chose d’important à l’écran le spectateur sera le plus souvent déconcentré par cette affusion de slips.

Oh mon Dieu, mais...il y a des filles dans cette série !

Les philosophes sont tous des ninjas

Mais voilà, ce n’est pas fini. Reign The Conqueror aime à balancer des réflexions métaphysiques obscures, généralement à propos des mathématiques, comme pour nous perdre encore davantage. La plupart des actions qui se déroulent sous nos yeux sont inexpliquées et incompréhensibles, alors à force on n’essaye même plus de poser des questions, on acquiesce gentiment, même si quelques fois les scénaristes abusent légèrement (le coup du bonhomme qui est pris d’une hallucination et se retrouve, sans aucune explication, 50 ans dans le futur, je cherche toujours comment il a fait son compte…). Des fois la série est quand même intéressante à suivre, il y a des tas de combats, une intrigue qui nous donne envie de voir si oui ou non Alexandre va détruire le monde, mais il faut accepter d’être noyé régulièrement.

Olala, il me saoûle celui-là. Bon, pour la peine je vais faire un voyage dans le futur, ça me divertira tiens...

Les personnages en eux-mêmes ne sont pas particulièrement transcendants. Il y a bien le héros éponyme, qui porte en lui tout le mystère et le charisme nécessaire (avec le coup des slips, ça se discute…) et dont on ne sait jamais vraiment ce qu’il pense, sinon ils sont tous assez interchangeables, ce sont tous des officiers qui se battent super bien (sauf Ptolémée qui est un lâche de la pire espèce et qu’on doit sauver tout le temps). Dans le lot il y a Héphaestion, le barde/ninja/gigolo/garde du corps du roi (il est multitâches, c’est dingue), Cleitus qui a les tétons à l’air, Philotas et Cassandra, la seule fille qui se bat (doublé par Atsuko Tanaka, Motoko dans GITS). Sinon on peut aussi compter le clan des philosophes (car dans Reign The Conqueror les philosophes sont badass) avec le fantôme de Platon qui aime à traîner dans le coin, cette pute d’Aristote et ses plans foireux, Diogène le Cynique (si, si, souvenez-vous, le mec qui vit dans un tonneau et qui pisse sur les boutiques des commerçants qui l’emmerdent) et les disciples de tout un tas de sectes, dont celle de Pythagore, qui sont tous des monstres-ninjas. Oui, c’est ça la philosophie, la vraie : c’est l’art ancestral du shuriken à coup de cubes géométriques. Comprenne qui pourra.

Les héros

It’s a nice sssssssssssssssssssssssssnake you have here

Là le lecteur attentif se dit que le titre de l’article était « Des slips et des serpents » et qu’il n’a encore vu que les premiers. Et bien justement, j’en viens à la partie la plus traumatisante de cette histoire… Reign of The Conqueror n’a peur de rien en ce qui concerne la censure et il n’est pas inhabituel de voir des tétons féminins ou masculins traîner ça et là, et comme il n’a pas peur, il se permet de luxe d’aller encore plus loin en dépeignant, quasiment à chaque épisode, une petit scène de sexe entre cette psycho bitch d’Olympia (qui est la plus grande tarée que j’ai jamais vu dans un anime) et deux gros pythons. Les gens qui, comme moi, ont la phobie des serpents ou ne supportent pas ce gentil animal, doivent donc être prévenus s’ils veulent éviter une nausée aussi soudaine que violente. Mettez-vous à ma place : vous êtes confortablement installé devant votre écran, un paquet de chips à la main, vous vous sentez bien et là, inspiré par le démon vous démarrez un épisode de Reign The Conqueror. Moins de 2min plus tard vous lâchez déjà votre paquet de chips à la vue d’un baiser tout sauf platonique entre Olympia et son animal de compagnie. 10min plus tard vous portez les mains à votre bouche quand surgit la fameuse scène d’orgie générale à base de serpents ; quelques épisodes plus tard celle du sacrifice lors d’une cérémonie occulte vous arrachera probablement des larmes quand cette chère tarée lancera des rayons laser à partir de son vagin…Not Safe For Mind donc.

Aaaaaaaaaaaaaaah, ne me touche pas toi !

En conclusion, j’avoue que je n’ai pas grand-chose à dire. Alexander Senki est tellement insaisissable qu’on ne peut ni le considérer comme une bonne série ni comme une daube immonde. C’est juste impossible à décrire, il faut le vivre pour le comprendre. Ce qui est dommage c’est qu’au final, après visionnage des 13 épisodes que comporte l’anime, on ne retiendra que deux choses : tout le monde est tout le temps en string/slip et WOW PUTAIN NON, MES YEUX, PAS LES SERPENTS ! Si vous êtes en manque de sensations fortes pour égayer votre morne existence je vous conseille d’au moins jeter un coup d’œil au premier épisode, ça devrait faire son petit effet…

P.S : Ce qui est assez ironique dans cette histoire c’est que je suis tombée sur Reign The Conqueror en cherchant sur My Anime List le « worst anime ever » dont parlait Exelen il y a des années de ça.

Ces dernières semaines m’ayant usée jusqu’à la trogne, je me suis un peu laissée aller en terme de blogging, faute d’énergie. Heureusement, après moult remises en questions, j’ai trouvé un remontant sous la forme d’un film d’animation dont je n’avais jamais entendu parler auparavant, sorti en 2003 : Interstella 5555.

Cette œuvre a ceci de particulier qu’elle est en réalité l’illustration d’un album de Daft Punk, Discovery, donc ne comporte aucun dialogue et très peu d’effets sonores. Un peu comme un gigantesque clip d’une heure. Un drôle de projet en collaboration avec Matsumoto Leiji (papa de Galaxy Express 999 ou Captain Harlock par exemple) qui apporte au design des personnages et à l’ambiance générale une petite touche qui fleure bon les années 80-90. La question est : Le film a-t-il une valeur intrinsèque ou se contente-t-il d’être une sorte de bonus visuel à l’album Discovery ?

Sur une lointaine planète, à l’autre bout de la galaxie, se déroule une grande célébration. Un groupe d’extraterrestres donne un concert retransmis en direct un peu partout dans la région. L’humeur générale est donc à la fête jusqu’à ce qu’un mystérieux vaisseau pénètre dans l’espace aérien au nez et à la barbe des personnes chargées de la surveillance spatiale, trop occupées à regarder la prestation. Très vite des hommes portant des masques à gaz s’infiltrent sur scène et kidnappent les musiciens pour les emmener sur Terre. Un courageux pilote situé non loin de là entend alors le signal d’alarme et fonce à leur rescousse…

Je n’ai jamais trop été fan de Daft Punk. Je me souviens avoir maudit ma mère lorsqu’elle passait Around the World dans la voiture lors des longs trajets tellement ça m’était insupportable. Je me souviens aussi avoir été parfaitement indifférente à Human After All dès la première et dernière écoute tant et si bien que je suis incapable de décrire une seule piste. Discovery, je m’en souviens déjà un peu plus en ce que j’ai autrefois eu l’album (et l’ai encore) et que je l’ai écouté un peu plus, mais globalement je n’appréciais que quelques pistes par ci par là, et ça ne me faisait pas grand-chose non plus. Par contre je me souviens très bien avoir été intriguée par les clips de One More Time et Harder, Better, Faster, Stronger qui représentaient des aliens bleus sur le point d’être transformés en êtres humains. J’ai toujours voulus avoir qui étaient ces personnages, leur histoire. Et, il y a quelques jours, miracle, j’apprends par hasard qu’un film a été crée pour raconter tout ça. Une œuvre expérimentale, ça vaut toujours le coup d’essayer !

Esthétisme du champ de fleurs

Je ne m’attendais donc pas à grand-chose avec Interstella 5555 mais force est de constater que oui, il possède une valeur intrinsèque. La patte de Matsumoto Leiji a un petit quelque chose d’atemporel et de nostalgique très plaisant qui situe l’action dans un ailleurs lointain et fabuleux. L’esthétisme est un aspect très important du film car bon nombre de scènes dépassent la narration simple pour faire plaisir à nos yeux : que ce soit la beauté de la planète extraterrestre, les scènes de rêve sublimes, celles de concerts rythmées et chaleureuses au niveau des couleurs, la tombe sous l’arbre, le côté fantastique est toujours largement transcendé par une imagerie, une mise en scène colorée. Or cette dernière a aussi la lourde tâche de pallier le manque de dialogues qui nuit un peu à la caractérisation des personnages, ce qui n’est pas une mince affaire. Personnellement, ayant été habituée à des œuvres un peu contemplatives comme Noir, lire dans les expressions des protagonistes me paraît rajouter à la fluidité de l’histoire et participer à l’esthétisme, je n’ai aucun problème de compréhension tant que je me laisse porter. En revanche il est clair que ça ne plaira pas à tout le monde, en particulier ceux qui aiment bien qu’on les prenne par la main pour tout leur expliquer de A jusqu’à Z.

De gauche à droite : Octave, Stella, Baryl et Arpegius

Disco-very

L’autre moyen de transmettre les émotions et de raconter une histoire sans paroles, en plus de la mise en scène, est bien entendu la musique. Et sur ce point j’ai été agréablement surprise de constater combien Interstella 5555 transcendait les pistes de Discovery. Le mélange m’a parut très convainquant. Globalement le film n’est pas un patchwork composé de petits clips mal collés, il parvient à garder sa continuité malgré la contrainte initiale. Le découpage est également très bien foutu en ce qu’une même chanson peut très facilement englober plusieurs évènements sans qu’il y ait de dissonance : on passe ainsi d’une scène de concert à une scène d’action puis à une scène de course-poursuite tout en conservant une cohérence et un parallèle entre ce que l’on voit et ce que l’on entend (un riff peut correspondre à un plan où l’on voit les personnages courir ;  la déformation de la fin de Short Circuit avec la perte de conscience d’un personnage par exemple). Sans compter que les rares paroles coïncident plutôt bien avec les situations et se font l’écho de ce que devraient dire les personnages même si on ne les voit pas toujours ouvrir la bouche (je pense à Something About Us notamment).

Un conte pour grands enfants ?

Passons maintenant à l’intrigue en elle-même. Ce qui est intéressant avec Interstella 5555 c’est que c’est un film qui affiche plutôt la volonté d’être une sorte de fable, de métaphore (je reviendrais sur ce qu’elle est sensée représenter) et entre donc de plein pied dans l’univers du conte avec ce qu’il a de simple, de manichéen mais aussi de fantastique : il y a le grand méchant qui capture les extraterrestres à des fins mégalomanes et clichés, les gentils transformés en automates dénués  de volonté et forcés d’obéir à ce dernier et enfin le héros ( ?) qui vient les sauver à bord de son vaisseau-guitare et qui est amoureux de la bassiste du groupe. Qu’on ne s’attende donc pas à une complexité infinie, à des cliffhangers de folie, non rien de tout cela. Interstella 5555 peut facilement se lire comme un conte de fées muet et la mise en abime finale achève de lui conférer cet aspect un peu enfantin, comme si tout n’avait été qu’une histoire inventée par un enfant à l’aide de petites figurines, une histoire irréelle et purement fantasmagorique. Les personnages ne peuvent pas être réellement développés en prenant en compte cet angle là, ce sont davantage des représentations mythifiées et sympathiques, des rôles (le petit rigolo, la jeune fille douce et fragile, le jeune homme impétueux, le leader charismatique et raisonné), que de vraies personnes et l’absence de voix va dans ce sens : ils possèdent tous la même, la voix de l’enfant qui s’imagine dans ces petits bouts de plastiques, notre voix qui nous projetons en eux lors du visionnage du film.

Stella et Shep

5tar 5ystem

Cependant, comme l’indique les quatre 5 présents dans le titre, Interstella a quelque chose qui dépasse le simple conte : la critique relativement subtile du star system. Subtile parce qu’à aucun moment vous ne verrez de parodie exagérée ou de satire explicite. On peut considérer que tout commence avec Harder, Better, Faster, Stronger lorsque nos quatre protagonistes, inconscients, sont sujets à une vaste entreprise de lobotomie. Alors qu’ils étaient tous vêtus pareils avec une même peau bleue sur leur planète, Earl de Darkwood (le méchant) entreprend de les classer dans des catégories après avoir soigneusement modifié leur mémoire pour les faire passer pour des êtres humains. Chacun est donc « déguisé » à partir d’un style vestimentaire bien précis : Arpegius emprunte un look rock, Stella un look country, Baryl un look metal et Octave, qu’on teint en noir pour l’occasion, un look disco. Ils entrent donc désormais dans des étiquettes, ils sont classifiables, c’est la seconde perte de leur identité. Le fait même qu’Octave ait une couleur de peau différente (alors qu’à l’origine il était bleu comme tout le monde) me paraît être un signe assez intéressant de la puissance du processus d’aliénation encore plus amplifié lorsque les Crescendolls (le nouveau nom du groupe) deviennent des stars et que l’on affiche leurs « goûts » personnels. Chaque membre est désormais une caricature de lui-même. Ainsi la fiche de Stella indique qu’elle aime ce qui est fashion, le shopping et déteste qu’on tue des animaux. Comme si toute star qui se respectait se devait de faire parti d’une association ou de défendre une noble cause (genre « Protégeons les dauphins » ou « A bas la fourrure »). Un détail aussi ridicule que grinçant à mes yeux. Mais encore une fois on est dans la critique légère. La descente aux enfers des Crescendolls se poursuit lorsque, répétant à l’infini leurs chansons telles des marionnettes privées de vie, leur célébrité les use physiquement, les force à multiplier les tournées et les autographes sans répit. Leur destinée aurait pu être funeste si Shep, le valeureux pilote extraterrestre, n’était pas venu dans le but de les libérer de l’emprise d’Earl de Darkwood.

Un message envers les fans ?

Ce que je me demande à présent c’est : n’y aurait-il pas encore autre chose dans Interstella 5555 ? En effet, le groupe d’aliens musiciens faisant office de métaphore du star system, il ne serait pas tout à fait déplacé d’élargir cette critique à un cadre plus large. Tout au début du film, les Crescendolls respirent la joie de vivre et dansent devant une foule en délire. Par la suite ils se retrouvent sur Terre ravalés au rang de machine pour un public, certes toujours très enthousiasme, mais « étranger ». Les terriens passent pour les véritables extraterrestres de l’histoire et si la musique sonne encore pour eux, pour les membres du groupe elle a déjà perdu son sens. Le fait que les terriens copient leur style, justement artificiel, n’aide pas à faciliter une communication déjà impossible. Lorsqu’en séance d’autographes Stella serre la main d’un adorateur et qu’elle contemple sa paume d’un air dubitatif, on a vraiment l’impression qu’elle vient de vivre une rencontre du 3^e type. Et qui vient la sauver de cette situation ? Shep. Et Shep n’est pas n’importe qui, c’est un fan des Crescendolls, son plus grand fan même. Son vaisseau est tapissé de posters et il a des sentiments envers Stella, ce qui n’est pas anodin. On pourrait même voir dans Interstella 5555 une structure assez intéressante que l’on constate d’emblée lors des deux scènes de rêve (la première avec Shep, solitaire, la seconde avec Stella, partagée) qui soutiennent son développement.

L’introduction met en scène le groupe dans leur monde d’origine, or comme on l’apprend un peu plus tard les extraterrestres sont associés à l’idée de génie créatif, leur public est donc de la même trempe qu’eux, c’est une sorte de public idéal et idéalisé. Intervient l’enlèvement, le conditionnement pour entrer dans des cases prédéfinies, la morne vie de star qui contraste avec le paradis perdu. L’élément qui va sortir les quatre héros de leur mélancolie est donc le fan à cheval entre les deux mondes mais très proche du premier de par l’emplacement de son vaisseau et sa nature même. Le rôle du fan serait donc de soutenir ses artistes préférés, de les aider à surmonter les épreuves pour leur permettre de retrouver cet idéal de l’art pour l’art tout en gardant à l’esprit le public terrien, jamais méchant (cf Face to Face qui montre un aspect assez optimiste du genre humain) mais loin du public originel, tout en jouant pour eux. La conciliation de l’idéal avec la réalité si l’on veut (cf le concert finalement retransmis sur les deux planètes). Interstella serait donc la représentation de cette conciliation uniquement possible grâce au soutien du fan avisé.

Ce n’est peut-être que pure extrapolation de ma part mais la narration très libre du film laisse le loisir à de nombreuses hypothèses.

Conclusion

Interstella 5555 réussit le pari de transcender un album en lui offrant une illustration tout en sortant largement de ce contexte de base. Daft Punk n’oublie toutefois pas qui sera le destinataire privilégié du film et le saupoudre d’un voile de fanservice (caméo des deux robots à plusieurs reprises, la fin) qui fera sans doute plaisir aux admirateurs du groupe. Pour les autres restera une œuvre atypique et divertissante tant qu’on ne lui demande pas d’être autre chose (il faut être prêt à écouter du Daft Punk aussi). Un bel encouragement à la collaboration entre Orient et Occident (symbolisé par le petit clin d’œil lorsque les gardiens regardent un match de foot entre la France et le Japon) qui n’a malheureusement pas eu beaucoup de descendants mais qui sait, peut-être que cela viendra un jour...

P.S : Je n’ai que très peu accès à Internet là où je suis en ce moment, vous m’excuserez donc si mes posts se font rares durant les vacances de Pâques.